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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@vaxsns.sns.it)
numero 0 (7 Dicembre 1994)

Questo e' il numero 0 di una rivista amatoriale (fanzine) di musica rock diretta, scritta e distribuita da Riccardo Ridi senza nessunissimo scopo di lucro (magari). 

La periodicita' sara' del tutto erratica, cosi' come i contenuti. La distribuzione avverra' per abbonamento, per posta elettronica via internet.

Chi volesse abbonarsi e ricevere cosi' anche i prossimi numeri deve inviar un e-mail col messaggio OH SI, MUOIO DALLA VOGLIA DI ABBONARMI AD ELEPHANT TALK all'indirizzo RIDI@VAXSNS.SNS.IT (mi raccomando, l'esattezza del testo e dell'indirizzo e' fondamentale). Anche vostri amici possono abbonarsi, se vogliono, ma PER FAVORE non inviate questo mail ad estranei o a liste di discussione. 

Questo numero zero e' interamente dedicato a.........

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IL MEGLIO DEL ROCK 1994 
(prima selezione provvisoria)
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Album (in ordine alfabetico)
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Alice in Chains		JAR OF FLIES
American Music Club	SAN FRANCISCO
Amos,Tori			UNDER THE PINK
Auteurs			NOW I'M A COWBOY
Black,Frank			TEENAGER OF THE YEAR
Cranberries			N0 NEED TO ARGUE
Dinosaur Jr.			WITHOUT A SOUND
Faith Over Reason		EASY
Ferry,Bryan			MAMOUNA
Galliano			THE PLOT THICKENS
Germano,Lisa		GEEK THE GIRL/HAPPINESS
Hersh,Kristine		HIPS AND MAKERS
In The Nursery		ANATOMY OF A POET
Jesus & Mary Chain	STONED & DETHRONED
King Crimson		VROOOM
Luna				BEWITCHED
Mano Negra			CASA BABYLON
Massive Attack		PROTECTION
McLaren,Malcolm		PARIS
Morrissey			VAUXHALL AND I
No Man			FLOWERMOUTH
Nordenstam,Stina		AND SHE CLOSED HER EYES
O'Connor,Sinéad		UNIVERSAL MOTHER
Pavement			CROOKED RAIN CROOKED RAIN
Pop Will Eat Itself		DOS DEDOS MIS AMIGOS
Portishead			DUMMY
Primal Scream		GIVE OUT BUT DON'T GIVE UP
Rose Chronicles		SHIVER
Senser			STACKED UP
Sonic Youth			EXPERIMENTAL JET SET, TRASH...
Stereolab			MARS AUDIAC QUINTET
Strangelove			TIME FOR THE REST OF YOUR LIFE
Suede				DOG MAN STAR
Sugar				FILE UNDER: EASY LISTENING
Therapy?			TROUBLEGUM
Transglobal Underground	INTERNATIONAL TIMES
Wobble,Jah			TAKE ME TO GOD
Young,Neil			SLEEPS WITH ANGELS

Antologie (in ordine alfabetico)
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NATURAL BORN KILLERS
RED HOT & COOL
THE CROW
THE FLINTSTONES

Singoli (in ordine alfabetico)
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Blur					Girls & Boys
Bono & Gavin Friday		Billy Boola/In the Name of Father
Neneh Cherry  & Y. N'Dour:	7 Seconds
O'Connor,Sinead			Fire on Babylon EP
Portishead				Sour Times
Primal Scream			Rocks/Funky Jam
Prince				The Most Beaut. Girl In The World
Renegade Soundwave		Renegade Soundwave
Sonic Youth				Doctor's Orders
Strangelove				Is there a place?
T. Thorn, & Massive Attack	Protection 
Tindersticks				Kathleen EP

Voce femminile: Sinéad O'Connor   -    Beth Gibbons (Portishead)
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Voce maschile: Gavin Friday   -    Tim Bowness (No Man)
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Promesse:	Drugstore
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Rivelazione:	Lisa Germano
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Cover:	Frente!: Bizarre Love Triangle (New Order)
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Delusione 	Orb & Fripp:     FFWD>>
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Premio speciale "rock senza frontiere"
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Nautilus Pompilius		TITANIK     (ex unione sovietica)

Album Italiani
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Bisca		LA BOMBA INTELLIGENTE
CSI		KO DE MONDO
Mau Mau	BASS PARADIS
Negrita	NEGRITA
Pravo,Patty	IDEOGRAMMI

Dischi del 1993 scoperti troppo tardi per la classifica dell'anno scorso
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Alma Megretta	ANIMA MIGRANTE
Blindosbarra	BLINDOSBARRA

Cale,John		23 SOLO PIECES FOR LA NAISSANCE...
Divine Comedy	LIBERATION
Jamiroquai		EMERGENCY ON PLANETH EARTH
Shriekback		SACRED CITY
Siberry,Jane		WHEN I WAS A BOY
Stereolab		TRANSIENT RANDOM-NOISE BURSTS...
Thrill Kill Kult	13 ABOVE THE NIGHT
Underworld		DUBNOBASSWITHMYHEADMAN
Us 3			HAND ON THE TORCH
Verve		A STORM IN HEAVEN

Young,Neil		Philadelphia

Scoperte tardive precedenti al 1993
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Spin Doctors	92	POCKET FULL OF KRYPTONITE
Sugar			92	COPPER BLUE
Northside Ch. Rh.	91	NORTHSIDE CHICKEN RHYTHMS
Underworld		89	CHANGE THE WEATHER
Cale,John		82	MUSIC FOR A NEW SOCIETY
Drake,Nick		72	PINK MOON
Drake,Nick		70	BRYTER LAYTER
Drake,Nick		69	FIVE LEAVES LEFT
Velvet Undergr.	68	THE VELVET UNDERGROUND [III]

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 0=======

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@vaxsns.sns.it)
numero 1 (12 Dicembre 1994)

----------------------------------------------------------------------------------ISTRUZIONI PER L'USO

Una piccola avvertenza: i dischi contrassegnati dal simbolo @ sono disponibili (in originale o in copia magnetica) presso la mediateca della fanzine. Altra convenzione: tutti in stampatello gli album, solo le iniziali maiuscole per singoli et similia.

Per tentare di definire, afferrare, spiegare, etichettare dischi e artisti, cercheremo di utilizzare, senza nessun obbligo filologico, i termini impiegati da Gianni Galeota in un tentativo di "Classificazione Rock" tuttora in corso di elaborazione e a cui siamo onorati di collaborare. Una delle principali fonti di ispirazione di tale classificazione e' la gigantesca "Storia del rock" scritta dal poliedrico Piero Scaruffi per Arcana e giunta da pochi giorni al quinto volume.

Anche questo numero viene inviato "a pioggia". Il prossimo verra' spedito invece esclusivamente agli abbonati. Per abbonarsi basta inviare un e-mail col messaggio OH SI, MUOIO DALLA VOGLIA DI ABBONARMI AD ELEPHANT TALK all'indirizzo RIDI@VAXSNS.SNS.IT
----------------------------------------------------------------------------------A TUTTO FUNK

A Rovereto c'e' un negozietto specializzato in musica soul-funk, che vende anche per corrispondenza (BOOGALOO RECORDS, the finest in groove since 1994, via rialto 38, tel. 0464-4331447). Sugli scaffali tuttotuttotutto quello che puo' avere a che fare col funk, antico o moderno, in tutte le sue sfaccettature (acid jazz, dance, disco, house, rap, funky) o col soul (dalle classiche famiglie Atlantic, Chicago, Miami, Philly, Stax, Tamla Motown alle piu' recenti versioni Techno e Dance) o anche solo con la corrente funky-soul del pop revival contemporaneo.

Fra i moltissimi dischi (spesso solo in vinile) abbiamo scelto per voi:

SUPERFUNK: THE FUNKIEST ALBUM IN THE WORLD...EVER!
(1994, 2CD, @). Antologia di superclassici funk 70', 80' e 90' scelti fra tutti i generi presenti nel negozio ed appena elencati, con l'unica condizione di essere almeno un pochetto ballabili. Nomi che potrebbero sembrare agli antipodi vengono appropriatamente riuniti grazie al filo rosso del groove!!!
Ecco qualche esempio: Cameo, Funkadelic, Chic, James Brown, Simply Red, Incognito, Isaac Hayes (la mitica "Theme from Shaft"), Young Disciples, Temptations e tanti altri (ben 40 pezzi) a volte meno noti, ma ugualmente esplosivi.

RED HOT + COOL: STOLEN MOMENTS (1994, 2CD, @). Ancora una antologia, ma stavolta si tratta di pezzi incisi appositamente, con poche eccezioni. L'idea e' questa: jazzisti classici (herbie hancock, ron carter) incontrano giovani rapper. Il risultato e' morbido, vellutato, ma swingante. L'etichetta che piu' si avvicina e' Acid Jazz. In omaggio (per modo di dire) un Bonus CD con brani di jazz d'annata puro e semplice (brandford marsalis, alice coltrane)

SPEARHEAD: HOME: 1994 @. Michael Franti ha sciolto i Disposable Heroes of Hiphoprisy e ha fondato gli Spearhead. Al Rap tecnologico con venature metal del vecchio gruppo sono stati aggiunti veri musicisti, mille stili (tutti rigorosamente black) ed il risultato e' un album rigoroso ma accessibile, una enciclopedia dei generi funk e soul, un grande album non solo per amanti del rap ortodosso. Da non perdere il lento in chiusura: "Caught Without an Umbrella".

JAMIROQUAI: EMERGENCY ON PLANET EARTH (1993, @) e THE RETURN OF THE SPACE COWBOY (1994,@). Ancora musica black, ed in particolare funk, leggero leggero ma accattivante. Atmosfere seventies,  principali riferimenti Stevie Wonder (somiglianza imbarazzante in "Too Young To Die" del 93), Lenny Kravitz e Prince. Irresistibile sul primo album la ballabilissima "If I Like It, I Do It". Il secondo album, ripetitivo, piu' stanco, e'inferiore al debutto: capita spesso.
----------------------------------------------------------------------------------BIONDE

Sembrerebbe che stiano per riformarsi i Blondie, la cui cantante Deborah "Debbie" Harry, ancora affascinante nonostante l'avanzata eta', e' probabilmente stata un modello per Madonna piu' della citatissima Marilyn Monroe.

"Se dovessi farmi la plastica facciale e tutto il resto, la mia ambizione sarebbe di uscirne come Debbie Harry" Andy Warhol.

L'austera rivista musicale alternativa "Rumore" recensisce positivamente l'ultimo album BEDTIME STORIES di Madonna. Mai dire mai.

Se "Rumore" si imborghesisce, "Rockstar" - che ultimamente sembrava piu' una rivista di moda che di musica - ha cambiato da un paio di numeri formula e direttore, tornando ad interessarsi anche di generi meno "mainstream".

In libreria, nei "Millelire" di Stampa Alternativa, un irresistibile "La cosa piu' bella di Firenze e' McDonald's : aforismi mai scritti" che raccoglie le ciniche - ma anche umanissime - battute tratte dalle conversazioni ed interviste di Andy Warhol.

"Se raccogliessero tutte le frasi che ho detto capirebbero che sono un idiota e la smetterebbero di farmi domande" Andy Warhol.
----------------------------------------------------------------------------------RECENSIONI IN BRANDELLI

VERUCA SALT: AMERICAN THIGHS: 1994 Juliana Hatfield, Liz Phair, Breeders, ecco i riferimenti di questo nuovo gruppo femminile. Punk-Pop fresco, accattivante, che ricorda Pixies,Weezer e le loro melodie disturbate.

BJORK: GLING-GLO': 1990 @ Finalmente disponibile anche in Italia l'album acustico della piccola, deliziosa islandese, inciso quando ancora cantava nei Sugarcubes (DEBUT non era un debutto). Voce da brividi, tanto pianoforte e contrabbasso, batteria "spazzolata", atmosfere cosi' jazzate da sfiorare il jazz piu' ortodosso.

SYSTEM 7: POINT 3: 1994 Techno ambient rigorosamente strumentale proposta in due diversi cd: versione piu' rilassata sul WATER ALBUM, ritmicamente piu' sostenuta sul FIRE ALBUM. Chi rintraccia in musiche come queste una filiazione dal "progressive" degli anni 70 (impressione rafforzata qui dalla presenza di Steve Hillage) trovera' conforto nell'autorevole parere di Alberto Campo per Rumore: "E se qualcuno prova a dirmi che questo non e' puro (e deteriore) neo-progressive gli sparo".
----------------------------------------------------------------------------------'94 TRENDS

Due le principali tendenze musicali di questo 1994 agli sgoccioli. 
A) Un ritorno a sonorita' anni '70 su tutti i fronti, da quello Rock (Stone Roses, Oasis) a quello Funk (Jamiroquai), passando per il Rock-Funk (Primal Scream, Big Chief) e senza dimenticare il Glam (Suede, Auteurs, Strangelove). 
B) Qualcosa fra il Techno Soul e l'Acid Jazz, melodie dolci su ritmica hip hop in battuta bassa alla Soul II Soul, i nomi: Portishead, Massive Attack, Neneh Cherry, Malcolm McLaren.
Se dovessi indicare una sintesi di A e B forse potrei azzardarmi ad indicare THE PLOT THICKENS dei Galliano. Ma perche' mai dovrei?

Finalmente in negozio due grandi ritorni: gli Stone Roses con SECOND COMING @, atteso da 5 anni, e i King Crimson con VROOM @, che molti non si aspettavano proprio, ma che i fedeli cremisi "sapevano" dovesse prima o poi uscire, da ben da dieci anni.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 1======

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@vaxsns.sns.it)
numero 2 (9 Gennaio 1995)

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INSAZIABILE

L'artista un tempo noto come Prince non e' certo restato con le mani in mano nel 1994. Gia' l'anno precedente aveva iniziato a liquidare il suo eteronimo pubblicando THE HITS AND THE B-SIDES (1993, 3 CD, @), gigantesca antologia con quattro novita' (fra cui l'autointerpretazione della famosa "Nothing Compares 2 U" portata al successo da Sinead O'Connor) e un intero CD di rarita'. Nel 1994 cala letteralmente la pietra tombale con PRINCE 1958-1993 COME @, le cui date non indicano gli estremi cronologici delle canzoni incluse (tutte nuove) bensi' quelli del loro autore. Si tratta del primo di una serie di sei album dovuti alla Warner Bros per concludere il vecchio contratto.

Sempre per saziare la Warner Bros e' uscita nel '94 in edizione limitata la versione ufficiale del mitico BLACK ALBUM @, uno dei vertici assoluti dell'arte princiana, che si era gia' affacciato clandestinamente sul mercato nei primi mesi del 1988.

Mentre Prince muore, il nuovo impronunciabile eteronimo [Love Symbol] muove i primi passi per la nuova etichetta autarchica New Power Generation. Il singolo "The Most Beautiful Girl In The World"
e' uscito da solo e in compagnia di sei versioni alternative col titolo complessivo THE BEAUTIFUL EXPERIENCE @ . Sempre col nuovo eteronimo e' comparso nei negozi WELCOME 2 THE BEAUTIFUL EXPERIENCE @ un bootleg registrato (benissimo) dal vivo ai Paisley Park Studios (cioe' a casa dell'ex-Prince) nel febbraio '94 e contenente ben 11 pezzi inediti che non possono assolutamente essere considerati degli scarti. Prove generali per il prossimo album ufficiale?

Infine 1-800-NEW-FUNK (1994, @) vera e propria opera di [Love Symbol] sotto forma di pseudo-antologia di artisti della sua scuderia. 
Il nostro firma esplicitamente sei brani su dieci (tre da solo e tre in compagnia) e un altro sotto pseudonimo; quasi tutti i cantanti sono accompagnati dai New Power Generation, suo gruppo spalla dai tempi di DIAMOND AND PEARLS (1991, @); lui suona in un paio di brani, duetta in uno e probabilmente da' una mano nei cori di altre. Insomma un disco di Victorocomediavolosichiama con un sacco di ospiti, soprattutto femminili, alle voci: Nona Gaye, Mayte, Jevetta Steele, Margie Cox, Mavis Staples. Solo George Clinton, gran vecchio del funk nonche' nume ispiratore del folletto di Minneapolis, ha l'onore di cavarsela - alla grande - da solo. Su tutto svetta "Standing at the Altar", grande composizione degna di essere comparata a "Manic Monday", affidata alla Cox.

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OCCASIONI SPRECATE

Il recentissimo libro di Diego Gabutti (Altre ipotesi su Gesu'. Duemila anni di realta' e fantasia, Pavia, Liber, 1994) e' fatto esclusivamente di un collage di citazioni di altrui testi (canonici e, più spesso, apocrifi, eretici o semplicemente fantasiosi) sulla natura e la storia di Cristo. Se l'intervento dell'autore si fosse limitato, oltre alla scelta, all'apposizione di titolo e "responsabilita'", ci saremmo trovati di fronte ad un vero e proprio capolavoro citazionista postmoderno in stile xanaduiano. Purtroppo ci sono anche tre paginette di introduzione, i titoli dei capitoli e qualche notarella di commento nella bibliografia. L'originalita', scacciata dal testo, si è rifugiata nel paratesto. Non male, ma si puo' fare di piu'.

Bono degli U2 ha rifiutato di riesumare il personaggio di MacPhisto (creato per lo Zooropa Tour) impersonandolo nel prossimo film "Batman forever", terzo della serie.
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IL MEGLIO DEL ROCK 1994 
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La scelta riflette esclusivamente gusti e idiosincrasie di RR. Dopo il titolo appare anche la posizione riportata nelle classifiche di fine anno dei due principali settimanali inglesi di rock: Melody Maker (M) e New Musical Express (E).

Album (tutti @)

1) Primal Scream	GIVE OUT BUT DON'T GIVE UP (E.32)
2) Portishead	DUMMY (M.1, E.6)
3) No Man		FLOWERMOUTH
4) Sin. O'Connor	UNIVERSAL MOTHER
5) Transgl. Und.	INTERNATIONAL TIMES
6) Suede		DOG MAN STAR (M.13, E.8)
7) Dinosaur Jr.	WITHOUT A SOUND
8) Jesus & Mary C.	STONED & DETHRONED
9) Strangelove	TIME FOR REST OF YOUR LIFE
10) Jah Wobble	TAKE ME TO GOD
11) Bryan Ferry	MAMOUNA
12) Mal. McLaren	PARIS
13) Morrissey	VAUXHALL AND I (E.26)
14) Sonic Youth	EXPERIMENTAL JET SET, TRASH...
15) Luna		BEWITCHED
16) Pavement	CROOKED RAIN CROOKED RAIN (M.3, E.17)
17) Frank Black	TEENAGER OF THE YEAR
18) Spearhead	HOME
19) Senser		STACKED UP (E.46)
20) Galliano		THE PLOT THICKENS (E.44)
21) Cranberries	N0 NEED TO ARGUE
22) Tori Amos	UNDER THE PINK
23) Therapy?	TROUBLEGUM (M.37, E.49)
24) Neil Young	SLEEPS WITH ANGELS (E.11)
25) Big Chief	PLATINUM JIVE
26) Jamiroquai	THE RETURN OF THE SPACE COWBOY
27) Stone Roses	SECOND COMING (M.17, E.38)
28) Stereolab	MARS AUDIAC QUINTET (E.26)
29) Lisa Germano	GEEK THE GIRL
30) S. Nordenstam	AND SHE CLOSED HER EYES
31) Amer.Mus.Club SAN FRANCISCO (E.43)
32) Mano Negra	CASA BABYLON
33) Inspiral Carpets DEVIL HOPPING

Canzoni, Singoli, EP 
(con particolare riguardo per quelli non inclusi 
negli album appena elencati) tutti @

1) Neneh Cherry  & Y.N'Dour:		7 Seconds (E.40)
2) Massive Attack & T.Thorn 		Protection 
3) Primal Scream				Rocks
4) Strangelove				Is there a place?
5) Portishead				Sour Times (M.7, E.32)
6) Bono & Gavin Friday			Billy Boola
7) Auteurs					Lenny Valentino
8) Tindersticks				Kathleen EP (M.13)
9) Renegade Soundwave			Ren. Soundwave (E.42)
10) Blur					Girls & Boys (M.1, E.1)

Voce femminile: 	1) Sinéad O'Connor
			2) Beth Gibbons (Portishead)
			3) Natacha Atlas (Transgl. Undergr., Jah Wobble)
Voce maschile: 	1) Tim Bowness (No Man)
			2) Gavin Friday  (Bono, Jah Wobble)    
			3) Patrick Duff  (Strangelove)
Rivelazione:		Portishead
Promesse:		Drugstore
Cover:		Frente!: Bizarre Love Triangle (New Order)  @
Delusione 		Orb & Fripp:     	FFWD>>  @
Grandi ritorni:	King Crimson:	VROOOM  @
Compilation:	RED HOT & COOL  @
Colonna sonora:	NATURAL BORN KILLERS  @
Album italiano:	CSI:	KO DE MONDO  @
Onnipresenti:	Fripp - Eno - Laswell - Prince
Video:		Rolling Stones: Love is Strong

Trascrivo inoltre, per oggettivita', gli album apparsi in entrambe le classifiche di  Melody Maker (M) e New Musical Express (E) ma assenti da quella di Elephant Talk seguiti, per soggettivita', da quelli apparsi solo in una delle due, ma a me particolarmente graditi (anche se non abbastanza da apparire nell'elenco di ET).

Oasis			DEFINITELY MAYBE  (M.4, E.1)  @
Blur			PARKLIFE 		       (M.6, E.2)  @
Manic Str. Preach.  THE HOLY BIBLE 	(M.5, E.5)
Nirvana		UNPLUGGED IN NYC     (M.4, E.11)
Orbital		SNIVILISATION 		(M.8, E.7)  @
Hole			LIVE THROUGH THIS    (M.7, E.12)
Pulp			HIS 'N' HERS 	  	(M.2, E.19)  @
Beastie Boys		III COMMUNICATION 	(M.18, E.3)
Jeff Buckley		GRACE 			(M.9, E.21)
Nick Cave		LET LOVE IN 		(M.22, E.10) @
Warren G.		REGULATE G-FUNK ERA (M.12, E.25)
Massive Attack	PROTECTION 		(M.21, E.13) @
REM			MONSTER 			(M.28, E.14)
Public Enemy	MUSE SICK 		(M.20, E.27)
J.Spencer Blues Ex. ORANGE 			(M.35, E.16)
Pearl Jam		VITALOGY 		(M.15, E.40)
Kristin Hersh	HIPS AND MAKERS 	(M.19, E.34) @
Beck			MELLOW GOLD 		(M.23, E.31) @ 
Sebadoh		BAKESALE 		(M.29, E.27)
Sabres of Paradise	HAUNTED DANCEHALL (M.20, E.47)
Shed Seven		CHANGE GIVER 		(M.38, E.29) @ Echobelly		EVERYONE'S GOT ONE (M.40, E.39) @

Prodigy		MUSIC FOR JILT. GEN. (E.9)
Satchel		EDC 			(M.10) @
Fun-Da-Mental	SEIZE THE TIME  (M.14) @
Animals T.Swim	WORKSHY		 (E.15) @
Underworld		DUBNOBASS... 	(M.16) @ ma e' del 1993 !!!!
Loop Guru		DUNYIA 		(M.24) @
Sugar			FILE UNDER... 	(E.24) @
Bark Psychosis	HEX 			(M.30) @
Saint Etienne	TIGER BAY 	(M.31) @
God Machine	ONE LAST LAUGH (M.33)
Deus			WORST CASE... 	(E.36)
These Animal Men	HIGH SOCIETY 	(E.41)

Riassumendo: per la stampa inglese successo di Portishead (album primo per M e sesto per E, singolo piazzato per entrambi), Oasis (album primo per E e quarto per E, una caterva di singoli piazzati per entrambi) e Blur (Girls & Boys singolo dell'anno per entrambi, album e altri singoli piazzatissimi). ET condivide il primo entusiasmo, meno gli altri e denuncia il silenzio su No Man, Transglobal Underground e Sinead O'Connor.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 2=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@vaxsns.sns.it)
numero 3 (23 Gennaio 1995)

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CREATO UN NUOVO POSTO DI LAVORO

Siamo orgogliosi di poter annunciare al nostro vasto pubblico che una nuova prestigiosa firma (quella di Gianni Galeota, alias GG) si aggiunge da questo numero alla gia' ampia scuderia dei nostri autori. 
---------------------------------------------------------------------------------ESSERE CELTI OGGI. Radici e postmoderno (GG)

Domanda: Cosa ci fa un bardo nel cyberspazio? Possibile risposta: Quello che fa un lupo mannaro americano a Londra. Cioe' soccombe. 
E' il solito dilemma. Come se la cava l'Arcaico Preindustriale costretto a convivere con il Fratellastro Cibernetico? A volte scompare, ed e' la via piu' semplice. Altre volte riesce a trasformarsi, ad adeguarsi, oppure a nascondersi, salvo poi vederlo ricomparire in filigrana. 

Ma rifacciamo la domanda: ha senso parlare di musica celtica oggi (Irlanda, Scozia, Galles, Bretagna, Isola di Man, Galizia, Asturie, Padania, ecc.), in un contesto dominato dal cross-over, dalle contaminazioni tra generi e culture diverse, dalla world music?

Prendiamo un revivalista di quelli puri. Ha la testa piena di "Carrickfargus" e di "Bonny boy", suona O'Carolan sull'arpa bardica a 28 corde, intona "Thornton Jig" e "Mulvihill's Reel" con la bagpipe in si bemolle. Chiamiamolo Fergus. Meta' anni '60. La musica dei popoli rivive in funzione 'progressiva', sono gli anni del Dylanismo. Fergus imbraccia la chitarra, scopre improvvisamente di avere tante cose da dire, scopre l'impegno sociale, ed e' anche un po' incazzato. 

Fergus ha un fratello, anche lui revivalista, che si chiama Pat. Lui preferisce i Byrds, e da loro riprende quel sound elettrico che mette le unghie alla sua musica. Tutti e due si sentono 'tradizionali', pero' si sentono anche 'moderni', addirittura 'impegnati'. Provate a convincerli del contrario. Vi attaccheranno con le unghie e con i denti, sia che li definiate dei passatisti, sia che li facciate sentire degli sradicati avanguardisti.

Ma andiamo avanti. Seguiamo un loro fratello, Sean, che e' un po' piu' giovane. Annusa l'aria, si guarda intorno. Vede tante belle tastiere, si avvicina curioso. Ci mette le mani sopra, prova timbri, modula suoni, azzarda campionamenti. Da allora non gli sara' piu' possibile intonare "She Moved Through The Fair" o "The Foggy Dew" senza un adeguato tappeto sonoro. Eppure anche lui sente di non avere tradito l'antica fedelta'.

Siamo nei '90, alle soglie del millennio. I tre fratelli sono un po' invecchiati, pero' ci sono i loro figli. Alec suona la batteria in un gruppo post-punk alla Pogues. Manus va matto per gli U2, ma non disdegna i Runrig, e quando Jim Kerr intona "Belfast Child" sente un brivido su per la schiena. Helen riproduce a suo modo gli sperimentalismi vocali di Enya e le ricerche in chiave world di Loreena McKennitt. Gordon, invece, aggrappato alla sua arpa celtica, segue fedelmente Alan Stivell nelle sue escursioni ai confini della new age, ed oltre. Il piu' fanatico di tutti e' pero' Matthew. Amante da sempre della musica nera, concosce a memoria la saga dei Committments. Si ritiene fratello elettivo di Van Morrison, anche se guarda con interesse tanto ai primi Pentangle quanto al techno soul dei Capercaillie versione '94. Per lui e' una verita' sacrosanta dire che gli Irlandesi sono i neri d'Europa e che i Dublinesi sono i neri d'Irlanda.

Tutti insieme stanno preparando una session per venerdi' sera. Ci sara' tra gli altri anche un 'cheb' algerino loro amico, un DJ fanatico dei Transglobal Underground, e una vocalist bulgara scoperta per caso da amici comuni che viaggiano molto. Hanno chiesto anche a me di andarci, conoscendo la mia passione per il liscio dell'Appennino tosco-emiliano.

Rifacciamo allora la domanda: che senso ha oggi parlare di musica celtica?  Il mondo celtico ha una "visione unitaria dell'universo", ha dichiarato Alan Stivell in una recente intervista, "cioe' vede il tutto in un insieme continuo, senza frontiere (...). Nell'universo unito tutto e' influenzato da tutto." Benissimo, ci stiamo avvicinando. Non c'e' piu' separazione tra vivi e morti, tra passato e futuro. La musica cosiddetta celtica, continua Stivell, non e' altro che un ramo della world music, perche' "e' una musica che ha radici proprie e che, al contempo, ricerca influenze esterne, per poi intersecarle e confonderle, (...) che fa uso di strumenti etnici, antichi, arcaici tanto quanto di strumenti moderni, tecnologici." Dunque il mondo celtico come terreno di incontro, come crocevia. Ricordiamo tutti l'urlo nel live di Dublino del '75, in cui Stivell invocava una "Celtie au croisement des peuples du Nord et de Sud, aux confins du vieux monde et du nouveau monde, aux frontie'res de la terre et de la mer, a' la limite du monde visible et du monde invisible." 

E cosa rimane di celtico nel melting pot? Rimane il mood, uno stato d'animo che somiglia molto a quello che si ha nei primi giorni di aprile. Un aprile che non e'  soltanto l'ottimismo della primavera, ma il travaglio del passaggio, la nostalgia di non essere piu' e l'ansia di non essere ancora. Aprile - parafrasando il poeta della terra desolata - e' il mese piu' crudele, perche' mescola vecchi ricordi e desideri nuovi, e perche' fa crescere fiori dalla zolla morta. Il mood celtico e' sentimento dell'antico, del moderno, e del postmoderno combinati insieme, e' riconoscersi parte di qualcosa e sentirsi in gabbia al tempo stesso, e' nostalgia profonda, ricordo, e desiderio di guardare avanti, e' conformismo e ribellione (come spiegare altrimenti l'anima d'Irlanda?). E' insomma tradizione e progresso.

Essere celti oggi vuol dire condividere questo stato d'animo, cioe' far sopravvivere modelli tradizionali in forme nuove. Non come il lupo mannaro. A lui mancava spirito di adattamento.
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GAELICO E  POSTMODERNO

Ovvero Flann O'Brien, autore insieme cosi' irlandese che piu' irlandese non si puo' e cosi' postmoderno da sfiorare l'insuccesso nonostante le potenzialita' da scrittore "di tendenza". Alterne vicende editoriali per lui in patria (giornalista di successo ma romanziere spesso rifiutato) e ora anche in Italia.

I suoi due capolavori, "Una pinta d'inchiostro irlandese" e "Il terzo poliziotto", romanzi non-romanzi in bilico fra la pura metafisica ed il puro comico, furono portati in Italia da Einaudi nel 1971 con la complicita' di Rodolfo J. Wilcock, che tradusse il primo. Il fiasco fu completo, e i due Supercoralli ingiallirono sui banconi dei Reminders, restando oggetti di culto per un manipolo di appassionati.

Dopo vent'anni un nuovo tentativo. Adelphi ha iniziato dal 1992 a riproporre alcune sue opere (per ora e' uscito "Il terzo poliziotto") e la scorsa estate Feltrinelli ha ristampato "La miseria in bocca" (irresistibile parodia del Gaelic Revival). In effetti O'Brien, sofisticato ma accessibile, brillante ma profondo, e' un perfetto "autore adelphi", e questa potrebbe essere per lui (ma soprattutto per noi lettori) la volta buona.
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ANCORA CLASSIFICHE

Migliori album del 1994 per Rockerilla (ITA):

1.	Bark Psychosis
2.	Oasis
3.	Mike Gunn
4.	Blur
5.	Bevis Frond
6.	REM
7.	Big Chief
8.	Nine Inch Nails
9.	Sonic Youth
10.	Shiva Affect
11.	Neil Young
12.	Jeff Buckey
13.	Orbital
14. 	5-UU!s
15.	Material
16.	Soundgarden
17.	Senser
18.	Magnetic Fields
19.	Ozric Tentacles
20.	Pearl Jam
21.	God Machine
22.	Atomic 61
23.	Future Sound of London
24.	Loop Guru
25.	G-Love & Special Sauce
26. ex aequo	Wizzard of Twiddly
26. ex aequo	Strangelove
26. ex aequo	Portishead
26. ex aequo	Uztec Plaush
26. ex aequo	Richard Sinclair
26. ex aequo	Autechre
26. ex aequo	Cathedral
26. ex aequo	Lithium X-Mas
26. ex aequo	Earcandy
26. ex aequo	Beck

Migliori album del 1994 per Rumore (ITA):

1.	Beastie Boys
2.	Nine Inch Nails
3.	Diamanda Galas & J.P.Jones
4.	Orbital
5.	J.Spencer Blues Explosion
6.	Portishead
7.	NOFX
8.	Oasis
9.	Jesus Lizard
10.	Nick Cave

Migliori album del 1994 per Spin (USA): 	1. Hole     2. Beck

Migliori album del 1994 per Select (UK): 	1. Oasis     2. Blur

Migliori album del 1994 per Vox   (UK): 	1. Oasis     2. Blur

E ora, dopo tante classifiche di critici e recensori, la parola al pubblico di E (New Musical Express, UK) e M (Melody Maker, UK) consultato tramite regolare referendum:

Album (E) 					Album (M)

1. Manic Street Preachers			1. Blur
2. Blur					2. Manic Street Preachers
3. Oasis					3. Oasis
4. Suede					4. Suede
5. Pulp					5. Nirvana
6. Nirvana					6. REM
						7. Hole
						8. Portishead
						9. Saint Etienne
						10. Beastie Boys

Singolo (E) 					Singolo (M)

1. Stone Roses: Love Spr.			1. Oasis: Live Forever
2. Oasis: Live Forever			2. Oasis: Supersonic
3. Blur: Girls and Boys			3. Elastica: Connection
4. Elastica: Connection			4. Blur: Girls and Boys
5. Oasis: Supersonic			5. Manic Str.Pr: Faster
6. Veruca Salt: Seether			6. Blur: Parklife
						7. Veruca Salt: Seether							8. Stone Roses: Love Spr.
						9. Manic Str.Pr: She is S.
						10. Suede: Stay Together

Nuova Band (E) 				Nuova Band (M)

1. Gene					1. Gene
2. Oasis					2. Oasis
3. Portishead				3. Shed Seven
4. Shed Seven				4. Green Day
5. Supergrass				5. Ash
6. Green Day				6. Supergrass
						7. Portishead
						8. Echobelly
						9. Veruca Salt
						10. Elastica

Peggior Disco (E )				Peggior Disco (M)
1. Doop					1. Wet Wet Wet
2. Wet Wet Wet				2. Whigfield
3. Whigfield					..........
						8. Doop

Considerando anche i dati forniti nello scorso numero di Elephant Talk salta chiaramente all'occhio la generale concordanza di valori nella stampa specializzata anglosassone e nel pubblico che la segue. Assai differente la situazione italiana, dove ogni rivista estrae dal cappello i nomi più disparati. Sintomo di minore omologazione culturale e commerciale o di incapacità di riconoscere valori oggettivi? 

Difficile rispondere, ma sicuramente occorre tenere conto che in UK, nella classifica degli album pù venduti durante il 1994, dopo gli ineludibili Bon Jovi, Mariah Carey, Pink Floyd e compagnia bella, appaiono in ottime posizioni dischi come quelli dei REM (6.), Blur (7.) e Oasis (24.) che primeggiano anche nei rendiconti della critica. 
Potete immaginarvi da soli quanto vendano in Italia invece Bark Psychosis, Nine Inch Nails e Diamanda Galas.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 3=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@vaxsns.sns.it)
numero 4 (1 Febbraio 1995)

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DONAL LUNNY ovvero LA POETICA DEL MOMENTO GIUSTO 
        (Oltre il folk: percorsi esemplari: 1)     by Gianni Galeota

C'era una volta il folk. C'era una volta l'Irlanda. A quei tempi la musica era tradizione, e suonare voleva dire farne parte. Secoli di uilleann pipe danzavano sulle corde dei violini, mentre l'arpa accompagnava il grido acidulo del flauto. Si ballava, si cantava, si piangeva. Le canzoni rendevano immortali gli eroi, eterni gli amori, sopportabili i dolori. Era la tradizione.

Poi venne il revival. Qualcuno all'improvviso si accorse che c'era bisogno di rivitalizzare quelle tradizioni, perche' i tempi stavano cambiando e non si poteva piu' aspettare. Fare revival voleva dire riproporre, ma anche progredire, innovare. 	

Cosi' arriviamo ai primi '70, gli anni in cui comincia la storia di Donal Lunny, giovane musicista illuminato con uno spiccato fiuto per le novita', il cui nome attraversa tre decenni di folk revival 'progressivo', sempre presente laddove si introduce un elemento nuovo, pronto a incoraggiare e sottoscrivere con una partecipazione, magari tamburellando il bodhran, o con un tocco di penna sullo spartito di un brano originale, oppure filtrando suoni, seduto dietro un mixer della sua casa di produzione Mulligan.

Il primo elemento che caratterizza questa fase di folk revival e' il gioco delle alchimie timbriche, cioe' l'accostamento di strumenti provenienti da culture o da etnie diverse. Il repertorio resta di preferenza tradizionale, con rare incursioni compositive. Cosi' cominciano i Planxty, il primo gruppo di Lunny. L'idea e' quella di accostare strumenti tradizionali come la uilleann pipe dell'impeccabile Liam O'Flynn, (futuro ospite nei lavori di Enya e Kate Bush), e il tin whistle di Matt Molloy (poi presente in casa Real World) a strumenti meno ortodossi come la chitarra che accompagna il canto di Christy Moore, o come il bouzouki, una specie di liuto greco dal manico lungo, testato, con le corde armate in coppia. E' Donal Lunny a suonarlo, accompagnato da Andy Irvine. E' del 1973 PLANXTY, il loro primo album, e l'accoglienza e' strepitosa. La novita' piace. Ancora oggi i Planxty sono ricordati tra i migliori gruppi di folk revival irlandesi, dei veri capiscuola. 
 
Gia' nel 1974, pero', all'indomani del secondo album, Lunny tenta un altro esperimento. Questa volta si chiama Bothy Band. Nasce per caso da alcune session con altri musicisti chiamati a celebrare il ventunesimo anniversario della casa discografica Gael-linn. La Bothy Band raccoglie in qualche modo l'eredita' dei Planxty. Arricchisce pero' la timbrica con il violino agile e nervoso di Tommy Peoples (poi sostituito da Kevin Burke), e con le tastiere e la voce di Triona Ni Domhnaill, altro personaggio esemplare di certo folk revival, che attraverso l'esperienza dei Relativity e dei Nightnoise approdera' ad un sofisticatissimo melange di folk, jazz, e sinfonismo new age. Anche i Bothy Band hanno il tocco delicato della genialita'. Ancora antico e moderno si confondono.

Eppure Lunny e' infaticabile. Nello stesso anno produce i Clannad al loro secondo album. Stavolta la scommessa e' quella di un gruppo che, pur mantendo interessi tradizionali di repertorio, introduce tra gli altri il suono inedito del pianoforte e del contrabbasso, di chiara derivazione jazz-blues. Gli arrangiamenti sono curati da Lunny in ogni minimo particolare. Qua e la' riaffiora quel ragtime suonato dai Clannad in giro per i pub irlandesi negli anni della gavetta, e Lunny non fa niente per nasconderlo. E' quello che potremmo indicare come il secondo elemento del folk revival in evoluzione, cioe' la contaminazione tra generi diversi.  Il suono si fa sempre meno ortodosso, le sperimentazioni partono in sordina. In questa direzione i Clannad faranno molta strada, per qualcuno forse troppa. Donal Lunny e' comunque un prezioso compagno di viaggio.

E lo fu per tutta la generazione dei '70, attraverso collaborazioni, partecipazioni, produzioni, e attraverso l'infaticabile attivita' di dirigente della Mulligan, una casa discografica specializzata. Dalla Mulligan passarono la stessa Bothy band, e tutta una schiera di artisti che alla Bothy Band ed ai Planxty facevano riferimento, come Christy Moore, Matt Molloy, Paul Brady, Tommy Peoples, ed altri.

I tempi sono maturi per un altro salto. Arrivano gli anni '80. Il punk lascia dietro di se' una ventata di rabbia, e chi fa musica in quegli anni non può restarne indenne. Pero' arriva anche l'elettronica, che quel sapore ruvido trasforma in un groviglio di ritmi elettronici, ora ipnotici ora furiosi. Gli anni '80 per Donal Lunny si chiamano Moving Hearts, gruppo fondato insieme a Christy Moore, gia' compagno di avventura con i Planxty. Dall''81 all'85 tre soli album, e tutti capolavori. Si aggiunge in questi anni un terzo elemento fondamentale, cioe' il dilagare delle composizioni accanto ai brani tradizionali, con qualche cover a sorpresa ("Before the deluge" di Jackson Browne). Scavalcato il revival, ci si ritrova in pieno contemporary. Il suono si fa potente, a volte aggresivo. Lunny suona il bouzouki, il bodhran, la chitarra, ma anche il synth Prophet V. Inoltre compone, arrangia, produce. E' una sintesi tra jazz raffinato, rock e folk irlandese. Gli strumenti vanno dalle chitarre elettriche (Greg Boland) al basso (Eoghan O'Neill), alla batteria (Matt Kelleghan), alle congas (Noel Eccles), al clarinetto (Keith Donald). Fa la sua comparsa sulle scene il giovane Davy Spillane (chi non ricorda le numerose collaborazioni con Kate Bush, Enya, Mary Coughlan, Van Morrison, Elvis Costello, Maire Brennan?), che fa duettare la uilleann pipe con il sax di Keith Donald, in un insolito melange Folk'n'Soul di cui Spillane si ricordera' nello splendido "Lansdowne Blues" suonato con la uilleann pipe nel suo ATLANTIC BRIDGE da solista, come un vero bluesman.

La formula dei Moving Hearts funziona, e lascia tracce su di una intera generazione di giovani musicisti, dai Men they couldn't hang a An emotional fish, agli Hothouse Flowers, ed oltre (vedi le uilleann pipe in mezzo al rock degli imberbi U2).
	
Ma intanto il cammino di Lunny prosegue senza interruzioni. Viene il momento in cui le contaminazioni diventano la sostanza stessa del fare musica, non piu' un esperimento. Il '91 e' l'anno di DELIRIUM @ dei Capercaillie, nuova promessa del folk scozzese, che fotografa il gruppo nella fase di passaggio da un folk venato di jazz rarefatto alla Clannad verso quello che sara' il techno soul di CAPERCAILLIE 94 @. Lunny lo prende per mano. Produce, mixa, e benedice. DELIRIUM e' un disco molto curato nei suoni, con la sezione chitarra basso batteria complicata da violini, flauti, e dalla sapiente opera del sintetizzatore.

D'altra parte in questi anni e' sempre piu' difficile parlare di Lunny come musicista folk. Se da un lato suona fuori formazione con gli Altan (ISLAND ANGEL del '93), pluripremiata formazione di classico folk revival irlandese, dall'altro produce i due album solistici di Maire Brennan ('92 e '94), sempre piu' vicini ad un pop sofisticato con quel tanto di tecnologico che non guasta, e con frequenti echi etnici dal vago sapore d'Africa. Per non parlare dell'enigmatico "The bonny swans" di Loreena McKennitt, nutrito di misticismo medievale, Giovanni Della Croce, e danzatori sufi, nel quale Lunny suona il bouzouki ed il bodhran in un paio di brani.
	
E cosi' siamo arrivati ai giorni nostri. Il tempo vola, e già si respira un'aria da terzo millennio. Le voci si confondono, i colori anche. Sentiamo cos'altro avrà da dirci.
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NELLO E I SUOI NIPOTI

Fra i vecchi dinosauri del rock degli anni '60 e '70 ancora in circolazione, ben pochi sono quelli rispettati e amati dalle nuove leve. Fra questi sicuramente un posto al sole se lo merita Neil Young, a cui sono stati recentemente dedicati due dischi tributo gemelli (uno acustico ed uno elettrico) di giovani band: OUT OF THE BLUE e INTO THE BLACK, dall'ormai classico testo di "Rust Never Sleep" (ma gia' qualche anno fa THE BRIDGE allineava Pixies e altri imberbi estimatori). Inoltre Neil partecipera' all'edizione '95 del Lollapalooza Tour, il festival rock itinerante piu' alternativo e di tendenza degli ultimi anni.

Dopo gli esordi della classica doppietta AFTER THE GOLD RUSH (1970 @) - HARVEST (1972 @) e delle leggendarie collaborazioni con Crosby, Stills & Nash, Neil attraversa i decenni '70 e '80 fra alterne vicende, mescolando album piu' tipici a fugaci flirt con vari generi musicali: l'elettronica di TRANS (1982 @), il rockabilly di EVERYBODY'S ROCKIN' (1983 @), il blues di THIS NOTE'S FOR YOU (1988 @).

Gli anni '90 si aprono con uno Young in grandiosa forma, che sforna due prodotti superlativi: HARVEST MOON (1992 @) piu' dolce, melodico, ruffiano, che riprende le atmosfere del seminale HARVEST, e soprattutto SLEEPS WITH ANGELS (1994 @) piu' oscuro, claustrofobico, tragico, marcato da sonorita' e sensibilita' piu' attuali. Esattamente a meta' si colloca la canzone "Philadelphia" (1993 @), tratta dalla colonna sonora dell'omonimo film: un assoluto capolavoro, che segna per molti il momento di riscoprire il cantautore canadese.

Mille gli artisti contemporanei influenzati da Young (fra gli altri Sonic Youth, Jesus & Mary Chain, Pixies e le intere scene Grunge e Punk Pop) ma per alcuni il confronto si rivela addirittura imbarazzante. Mi riferisco a tre gruppi strettamente legati fra loro: Dinosaur Jr., Sebadoh e Buffalo Tom (i Sebadoh nascono da una costola dei Dinosaur Jr., che a loro volta talvolta producono i Buffalo Tom).

Nei Dinosaur Jr. l'ombra di Young e' sempre presente nel canto strascicato e negli assoli di chitarra anche piu' energici, ma diventa un omaggio esplicito nelle languide ballad che spezzano il ritmo anche degli album piu' ruvidi. Si vedano ad esempio "Not The Same" su WHERE YOU BEEN, 1993 @ e "Seemed Like The Thing To Do" su WITHOUT A SOUND, 1994 @.

I Buffalo Tom, meno violenti e piu' vicini al country dei maestri Dinosaur Jr, ricordano fortemente Young - mediato dalla lezione REM - sia nei primi album, piu' ruspanti (BUFFALO TOM, 1989 e BIRDBRAIN, 1990 @) che negli ultimi, piu' commerciali (LET ME COME OVER, 1992 e BIG RED LETTER DAY, 1993 @).

I Sebadoh, ideale incrocio fra la potenza melodica dei Dinosaur Jr. e la frammentazione anarchica dei Pavement, si rifanno chiaramente a Young, soprattutto nei morbidi brani acustici che abitano sovente gli ultimi album (BUBBLE & SCRAPE, 1993 @ e BAKESALE, 1994 @).

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 4=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 5 (6 Marzo 1995)

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FOLK & POPULAR: NOTE D'USO by Gianni Galeota

Chi ha paura della musica folk?
Paura forse no. Fastidio, forse. A molti fara' venire in mente il gonnellone a fiori della Cinquetti che la domenica andando alla messa, accompagnata dai suoi amatori, la sorpresero i suoi genitori ecc. ecc. A qualcun'altro ricordera' la calzamaglia nera di certo cabaret impegnato, dei "Ci ragiono e canto" numero uno e due, di Bella Ciao, del Canzoniere Italiano, di Giovanna Marini... Insomma, due palle. Alla memoria dei piu' attenti non sfuggira' la vittoria di Toni Santagata con "Lu maritiello" nella sezione folk di Sanremo, che in quegli anni aveva accolto il folk nel suo grande grembo materno.

Ma ci sono ancora altri modi di intendere comunemente la musica folk. Avete presente Hendel in "Speriamo che sia femmina", che va in giro col registratore a raccogliere pezzi di tradizioni in via di estinzione? Ecco, diciamo che c'e' tanta gente che lo fa sul serio, con rigore filologico. C'e' tutta una tradizione di studi di ricercatori sul campo, con i loro metodi, i loro strumenti, e la loro etica professionale. Si chiamava etnografia, ora si chiama demologia, ma probabilmente ha tanti altri nomi. La musica oggetto di ricerca preferiscono chiamarla "musica popolare". Gia', un altro termine che spesso usiamo per non dire folk.

Ma non e' finita. Chiunque giurerebbe sotto tortura che Dylan fa, o faceva agli inizi, musica folk. Con qualche tratto di corda in piu' arriverebbe ad ammettere che anche James Taylor e Joni Mitchell si macchiavano dello stesso peccato. Per Tracy Chapman non ci sarebbe neanche bisogno di tortura, basterebbe la minaccia. E Billy Bragg? E lo Springsteen di NEBRASKA@? E la Hersh di HIPS AND MAKERS@? Diventa folk tutto quello che suona acustico, chitarra e voce: perfino il blues, o un certo cabaret. A volte basta essere incazzati per essere un folksinger. "Contessa" o "La locomotiva" non sono forse canzoni folk?

Insomma, c'e' di tutto. Recentemente ci si e' dati a complicare le cose con la "musica etnica", la "world music", la "musica dei popoli", ecc., senza contare che sempre piu' spesso sentiamo dire che Vasco Rossi e' un personaggio "popolare", che "Roxy Bar" e' un programma molto "popolare" perche' fa ascolto.

Vogliamo provare a buttare giu' dei punti fermi? 
Proviamo. Pero' prima di tutto occorre dire che nonostante la convinzione che  l'eurocentrismo abbia fatto il suo tempo, siamo costretti ad accogliere differenze di trattamento tra cultura occidentale e culture 'altre' per definizioni che sono gia' in uso. Altrimenti bisognerebbe sfasciare tutto, e ricominciare da capo, col rischio di fare piu' confusione che chiarezza.

Partiamo col distinguere tra "folk" e "pop", due termini inglesi molto usati, che purtroppo non hanno tradizioni univoche in italiano. 
"Pop" o ""popular" e' tutto cio' che e' a larga diffusione, e si collega strettamente all'idea della comunicazione di massa, alla standardizzazione, alla mancanza di originalita', al basso costo (McQuail). E' tutto cio' che crea consumo diffuso, contrapposto alla cultura di elite. La musica pop non ha un pubblico specializzato, va bene per tutti, grandi e piccini. E' come un grande magazzino, con vari reparti ma con una politica unitaria sui prezzi e sulla qualita' dei prodotti che ne rende omogena l'offerta. Il pop non e' mai trasgressivo, avanguardistico, o sperimentale. Il pop viaggia sui grandi numeri, e per questo e' sempre conciliante. La traduzione in italiano puo' essere "popolare", ma nel senso in cui sono popolari Madonna, la Parietti, Sting o Pippo Baudo, conosciuti da un vasto pubblico e per questo fenomeni "di massa". Di tutto questo si occupa la sociologia.

E il folk? "Folk" e' una di quelle parole per le quali un lessicografo potrebbe riempire dei volumi. A noi pero' basteranno poche righe. La parola "folk" (letteralmente "folk" = popolo, "lore" = sapere), traducibile come "cultura popolare", comprende una serie di significati lungo assi oppositivi di tempo (ieri/oggi), di luogo (lontano/vicino), di stratificazione sociale (subalterno/dominante). In sintesi, "folk" e': 

a) l'insieme dei modelli culturali legati a realta' 'basse', subalterne, (contadini, operai, ecc.), i cosiddetti "dislivelli interni" (Cirese) di ieri e di oggi, oggetto della demologia, della etnomusicologia, ecc. Qui dentro si colloca la canzone di protesta ed il cabaret politico, che nasce, o dovrebbe, dalle classi subalterne contro le classi dominanti che detengono i mezzi di produzione;

b) l'insieme dei modelli non piu' attuali, cioe' le sopravvivenze di antiche usanze, le superstizioni, le ninne nanne, i rituali dei quali abbiamo perso il significato ma che continuiamo a celebrare, tutto quello che sa di altri tempi e che in qualche foma e' giunto fino a noi. Anche di questo si occupa la demologia, e a tempo perso il ricercatore di Hendel;

c) l'insieme dei modelli di civilta' extra-europee con le quali l'Europa si e' venuta a scontrare nel periodo dell'espansione coloniale, sia nelle loro manifestazioni colte che in quelle primitive, i cosiddetti "dislivelli esterni" (Cirese) oggetto dell'antropologia culturale e dell'etnologia. Quest'ultimo siginificato coincide con quello di "musica etnica", cioe' il folk di culture extraeuropee. I ritmi tribali di una comunita' africana sono considerati musica etnica e non folk. L'insieme delle musiche etniche e' detto anche "world music". Per il folk dei nordamericani bianchi si parla invece di "country".

Quindi il "folk" e' legato alle classi subalterne di ieri e di oggi, alle tracce di un passato preindustriale, oppure alle civilta' extraeuropee. Troppa carne al fuoco? A qualcuno potrebbe venire il dubbio: ma cosa hanno in comune tutte queste definizioni? E piu' che altro, come si concilia la natura regeressiva delle sopravvivenze con la forza progressiva della canzone politica? 

Cominciamo col dire come funziona il sistema. La cultura folk non e' affatto l'espressione collettiva del piu' puro Spirito Nazionale tanto caro ai Romantici, e non e' la Voce del Popolo. Sgombrato il campo dall'equivoco, diciamo che la cultura popolare e' una complessa struttura in movimento sottoposta a continue variazioni e successive selezioni da parte della comunita', che puo' accogliere o respingere le innovazioni individuali apportate al patrimonio popolare. De Saussure, il linguista, direbbe che il parlante introduce una modifica personale a livello di parole (cioe' di lingua individuale, particolare), che la comunita' sottopone ad una sorta di 'censura preventiva', e che poi decide di trascurare oppure di accogliere come fatto della langue (cioe' del sistema di convenzioni accettate da quella comunita'). In pratica "la vita di un fatto folclorico in quanto tale incomincia solo dal momento in cui e' stato accolto da una data comunita'" (Bogatyrev-Jakobson). 

Alle origini del percorso creativo c'e' sempre un impulso individuale innovativo, l'opera di un compositore, di un narratore o di un barzellettiere, che costringe il sistema ad azionare quel meccanismo di autoregolazione che qualcuno chiama "dispositivo stereotipante strutturale" (Lotman-Uspenskij), capace di esercitare una forte azione organizzatrice su tutto il complesso delle attivita' culturali.  L'innovazione puo' piacere o meno: se non piace, quel testo non ha alcuna circolazione e scompare; se invece piace, qualcuno la riproporra' introducendo piccole variazioni. Questo testo modificato viene a sua volta sottoposto alla collettivita', che potra' rifiutarlo o continuare a riproporlo con ulteriori modifiche. 

Quindi il meccanismo prevede un'interazione tra conservazione e innovazione, tale che se a un certo punto nella comunita' viene meno l'uso del rastrello per raccogliere le foglie secche, perche' viene inventato uno strumento piu' efficace, allora il rastrello scomparira' dal patrimonio culturale di quella comunita'. Probabilmente qualcuno delle generazioni future, senza avere mai visto un rastrello, sognera' uno strano manico di legno con i denti attaccati in fondo, e cosi' avra' la certezza, senza saperlo, che sta arrivando l'autunno. Qualcun'altro se lo ritrovra' nello stemma araldico, o lo vedra' per caso passeggiando in un museo.

Convivono sopravvivenze e innovazioni. Cio' che e' stato innovativo sparisce nel momento in cui non e' piu' funzionale, cioe' quando non serve piu'. E qusto accade non solo col rastrello, ma anche con una ninna nanna, che oggi nessuno canta ai bambini per timore di un rigetto controproducente al sonno. Le ninne nanne non c'erano gia' piu' ai tempi di Carosello. Eppure una ninna nanna e' "folk", perche' e' un relitto di modelli preindustriali che funzionavano perfettamente.

Ma in fondo cosa ce ne importa di una ninna nanna, di una maggiolata, o di un vecchio ritornello che nessuno canta piu'? In realta' ogni cultura si interessa alla precedente quando si accorge di esserne diversa. La civilta' del dopoguerra ci ha urbanizzato, modernizzato, automatizzato, e di conseguenza ci ha provocato un certo panico. Questo non toglie che nessuno vorrebbe fare a cambio e tornare indietro, pero' e' cosi'. E' forse casuale che Torino, capitale dell'industria italiana, e' anche la citta' della magia nera e dei riti satanici? Pare che i Torinesi attribuissero poteri malefici alle terribili sirene che si alzavano dalle fabbriche a una certa ora del giorno, e che non a caso sono chiamate "sirene", cioe' seduzione + pericolo.

Ma torniamo alla musica. Come abbiamo visto ci sono varie sfumature nel significato di musica "folk". Rivediamole una alla volta, ognuna con la definizione che le spetta:

1) FOLK, quello doc praticato sul campo, costituito dal repertorio tradizionale. Per "repertorio tradizionale" si intende:
- i cosiddetti "formalizzati cantati", classificati secondo le funzioni (canti di matrimonio e di lavoro, lamenti funebri, maggiolate, canti di Natale, ecc.), o secondo i generi (canti epico-lirici, detti anche ballate, a carattere narrativo, oppure canti lirico-monostrofici, piu' soggettivi, spesso in prima persona, ecc.);
- la musica strumentale, nella sua varieta' di strumenti e di danze.

2) FOLK REVIVAL: riproposta del repertorio tradizionale nei modi previsti dalla tradizione, a volte con vero e proprio rigore filologico. La tendenza parte dal dopoguerra, non a caso di pari passo con la massiccia industrializzazione dell'Occidente e con lo sviluppo esponenziale della musica riprodotta. In alcuni casi il revival serve a mettere sottovetro tradizioni che altrimenti andrebbero perdute. La strumentazione e' prevalentemente acustica, ma non mancano relazioni pericolose con strumenti presi da altri contesti geografici e/o culturali. Rientrano nella famiglia dei revivalisti:
- menestrelli chitarra-voce;
- chorus groups, specializzati nel canto corale; 
- country dance bands, che alimentano l'interesse per le danze tradizionali;
- virtuosi di strumenti tradizionali, come arpa, violino, cornamusa, concertina, launeddas, ecc.

3) FOLK ROCK: adattamento rock del folk revival. Inizia dall'esibizione di Bob Dylan al Festival di Newport nel 1965, quando si presenta con un gruppo rock e con una chitarra elettrica invece della solita chitarra acustica, ormai diventata il simbolo del movimento folk. Molti gridano al tradimento, e non glielo perdoneranno mai. Spostatosi sulla costa occidentale diventa "west-coast", fondendosi con la locale tradizione country bluegrass, fatta di cori e giochi ritmici di chitarre elettriche (jingle-jangle). In Europa l'elettrificazione viene applicata al repertorio tradizionale, specialmente nell'area definita 'celtica' (Irlanda, Galles, Scozia, Bretagna, Inghilterra, Asturie, Galizia, Padania, ecc.).

4) FOLKSINGERS: in ambito revivalistico si muovono personaggi che nei contenitori tradizionali immettono materiale nuovo, originale, spesso di forte piglio polemico. E' la canzone d'autore ("art song"), sempre attenta ai contenuti, colta, raffinata, in qualche modo 'impegnata'. Padre riconosciuto di tutti i cantautori e' Woody Guthrie, che trasforma il country perbenista americano in canzone di protesta ("folk song"), riprendendo dal bluesman solitario i temi del proletariato depresso, e dando cosi' voce agli sfruttati e agli emarginati di tutto il mondo. Dylan raccoglie il testimone, e dopo di lui la canzone d'autore dilaga. Si consolidano col tempo le due scuole, una intimista, depressa, un po' sfigata, che racconta il disagio, e l'altra del cantautore che vuole cambiare il mondo e si fa artista militante, propagandista di grandi cause giuste. Pur mantenendo in genere atmosfere e strumentazioni acustiche (chitarra-voce o giù di lì), la sempre crescente distanza dal repertorio tradizionale li rende piu' vicini a quello che e' definto "contemporary folk", oppure al rock e al pop.

5) CONTEMPORARY FOLK: repertorio originale contemporaneo eseguito da musicisti con interessi tradizionali. E' quel 'non so che' di acustico, oppure gli echi di strumenti tradizionali a rendere l'idea di "folk". Nel contemporary ci sono i folksingers, naturalmente, c'e' la canzone politica, di protesta, e ci sono musicisti nati con il revival o con il folk-rock, che trovano nel contemporary la naturale evoluzione del loro percorso verso repertori piu' moderni. 

6) FOLK POP: musicisti di frontiera, che tengono un piede sul folk e un altro sul pop o sul rock. Qui c'e' veramente un po' di tutto, e la nota folk non e' mai preponderante. 

7) COUNTRY: la musica dei bianchi d'America, originaria delle campagne del sud est degli Stati Uniti, formatasi nei primi quattro secoli di colonizzazione. Gia' nel 1908 si pubblica la prima raccolta di canzoni country, che serve a conferire uno status artistico alla tradizione americana, visto che l'Europa le sue brave raccolte di folksongs ce l'ha gia'. E' un misto di tradizione britannica corretta dal puritanesimo delle sette fondamentaliste, arricchita di strumenti e ritmi neri (banjo, ragtime, blues), integrata da tradizioni di origine francese (cajun) e spagnola (flamenco). Col tempo il country diviene il veicolo dei valori dell'"american way of life", e come tale vituperato e rinnegato da generazioni di artisti. Il cappellone da cowboy, gli stivali speronati e l'allegria alcolica da salon diventano simboli da abbattere, uno spettro di cui liberarsi al piu' presto.

8) COUNTRY ROCK: miti e valori del country formato rock. Le chitarre alzano il volume, ma la musica e' la stessa. Lo stesso percorso che in Europa e in California porta al "folk rock", spostato nel sud est americano patria del country.

9) MUSICA ETNICA, o WORLD MUSIC: recupero della musica e degli strumenti  tradizionali di una etnia, popolo o cultura diversa da quella occidentale. E' l'equivalente del folk, pero' nel Terzo Mondo. In America settentrionale e' etnica la musica dei pellerossa sopravvissuti allo sterminio.

Non so se queste brevi note siano servite a chiarire un po' le idee. Io non credo. Comunque sia, vi raccomando caldamente: nel caso abbiate qualche dubbio sull'uso della parola "folk", aggirate l'ostacolo. Cambiate parola.
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POST-GRUNGE ?

C’e’ chi pur di farsi notare venderebbe l’anima al diavolo e chi invece addirittura la regalerebbe per passare inosservato. Scommetto che il nome Shawn Smith vi dice poco o niente, e invece si tratta del deus ex machina di tre grandi dischi degli ultimi anni, tutti intestati a fantomatici gruppi dalle misteriose denominazioni: Brad, Pigeonhed, Satchel.

Nel 1993 Shawn, accompagnato dal solo Steve Fisk e dalle occasionali chitarre di un certo Kim Thayil, scrive, esegue, canta, produce, arrangia e mixa PIGEONHED @, primo e ultimo album dell’omonima band, trascurato dal pubblico ma inserito dal Melody Maker fra i migliori dischi dell’anno. Su una solida base rock si innestano interventi sperimentali, funk e industriali, ma anche languide ballate, all’insegna dell’eclettismo e della contaminazione.

Nello stesso anno Smith si cimenta anche in un progetto piu’ ortodosso, cantando, componendo e suonando piano e organo per un “canonico” quartetto di area grunge, i Brad, che finora hanno partorito solo l’esordio SHAME @. Accanto al leader un nome di grosso calibro: Stone Gossard, chitarrista dei Pearl Jam, e due meno noti: il batterista Regan Hagan (dal gruppo punk funk Malfunkshun) e il bassista Jeremy Toback.

Nel 1994 un nuovo progetto: la Satchel Patnership che allinea sull’album EDC @, accanto a Smith e Hagan, il bassista Cory Kane e il chitarrista John Hoag. Abbandonata la compattezza dei Brad si torna alla frammentazione e al sincretismo, ma sostituendo alla sperimentazione dei Pigeonhed una maggiore liricita’ ed aumentando il numero delle ballate, spesso arricchite di incredibili falsetti eterei alla Prince.

I tre album, per quanto diversi fra loro e diversificati al loro stesso interno, potrebbero benissimo essere stati firmati con la stessa sigla, ed in tal caso sicuramente maggiore ne sarebbe stato l’impatto commerciale. Shawn Smith si rivela attraverso di essi un grande artista, in bilico fra rock classico (Led Zeppelin) e contemporaneo (Primus, Afghan Whigs) da una parte e musica nera dall’altra (soul, blues e funk attraverso l’ammodernamento princiano). Il grunge e’ solo una vaga area di appartenenza, un punto di riferimento da cui allontanarsi per confrontarsi con altre tradizioni. 

Se in epoca postmoderna ogni artista si sente in diritto di rimescolare le carte copiando, contaminando e ibridando, a maggior ragione potremo farlo noi ascoltatori “in fabula”, soprattutto in un territorio come il rock, “opera aperta” per eccellenza. Consiglierei dunque di registrarsi tutte le ballate dei tre album, tagliando magari le code e le introduzioni rumoristiche, su una sola cassetta (45 minuti giusti giusti). Ne uscira’ un vero e proprio album capolavoro: compatto, omogeneo ma mai monotono, languido ma anche inquietantante, se non vagamente sinistro, grande musica notturna fuori dai generi, con basso, sax e pianoforte da brividi, come quella di Morphine e Tindersticks.
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ULTIME CLASSIFICHE

Migliori 20 album ‘94 per il MUCCHIO SELVAGGIO, in ordine alfabetico:

Byrne, Buckley, Cash, Cave, Cooder & Toure, Grant Lee Buffalo, Ben Harper, Hawkins, Petty, Portishead, Primal Scream, Robertson, Rolling Stones, Snider, Soul Coughing, Soundgarden, Jon Spencer Blues Explosion, Sugar, Jimmie Vaughan, Young.

Migliori 20 esordienti (o quasi) ‘94 per il MUCCHIO SELVAGGIO, in ordine alfabetico. Grande confusione al Mucchio: Portishead - veri esordienti - dimenticati e sostituiti da gruppi al secondo o terzo album.

Beck, Black Eyed Susans, Vic Chestnutt, Collective Souls, Cracker, Cranberries, Crash Test Dummies, Folk Implosion, G. Love & Special Sauce, Hersh, Hootie & Blowfish, Daniel Johnston, Keb ‘Mo, Paul Kelly, McNabb, Matthews, Mother Station, Nordestan, Pilgrim, Screamin’ Cheetah Wheelies.

Migliori 20 album di “nuovo rock” ‘94 per il MUCCHIO SELVAGGIO, in ordine di merito. La confusione al Mucchio aumenta: di nuovo citati alcuni gruppi anche in questa classifica, di cui sfugge il nesso con le precedenti, inoltre DEBUT di Bjork e’ del 1993, e nemmeno di Dicembre:

1: Soul Coughing
2: Soundgarden
3: Shudder to Think
4: Come
5: Three Mile Pilot
6: Beck
7: Sonic Youth
8: Guided by Voices
9: Jah Wobble
    Loop Guru
11: Babe the Blue Ox
12 ex aequo in ordine alfabetico: Frank Black,  Bjork, Dillon, Lanegan, Galas & Jones, Girls Against Boys, Grifters, Polvo, House of Freaks, Miranda Sex Garden, Moonshake, Nirvana, Nova Mob, Sugar, Pavement, Scorn, Sebadoh, Star Pimp, Therapy?.

Migliori album del ‘94 per ROCKSTAR:

1: Pearl Jam
2: Nirvana
3: REM
4: Soundgarden
5: Page & Plant
6: Pink Floyd
7: Morrissey
8: Suede
9: Sonic Youth
10: Grant Lee Buffalo

Migliori canzoni del ‘94 per ROCKSTAR:

1: N. Cherry & Y. N’Dour: 7 Seconds
2: Cranberries: Zombie
3: Nirvana: about a Girl
4: Soundgarden: Black Hole Sun
5: REM: Bang & Blame
6: Springsteen: Streets of Philadelphia [ma e’ del ‘93 !!!!!!]
7: Bon Jovi: Always
8: Cure: Burn
9: Jeff Buckley: Grace
10: Pearl Jam: Nothingman

Rivelazioni ‘94 per ROCKSTAR [anche qui non si contano dischi del ‘93 e rivelazioni piu’ che tardive]

1: Jeff Buckey
2: Green Day
3: Oasis
4: Beck
5: Cranberries
6: Crash Test Dummies
7: Grant Lee Buffalo
8: Counting Crows
9: Bjork
10: Sheryl Crow

Voci femminili del ‘94 per ROCKSTAR

1: Dolores O’Riordan (Cranberries)
2: Tori Amos
3: Sheryl Crow
4: Bjork
5: Mariah Carey
6: Sinead O’Connor
7: Courtney Love (Hole)
8: Madonna
9: Edie Brickel
10: Kim Gordon (Sonic Youth)

Voci maschili del ‘94 per ROCKSTAR

1: Eddie Vedder (Pearl Jam)
2: Kurt Cobain (Nirvana)
3: Chris Cornell
4: Brett Anderson (Suede)
5: Jeff Buckley
6: Michael Stipe (REM)
7: Brad Roberts
8: David Sylvian
9: Robert Smith (Cure)
10: Peter Gabriel

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 5=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 6 (10 Aprile 1995)

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LANA CAPRINA ovvero NOTE SU ALCUNE DEFINIZIONI DI CUI SPESSO SI ABUSA by Gianni Galeota

In queste note si propone di analizzare l'uso dei termini: "single" (o "CD-single"), "maxi-single", "extended play" ("EP"), "mix " (o "CD-mix"),  "mini LP" (o "mini CD"), "Q-disc", cercando di capire a quali documenti vengono di solito riferiti, per verificare cioe' se questi termini sono riconducibili a quelli che comunemente chiamiamo singolo o album, o se sono piuttosto qualcosa di diverso.

Proveremo ad esaminare la questione dal punto di vista  1) dei termini in uso, 2) del contenuto dei documenti, 3) del loro supporto fisico.

1) TERMINI IN USO: Se il termine "single" indica un documento che comprende almeno un brano, le altre definizioni sono concepite come una 'espansione'  del concetto di singolo (maxi, extended, mix), o come una 'contrazione'  del concetto di LP (mini). Si viene cosi' a costituire una sorta di 'zona franca' tra il dominio del singolo e quello del long playing, ma non siamo ancora in grado di stabilire se questa si configuri come natura omogenea a se' stante, anche perche' mix e maxi-single rientrano ancora nell'orbita del singolo, mentre mini-LP in quella dell'album. 

2) CONTENUTI: Sul piano dei contenuti e' necessario considerare:
a) il documento in rapporto alla discografia dell'artista:
- e' citato nelle discografie ufficiali e in che modo?
- almeno uno dei brani e' tratto da un album?
b) il documento in se':
- come si autodefinisce? 
- quanto dura?
- quanti brani contiene?  
- i brani sono versioni remix di lunga durata? 
- ha un titolo autonomo rispetto a quelli dei brani contenuti? 
- e' possibile rintracciare un concept che unisca tutti i brani?
- quanto costa?
- in che confezione si presenta?

3) SUPPORTO: Per quanto riguarda il supporto, alcuni termini sono fortemente connotati ("CD-mix"), ma per altri non esiste una corrispondenza tale da far pensare che ad una definizione corrisponda uno e un solo supporto, come ad esempio "EP", che  puo' essere sia su vinile che compact o cassetta. Analogo discorso si ripropone per le dimensioni, che possono variare dai 7" ai 12" per il vinile, e dai 3" ai 5" per i compact, e se e' vero che un 7" non puo' essere definito altro che come "single", e' altrettanto vero che il 12" non e' sempre un "LP". 

Da queste considerazioni traiamo spunto per uno schema riepilogativo, una sorta di carta di identita' che riporta gli elementi piu' significativi emersi. 
	
 (1): TITOLO AUTONOMO RISPETTO AI BRANI:
 (2): BRANI DA ALBUM:
 (3): VERSIONI REMIX:
 (4): CONCEPT:
 (5): DURATA COMPLESSIVA:
 (6): BRANI RIPETUTI:
 (7): NUMERO DI BRANI:
 (8): DURATA DEI BRANI:
 (9): AUTODEFINIZIONE:
(10): DEFINIZIONE DA REPERTORI:
(11): PREZZO:
(12): CONFEZIONE:
(13): SUPPORTO:
(14): DIMENSIONI:

Forse la definizione piu' chiaramente connotata e' quella di "extended-play" ("EP"), che corrisponde a un documento con determinate caratteristiche, e che puo' costituire una vera e propria categoria intermedia tra il singolo e l'album. L'"extended play" ha un titolo proprio, non contiene brani tratti da album ne' versioni remix, puo' avere un elemento comune a tutti i brani che costituisce un legame logico, un concept (ad esempio brani live da un medesimo concerto), ha una durata dai 15 ai 30 minuti, cioe' inferiore alla durata media di un album ma superiore a quella di un singolo, ha un numero di brani contenuto rispetto a quello di un album, diversi tra loro, la cui  durata e', compatibilmente con il genere musicale, quella di un pezzo non sottoposto a operazioni di remissaggio; in genere si definisce "EP" anche nel titolo, e come tale e' citato nelle discografie, il prezzo e' solitamente inferiore a quello degli album. Meno significativi i dati relativi alla confezione, che nei compact puo' essere, ma non necessariamente, quella piu' sottile, e relativi alle dimensioni e al supporto, che variano dai 10" ai 12" in vinile e dai 3" ai 5" su compact. 
Lo schema sarebbe quindi il seguente:

 (1): TITOLO AUTONOMO RISPETTO AI BRANI: SI
 (2): BRANI DA ALBUM: NO
 (3): VERSIONI REMIX: NO
 (4): CONCEPT: SI
 (5): DURATA COMPLESSIVA: 15'00"<X<30'00"
 (6): BRANI RIPETUTI: NO
 (7): NUMERO DI BRANI: 3<X<6
 (8): DURATA DEI BRANI: 2'30"<X<5'00"
 (9): AUTODEFINIZIONE: EP
(10): DEFINIZIONE DA REPERTORI: EP
(11): PREZZO: <album
(12): CONFEZIONE: qualunque
(13): SUPPORTO: qualunque
(14): DIMENSIONI: qualunque

Una volta accettata l'idea di una natura intermedia sufficientemente connotata, resta da risolvere la questione di tutti gli altri termini, che tentiamo adesso di  confrontare con la carta di identita'. E' necessario tenere presente anche una tabella di priorita', in base alla quale un elemento ha la precedenza sugli altri. Ad esempio, se si ritiene che l'essere citato nelle discografie in un certo modo costituisca di per se' autorita' sufficiente perche' un documento venga definito inequivocabilmente cosi', allora significa che il valore (10) ha precedenza assoluta sugli altri. In realta' riteniamo che l'ordine in cui sono stati elencati gli elementi sia quello da tenere presente in questo senso. Gli elementi (1), (2), (4) e (6), in particolare,  sono sufficienti a identificare un documento come "EP". Se questo non accade, sono previste alcune alternative in uno schema piu' elastico:

 (1): TITOLO AUTONOMO RISPETTO AI BRANI: SI 
	(non necessariamente)
 (2): BRANI DA ALBUM: NO (al massimo uno)
 (3): VERSIONI REMIX: NO
 (4): CONCEPT: SI (non necessariamente)
 (5): DURATA COMPLESSIVA: 15'00"<X<30'00"
 (6): BRANI RIPETUTI: NO
 (7): NUMERO DI BRANI: 3<X<6
 (8): DURATA DEI BRANI: 2'30"<X<5'00"
 (9): AUTODEFINIZIONE: qualunque
(10): DEFINIZIONE DA REPERTORI: qualunque
(11): PREZZO: <album
(12): CONFEZIONE: qualunque
(13): SUPPORTO: qualunque
(14): DIMENSIONI: qualunque

Se i documenti soddisfano queste condizioni sono da ritenersi a pieno diritto degli "EP", come ad esempio quelli definiti "Q-disc" e "Mini-LP".  Se invece:

 (1): TITOLO AUTONOMO RISPETTO AI BRANI: NO
 (2): BRANI DA ALBUM: SI
 (3): VERSIONI REMIX: SI (non necessariamente)
 (4): CONCEPT: NO
 (5): DURATA COMPLESSIVA: qualunque
 (6): BRANI RIPETUTI: SI (non necessariamente)
 (7): NUMERO DI BRANI: 1<X<6
 (8): DURATA DEI BRANI: qualunque
 (9): AUTODEFINIZIONE: single, maxi-single, mix, EP
(10): DEFINIZIONE DA REPERTORI: qualunque
(11): PREZZO: <album
(12): CONFEZIONE: qualunque
(13): SUPPORTO: qualunque
(14): DIMENSIONI: qualunque

allora si tratta di una 'espansione'  del singolo, e come 'single' va considerato.
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LOREENA McKENNITT ovvero IL RITORNO DEL CIGNO
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 2) by Gianni Galeota

Il cigno e' tornato.
Ogni tanto si fa vivo. Quando meno te lo aspetti risorge dalle zone profonde del rimosso, o, se preferite, tra le maglie di qualche archetipo nascosto, o piu' semplicemente, dal passato.

Tutto comincio' nella contea di Monaghan, tanto tempo fa. Da quelle parti abitavano due sorelle, una bianca e lucida come il sole, l'altra nera e dal cuore di tenebra. Un giorno non proprio come gli altri, mentre passeggiavano in riva al fiume, la nera pensò che c'era un modo per avere tutto quello che aveva la sorella, eredità e miglior partito. Si avvicinò a lei fingendo una carezza, e la spinse in acqua. Poi se ne ando' a casa a prendere cio' che oramai le spettava di diritto. Un bardo di passaggio capito' da quelle parti, diretto al Palazzo del Re. Vide un cigno bianco galleggiare sul fiume e lo porto' a riva. Incantato dalla sua bellezza, decise di farne uno strumento. Dal suo petto ricavo' un'arpa, dai suoi capelli d'oro le corde. Quando' comincio' a suonare davanti al Re, l'arpa rivelo' la triste storia della principessa bianca che la Morte aveva trasfigurato in cigno, ed accuso' la sorella di averla uccisa per invidia. La principessa nera impallidi', e tutti capirono.

E' successo molto tempo fa. Qualcuno però giura di averlo sentito cantare nei primi '70, in pieno folk revival, quando i Pentangle di "Cruel sister" se ne fecero portavoce. E di certo i Pentangle erano al di sopra di ogni sospetto. Ne' reazionari ne' passatisti. Il loro folk'n'blues era quanto di piu' avanzato concepivano quegli anni. Poi non lo sentì più nessuno. Gli anni '80 accantonarono le radici, le annegarono nella frenetica new wave. A volte si intuivano qua e la', riaffioravano tra le acque agitate di David Byrne, o in mezzo alla maesta' dei fiumi gabrieliani.

Oggi ci riprova lei a far cantare l'arpa. Loreena McKennitt, canadese. La storia del cigno rivive in "The bonny swans" tra i solchi (si fa per dire) di "Mask and the mirror", suo quinto album. Assistant producer: Donal Lunny.
Cresciuta a Morden, Manitoba, e abbandonata la carriera di veterinaria, Loreena decide di dedicarsi alla musica. Gira come un busker sulle strade del Canada. Suona in piccoli club, partecipa a concerti, canta e recita in festival shakespeariani, scrive musica per film. Nel 1987 da' alla luce il primo album, "Elemental", autoprodotto, con l'etichetta Quinlan Road, da lei fondata, amministrata, e gestita. Eccolo il volto del cigno dei '90. Con il cuore nel folk, e' vero, ma con i piedi ben saldi nel business. Loreena bada da sola ai propri affari, "prima al tavolo da cucina, poi in un piccolo ufficio", come recita con orgoglio la sua "official biography". Da un album all'altro, tutti rigorosamente concept, Loreena costruisce un piccolo grande impero sulla propria immagine. Nel 1991 firma per "The Visit" un accordo con la Warner Bros Canada, "per favorire una piu' ampia distribuzione". Lo stesso dilemma di tanti artisti underground che delle indies emigrano verso i mercati delle multinazionali. Da allora i milioni di copie vendute, il doppio platino, gli Award, le partecipazioni dovunque, le radio, le TV, i giornali, le riviste, lo spalancarsi dei mercati europei.

La musica di Loreena McKennitt fa tutt'uno con la sua immagine e con cio' che le sta intorno. Basta spedire la cartolina allegata ad un suo album per toccare con mano il mito. Ti risponde di persona, chiamandoti "dear friend". Ti dice che dall'uscita di "The Visit" e' stata letteralmente inondata di lettere, che ogni giorno ne riceve piu' di cento, e che non sa come fare per rispondere a tutte. Spera comunque di fare cosa gradita nello spedirti la "biografia ufficiale" che di solito consegna ai giornalisti radio e TV. Per non lasciarti nell'illusione che quello da te acquistato sia l'unico album da lei prodotto, ti invia una lista dettagliata di titoli e prezzi in cui ti illustra i suoi dischi, una "postcard collection" di otto foto, una scelta di posters (quelli firmati costano di piu'), e un set promozionale di "The visit", che oltre all'album contiene un secondo CD di interviste rilasciate a Tim Wilson della CBC. Se poi hai la curiosita' di sapere come organizza il suo lavoro, ti rassicura che non fa tutto da sola. Con lei ci sono i simpatici Alan McGowan e Bill Bruce, che aprono la posta, la smistano, fanno i pacchi. Il prezioso Richard Flohil si occupa del marketing, e tanti altri fanno il resto, tutti indispensabili, tutti bravi. 

Se poi ti invita ad un concerto, nella hall del teatro troverai "merchandise tables" con tutti gli album in vendita, in tutti i formati (LP, CD, Tape), ritroverai i posters, le cartoline, piu' un espositore con gli album dei musicisti che suonano con lei, nome, cognome e strumento.

Con lei il folk ha saltato il fosso. E' musica a vasto raggio, anche nella confezione. Da un sound ancora molto tradizionale dei primi due album ("Elemental", dedicato alle creature elementari della natura, e "To Drive the Cold Winter Away", raccolta di canzoni natalizie meno note), la McKennitt sceglie sonorita' piu' complesse in "Parallel Dreams", dove la realta' parallela dei sogni si manifesta in brani originali da lei composti, imbevuti di tastiere e synthetic textures, punteggiati di congas, tablas, e ritmi nativi nordamericani. "The Visit" introduce gli influssi orientali che trionferanno in "The Mask and the Mirror", cronaca ideale di un viaggio alla radici del mistico, attraverso la Spagna che vide l'intrecciarsi di Cristianesimo, Islam ed Ebraismo, passando per Santiago de Compostella, giu' fino al mercato notturno di Marrakesh durante il Ramadan. 

Chi non l'ha mai vista provi a immaginarla. E' pallida, rossa di capelli, e veste un lungo abito nero. E' modesta, semplice. Sorride con imbarazzo e gratitudine quando l'applauso si accende. Chi non l'ha mai sentita lo faccia. Se gli capitera' di ascoltarla, il miracolo sara' compiuto. Pulita, rarefatta, cristallina. Ma anche intensa. La voce non nasconde gli studi classici da soprano, l'arpa l'accompagna con una grazia che cattura. Discepola di Alan Stivell, si ritaglia momenti di perfezione nelle ballate voce-arpa, specialmente dal vivo. Ascoltare dopo il melange celto-ispano-arabo di "The mystic dream" la delicata "She moved through the Fair" cantata in punta di voce, accompagnata dai trilli ora aspri ora morbidi dell'arpa, ti riconcilia non solo con il folk, ma con tutto il resto del mondo.

Sicuramente si tratta di un'operazione colta, forse un po' troppo cerebrale, fredda. Puo' darsi. Pero' il fenomeno McKennitt sta anche in questo. La sua musica e' artificiosa, ma artefatta cosi' bene da sembrare naturale. Come la sua immagine, cosi' semplice eppure cosi' costruita. Probabilmente non si puo' essere altrimenti in questi nostri anni. Ma ci va benissimo. Il cigno di oggi parla questa lingua. C'e' chi la considera new age, chi world music, chi la chiama roots music. 

Chi ama il folk avvinazzato dei pub o le danze agresti coi fili d'erba attaccati alle caviglie di certo non gradisce questo cigno dalle piume bianche, un po' troppo aristocratico.
Che pero' e' tornato per far rivivere anche loro.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 6=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 7 (8 Maggio 1995)

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VECCHI ELEFANTI

Firenze, 3 maggio 1995, Teatro Tenda, concerto dei King Crimson nella nuovissima formazione “doppio trio”: due chitarre (Fripp & Belew), due batterie (Bruford & Mastelotto) e due bassi (Levin & Gunn). 

Pubblico rigorosamente over 30, vestito casuale piu’ che casual, tutti seduti nei posti numerati, tutti tranquilli, tutti educati. 
Supporter il Californian Guitar Trio, che intrattiene amabilmente gli affluenti spettatori (riempiranno completamente la capiente tenda) con impasti di scuola frippiana che non disdegnano cover assortite, da Bach a Morricone. Sul palco il fondatore e leader indiscusso della band dal 1968, Robert Fripp, uno dei pochi intellettuali della scena rock, si attornia di una vecchia conoscenza (Bill Bruford, cremisi dal 1973, socio fondatore degli Yes e batterista di lusso per il Gotha del progressive inglese: Genesis, Gong, Pavlov’s Dog, National Health,UK e in proprio), di due autentici virtuosi dello strumento, compagni della rifondazione ‘81-’84 (Adrian Belew, con Hendrix e lo stesso Fripp indiscutibilmente fra i migliori chitarristi del secolo, beatlesiano o sperimentatore da solista, ha lavorato con Bowie, Zappa, Talking Heads e Laurie Anderson, per limitarsi ai maggiori, e Tony Levin, gigantesco bassista di Peter Gabriel e di chiunque possa permettersene l’altrettanto gigantesco cachet, in assoluto il numero uno) ed infine di due volti nuovi (Trey Gunn, gia’ in studio e in tour con Fripp e Sylvian per “The First Day” e con Fripp e Toyah nel misconosciuto progetto “Sunday All Over The World” e Pat Mastelotto, sconosciuto ai più).

Potrebbe sembrare una tipica “reunion” per nostalgici con la pancetta, ma Fripp non e’ certo il tipo. Lui che sistematicamente sabota ogni barlume di riscontro commerciale, lui che scioglie il gruppo ogni volta che rischia di sclerotizzarsi, lui che suonera’ tutto il concerto seduto, immobile, al buio, senza mai guardare il pubblico e probabilmente ad occhi chiusi. Niente nostalgia quindi, ma neanche attualita’, dopo che ognuna delle precedenti incarnazioni cremisi aveva segnato una svolta nella storia del Rock. Questa edizione sembra risiedere piuttosto fuori dalla storia, nell’empireo dei compositori e degli esecutori senza tempo, che nulla concedono alle mode del momento, appagati della propria perfezione. E’ come se i King Crimson  apparissero ogni tanto per ricordare che il cosiddetto Rock non è solo paccottiglia per teenager.

Ma veniamo al concerto. Prima di tutto il repertorio. Quasi tutto THRAK, l’ultimo album. Tre pezzi (Matte Kudasai, Frame by Frame e una versione incredibile, semplicemente mozzafiato, di Elephant Talk, canzone cui la nostra testata si ispira) dal capolavoro dell’81, DISCIPLINE. Infine, nel primo bis, richiesto da un uragano incessante di applausi fra i piu’ determinati mai sentiti, “Lark’s Tongues in Aspic” dall’omonimo album del ‘73, in una versione di rara intensita’. 
“Lark” e’ un pezzo “simbolo” dei King Crimson, sincretistico e senza tempo coi suoi riff heavy metal alternati alle atmosfere romantiche, costantemente in bilico fra rock e musica concreta nella sua tensione trattenuta. Si tratta di uno dei pochi brani “antichi” suonati nei concerti degli anni Ottanta e dell’unico che ha avuto l’onore di una versione “aggiornata” in studio (nell’84, su THREE OF A PERFECT PAIR).

Il secondo ed ultimo bis e’ stato invece per “Walking on Air”, deliziosa ballad sulla scia della mitica “Two Hands”, che ha messo in luce - insieme a “One Time” e a “Matte Kudasai” - l’aspetto piu’ “tradizionale” dei Crimson, in cui si trova piu’ a suo agio il Belew cantante, efficace ma indubbiamente piu’ limitato del chitarrista. Entrambi (il cantante e il chitarrista) sono apparsi ingrassati, con ancora meno capelli, ma ancora simpaticissimi e scevri da protagonismi, nonostante il ruolo di star oramai assunto.

Tony Levin, liberato dalla funzione di mero supporto ritmico dal pur bravissimo Gunn, ha potuto spaziare coi suoi mille bassi (fra cui un fantascientifico contrabbasso elettrico ed il suo ormai mitico stick) in funzione spesso melodica, capovolgendo i ruoli tradizionali rispetto alle chitarre. La sua e’ stata una prova maiuscola, ma sempre a servizio del lavoro d’equipe, cosi’ come quella del virtuoso Bruford, a sua volta “risparmiato” dal piu’ muscolare Mastelotto. Quello che infatti colpisce particolarmente in questo olimpo di virtuosi e’ che mai si abbandonano all’assolo fine a se stesso, ma sempre privilegiano l’impasto corale, il gioco di squadra, l’impatto emotivo, spirituale e anche (ammettiamolo) spettacolare prodotto da un’unica macchina ritmica, coesa nelle sue pur complesse e articolate funzioni.

In chiusura qualche parola per il sommo Fripp, ormai irraggiungibile nella velocita’ e precisione delle sue esecuzioni, mai decorative o autoindulgenti, sempre assolutamente necessarie e funzionali. 
Fripp, immobile, silenzioso e nell’ombra per piu’ di un’ora e mezzo, non per spocchia ma per favorire la concentrazione, alla fine, durante gli applausi, ha guardato verso il pubblico facendosi schermo dalle luci con una mano e, visibilmente soddisfatto, ha sorriso. E noi con lui.
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GIOVANI SCAMOSCIATI

Paradossalmente molto piu’ “datato” di quello dei King Crimson e’ apparso il concerto tenuto dai Suede (giovani alfieri dell’ultima moda albionica, la cosiddetta New Wave of New Wave) all’auditorium Flog di Firenze tre giorni dopo.

Brett Anderson, l’androgino cantante del gruppo, ha dominato la scena da consumato professionista, grazie alle grandi doti vocali e alla gestualita’ sfacciatamente sensuale, rendendo ancora piu’ evidenti in entrambi i campi i riferimenti bowiani gia’ presenti sugli album . 
Un grande cantante ed un vero divo, anche meno altezzoso di quanto ci si sarebbe potuti aspettare, attorniato da un degno gruppo, forte dell’imperturbabile bassista Mat Osman, del giovanissimo chitarrista e co-compositore Richard Oakes che non fa rimpiangere il transfuga Bernard Butler, e del granitico batterista Simon Gilbert.

Bel concerto, incorniciato - come l’ultimo album - fra il nastro di “Introducing the Band” e quello della coda orchestrale di “Still Life”, privo per supremo snobismo della super-hit “Stay Together” ma infarcito di pezzi tutti fortemente tipizzati ma anche ben riconoscibili e soprattutto di grande vena melodica, nella migliore tradizione del pop inglese. Bel concerto, ma “normale”, con i suoi pezzi lenti alternati ai pezzi veloci, con le pause per far bere i musicisti (acqua, per carita’, la new wave of new wave e’ igienista), con gli accendini accesi, perfino con un piccolo set acustico alla Queen per voce e chitarra. Insomma, i Suede si confermano gli ultimi grandi rappresentanti di una gloriosa tradizione.

Deludenti invece i supporter Strangelove, dal cui cantante ci aspettavamo grandi cose, dopo il sensazionale debutto di TIME FOR THE REST OF YOUR LIFE. E’ proprio la voce di Patrick Duff a deludere, complice la scadente acustica dell’auditorium e la scaletta troppo “rock” che trascura alcune sognanti ballate, lasciando troppo spesso a desiderare. Grandi invece soprattutto i due chitarristi, in evidenza nel pezzo finale del concerto e dell’album, quella “Is There a Place?” dalla scrittura cosi’ colossale da sopravvivere anche alle forzature di un Duff in scarsa vena. Degna di nota comunque la trovata della strofa finale cantata senza microfono, unico momento veramente felice di un performer che vorrebbe puntare molto sull’immagine dandy ma che ancora deve prendere qualche lezione (magari da Anderson).
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THE CHIEFTAINS ovvero CORTESIE DI OSPITI
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 3) by Gianni Galeota

Chi l'avrebbe mai detto?
D'accordo, e' vero, i tempi sono cambiati, pero' questo e' il colmo. I Chieftains, proprio loro. I mitici sei vecchietti. La caricatura di una band: uno canuto, uno calvo, un altro con un improbabile caschetto giallo-biscardi. Sembrano il gruppo messo insieme per Natale in una Casa di Riposo per Artisti in Pensione. Eppure sono loro, una trentina di album sulla groppa, trent'anni di onorata carriera all'insegna del piu' appassionato folk revival irlandese, una gloria nazionale. Qualcuno dice che sono la controparte degli U2, l'altra faccia della bandiera tricolore.

Oggi li vediamo dappertutto. "The Long Black Veil" ce lo sognamo anche di notte. Roxy Bar (sabato, in prima serata !!!) lo ha tenuto a battesimo, e da allora spot martellanti, interviste, special. Per non parlare dei quotidiani. Tutti si sono accorti dei Chieftains, pagine di cultura, spazi pubblicitari.	

Si', i tempi sono davvero cambiati. D'altra parte basta entrare in un negozio di dischi qualsiasi. Interi espositori dedicati al folk, alla world music, alla musica etnica. Fior di collane che pubblicano danze di Bali accanto ai tenores di Sardegna, oppure ai canti del Ghana. Tra queste la mitica Real World di Gabriel (chi l'avrebbe mai detto, quando nacque?), EMIsphere, Musique du Monde, e poi Explorer Series, Music from the Morning of the World, e via dicendo. Le posse di casa nostra rappano in dialetto stretto, con testi e traduzioni all'interno. Il Festival di Sanremo ha dedicato uno spazio per ogni puntata alla musica etnica. Dal cilindro di SuperPippo, sponsor l'acqua San Benedetto, abbiamo visto spuntare Noa, Youssou 'N Dour, Robbie Robertson con tutta la tribu', Cheb Khaled, Loreena McKennitt.

Ma i Chieftains hanno qualcosa di particolare. 
Il primo album risale al 1965. Si tratta di una sequenza di slow air, reel e jigs miscelate ad arte dal genio di Paddy Moloney, perno attorno al quale ruota tutto il gruppo. La formazione non e' ancora quella standard. La copertina sembra la foto ricordo di chi e' partito per l'America a cercare fortuna, e tra gli irlandesi ce ne furono un bel po'. I musicisti portano tutti il cravattino, anche se uno di loro tradisce una lucida banana alla Elvis. Il loro e' un folk agreste rigorosamente acustico, accompagnato da strumenti della tradizione. Nel corso degli anni snocciolano una serie interminabile di album numerati, 1, 2, 3, 4, ecc. con le copertine tutte uguali. Il contributo - peraltro mirabile - alla colonna sonora di "Barry Lyndon" li fanno conoscere anche fuori dai circuiti strettamente revivalistici. Poi la serie prosegue con 5, 6, 7, e cosi' via. Strada facendo la formazione si stabilizza. Moloney alla uillean pipe, Sean Keane e Martin Fay al violino. Gli altri vanno e vengono. Nel '73 Moloney ammette al gruppo il pacioso Derek Bell, arpista della BBC di Belfast, che sembra uscito da una stampa di Hogarth. Nel '79 arriva Matt Molloy ai flauti, ex-Planxty e Bothy Band. In tempi piu' recenti anche Kevin Conneff entra nella squadra, voce solista nei rari brani cantati.

E cosi', tra sorrisi e canzoni i Chieftains hanno attrversato incolumi tre decenni di musica, coltivando una propria fama e un proprio pubblico. Seguitissimi in Irlanda, accolti con favore nei paesi confratelli in celtitudine, con un qualche interesse anche in America, ma poco noti nel resto del mondo, hanno praticato fin dall'inizio una strada tutta loro. C'e' chi ha mischiato tradizioni, chi strumenti, chi ancora ha innovato i repertori per far crescere il folk e renderlo attuale. I Chieftains no, non tentano il melange. A differenza di altri rinunciano volentieri alle tastiere, non fanno carte false pur di inserire un assolo jazz, o un brano non tradizionale. Eppure nonostante questo vanno avanti. 

I Chieftains sono irlandesi, e da buoni irlandesi hanno il senso dell'ospitalita'. Sanno che e' ospite sia chi riceve che chi e' ricevuto. Stessa cortesia, stesso calore. 
Probabilmente quella sera, quando squillo' il telefono in casa Moloney, il buon Paddy era fuori a curare il suo giardino. Forse rispose qualcun'altro. O forse no, suono' a vuoto per qualche minuto. Fino al secondo tentativo, quando Paddy sollevo' la cornetta e senti' dall'altra parte la voce suadente di Paul "Beatle" McCartney. Lo invitava con cortesia, lui e il suo gruppo, e con uguale cortesia Paddy Moloney accetto'. A nome di tutti i compagni. 

I Chieftains hanno fatto gli ospiti in casa McCartney, in casa Dylan. Hanno preso il te' con gli Ultravox, hanno fatto jogging con Art Garfunkel, hanno succhiato caramelle con Jackson Browne, mangiato panini con Mike Oldfield, hanno diviso gioie e dolori con l'"Irish Heartbeat" di Van Morrison. Addirittura li abbiamo sentiti sghignazzare nell'intro di "Uomini col borsello" in casa Elio. E dovunque hanno portato un marchio di fabbrica inconfondibile, quel loro sound tradizionale, quel 'non so che' di arcaico e di vitale. 

"Si', quella delle collaborazioni e' da sempre una nostra tradizione", dice Paddy Moloney in un'intervista di questi giorni. "Per 25 anni", prosegue in un'altra, "i Chieftains sono stati invitati a partecipare alle registrazioni delle grandi stelle del pop: oggi la situazione si e' capovolta". Un'inversione di tendenza gia' chiara qualche anno fa, dai tempi del live "In China" (1985), in cui si fecero accompagnare da musicisti cinesi, a tutt'oggi l'operazione piu' ardita in direzione world tentata dal gruppo. Piu' di recente, nel '91, invitarono Elvis Costello, Marianne Faithfull, Jackson Browne, e Rickie Lee Jones a fare loro compagnia nella magica notte di Natale ("The Bells of Dublin"), quando le dodici campane della Cattedrale di Christchurch chiamano l'Irlanda ad un abbraccio con la vicina Saint Patrick, protestante. L'anno dopo fu la volta di Nanci Griffith e Roger Daltrey, ospiti di un'accogliente "Irish Evening".

Il resto e' cronaca di questi giorni. La voce di Sting in versione gaelica ha conquistato molti, irritato alcuni. Le corde disperate di Sinead O'Connor ne ha depresso ancora di piu'. E Tom Jones? Il vecchio leone del soul-blues bianco che si sgola nello studio di Frank Zappa, Lui assente? Ce n'e' per tutti. Basta accendere una radio. Oppure guardare lo special su Videomusic in replica perpetua. C'e' il folletto Paddy che sorride. Spiega che e' stato tutto bellissimo, che i Rolling Stones non se ne volevano piu' andare, che Sting ha tirato a fare mattina ubriacandosi con loro. 

Le session dei Chieftains con le stelle del pop sono un personale contributo alla crescita del folk. Non contaminazioni, non pastiche. Si tratta sempre di tradizione, anche se riveduta e corretta. Per loro la tradizione e' diventata questa: l'ospitalita'. Procedono per avvicinamento, senza mai fondersi. Scambiano opinioni tra una visita e l'altra. Ascoltano, imparano, e a volte insegnano. Pero' non perdono i contatti. E' un modo anche questo per restare vivi. 
Altrimenti nessuna tradizione ha piu' futuro.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 7=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 8 (12 Giugno 1995)

----------------------------------------------------------------------------------RECENSIONI IN BRANDELLI

FREAK POWER: DRIVE-THRU BOOTY: 1994 Norman Cook (ex Housemartins ed ex Beats International) in societa’ col cantante/trombonista Ashley Slater si e’ gettato in questa nuova avventura dal gusto un po’ retro, ma assolutamente irresistibile. Il genere e’ il funk, in versione leggera leggera ma scoppiettante, godibilissimo anche per chi non va pazzo per la black-music. Inutile citare le influenze, perche’ sono troppe, da George Clinton all’acid jazz, passando per certe cose fiatistiche degli Style Council. Se non vi fa ballare siete sordi (o paralitici).

TINDERSTICKS: TINDERSTICKS: 1995 Il debutto era gia’ un capolavoro. Questo secondo album (anch’esso oltre i settanta minuti) e’ ancora superiore. Musica per adulti, senza concessioni ma anche senza sperimentalismi. 

SERGE GAINSBOURG: DE GAINSBOURG A GAINSBARRE: 1994
Inutile presentare Serge Gainsboug. Caso mai siamo noi che dovremmo essere presentati a lui. In due cd tutti i sui classici dal debutto (1958) alla morte (1991), inclusi “Je t’aime, Moi non plus” e “La Decadanse” con Jane Birkin e l’incestuoso “Lemon Incest” con la figlia Charlotte. Come tutti i veri classici, incredibilmente moderno. Dategli una chance: anche i Luna lo hanno appena coverizzato nell’ultimo singolo “Bonnie and Clyde”.

IDAHO: THIS WAY OUT: 1994 Indolenti melodie distorte: un riuscitissimo incrocio fra Dinosaur Jr. e American Music Club. 

GUIDED BY VOICES: ALIEN LANES: 1995 28 pezzi in 41 minuti per il sesto album dei Guided By Voices, finalmente distribuito anche oltre il ristretto giro degli amici intimi. Gemme melodiche di pop purissimo affogate in registrazioni volutamente sporche, smozzicate, frantumate. Con i riff di questo disco si potrebbero costruire due o tre carriere. Gli zii buoni dei Pavement.

KENDRA SMITH: FIVE WAYS OF DISAPPEARING: 1995 La cantante degli Opal, abbandonata dal chitarrista David Roback (che le ha preferito Hope Sandoval per il progetto Mazzy Star”), dopo varie vicissitudini approda al debutto da solista per la mitica etichetta 4AD. Atmosfere decadenti con retrogusto americano, protagonista la voce con accompagnamento di chitarre, organo e harmonium. Riferimenti a Velvet e Doors, il santino di Nico sul microfono, un ottimo disco, anche se forse troppo ambizioso.

DRUGSTORE: DRUGSTORE: 1995 Dopo lo stillicidio di singoli finalmente arriva il debutto sul lungo formato della brasiliana Isabel Monteiro col suo gruppo anglo-americano. Melodie dolcissime e improvvise accelerazioni elettriche, miele e carta vetrata, una voce che restera’.
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ALAN STIVELL ovvero I SENTIERI DEL BIFRONTE 
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 4)     by Gianni Galeota

La Bretagna si affaccia come una terrazza sull'Oceano, e guarda verso Nord. In mezzo all'acqua, a pochi passi dalla costa armoricana, svetta il campanile dell'isola di Mont Saint-Michel. A guardarla, cosi' vicina eppure irraggiungibile, sembra proprio Tir Na Nog, il paradiso celtico. Quando c'e' bassa marea ci si puo' arrivare a piedi, e camminarci sopra.

Gourin e' la piccola capitale delle montagne nere, nel centro-ovest della penisola. Jord Cochevelou, liutaio e musicista, lavora da vent'anni a un progetto ambizioso. Ha studiato manoscritti, ha osservato bassorilievi e antiche illustrazioni. Finalmente e' tutto pronto. Siamo nell'aprile del '53. E' primavera, e come in ogni primavera c'e' qualcosa che rinasce. Il cerchio si chiude e ricomincia. Tra le mani di Jord vibrano le corde di un'arpa bretone come non la costruivano da secoli, sulle proporzioni esatte riportate nelle fonti piu' antiche.

Il giovane Alan ha ricevuto un'educazione ortodossa. Pianoforte, scuole classiche. Ma l'arpa bretone del padre e' un'altra cosa. "Cette resurrection est bien plus profonde que celle d'un simple instrument de musique", pensa il giovane Alan. Quell'arpa segna il ritorno della Bretagna nel mondo celtico, insieme alla figura del bardo, che tanto peso ha avuto nella vita della comunita' celtica rurale. Con gli anni Alan matura la sua scelta. L'eredita' forse gli pesa, ma la strada e' tracciata. "Stivell" in bretone vuol dire fonte, sorgente. Quello sara' anche il suo nome.

Al collo mette un medaglione strano, un cerchio con dentro una stella a tre punte ricurve. Forse qualcosa di simile c'e' nel Book of Kells, il codice miniato che custodisce l'immaginario iconografico dei Celti. Spirali, disegni che si intrecciano senza inizio ne' fine, labirinti che terminano al punto di partenza. 

Il medaglione si carica della ricca mitologia del cerchio. Cerchio come la luna, primo simbolo concreto della ripetizione temporale, del carattere ciclico dell'anno, prima misura del tempo. Cerchio come la ruota, ingranaggio essenziale dell'immaginazione umana, movimento nell'immobilita', equilibrio nell'instabilita', archetipo della vittoria ciclica, della legge del divenire. Come la svastica con la falce lunare al centro, come la ruota dello Zodiaco che segna il tempo della vita.

Stivell sceglie di essere la sorgente di un fiume senza foce. Il passato ritorna, ma non e' mai uguale. Allora l'arpa di suo padre non basta piu'. E' l'alba dei settanta, gli anni in cui la cultura progressiva parla la koine' del rock. Stivell sentira' sempre l'esigenza della sintesi. Piu' avanti negli anni si riconoscera' una "dual-sided nature". Questa volta il riferimento e' alla figura del Bifronte, a Ianus (da "ianua" = porta), che apre l'anno nuovo col mese di Ianuarius. Ma Ianus ha due facce, come il tempo stesso, insieme volto verso il passato e verso l'avvenire.

Il percorso e' iniziato.
Alla "Symphonie Celtique" del 1980, a tutt'oggi la sua opera piu' ambiziosa, Stivell imporra' una struttura tripartita. Tre cicli. Tre come le eterne tensioni in ognuno di noi. C'e' l'io che cerca di andare oltre il se',  c'e' la comunita' che tende alla societa' ideale, e c'e' l'universo che tende all'infinito. Forse non e' impossibile rintracciare una struttura analoga anche nel suo percorso esemplare di musicista.

PRIMA FASE, dal '70 al '79.
Dira' nella "Symphonie Celtique", usando testi tibetani, sanscriti, berberi e Quechua, che al di la' del se', della propria nascita, della propria storia, c'e' un punto in cui "il passato e' futuro, il futuro e' passato", in cui il tempo e' superato. "Tutti i sentieri portano al caos, alla dissoluzione, (...) all'inevitabile distruzione che precede l'inevitabile primavera." In questo decennio Stivell fa proprio questo. Mette a punto la sintesi delle due nature. 

Sulla copertina di "A l'Olympia" le scritte "Progressive-folk, Celtic Pop Music, Diversite des cultures, Monde technologique, Retour aux sources" si intrecciano alle punte del medaglione. La tradizione e' rivissuta grazie anche all'opera dei fidi Dan Ar Bras e Gabriel Yacoub. I risultati: un album per sola arpa, uno per arpa e voce, uno piu' tradizionale, uno folk-rock alla Fairport Convention, uno quasi jazz, due capolavori e tre live di sintesi.

SECONDA FASE, dall'80 all'85.
"E' possibile navigare verso la citta' della perfezione", dove nessuna cultura predomina sulle altre, ma dove gli scambi reciproci le arricchiscono continuamente. Sono gli anni di "Symphonie Celtique" e di "Legend". Stivell comincia ad attingere al jazz, all'etnica africana, indiana, orientale, come "il pittore che vuole usare tutti i colori dell'arcobaleno." 

Il suono si fa piu' complesso, articolato. Quattro suite lunghissime, una per facciata, segnano il percorso verso Tir Na Nog, il paradiso dei celti, la terra dell'eterna giovinezza. Il mondo celtico diventa sempre di piu'  la metafora di una terra promessa. Ma non promessa da un dio ad una sola razza, bensi' quella terra che tutte le etnie insieme si promettono di raggiungere. 

TERZA FASE, dall'86 al '93.
Si prepara l'era dell'Acquario. Per "Harpes du Nouvel Age", Stivell predispone nuove arpe elettriche dal suono piu' acquatico, l'elemento che per sua natura favorisce le commistioni. L'arpa di suo padre non e' piu' da sola. Queste sorelle dal suono piu' moderno le tengono buona compagnia. 

Sono gli anni della osannata/vituperata new age. Iniziano a raffica le ristampe su cd dei capolavori del primo periodo. In una di queste si consiglia: "File under: Timeless". Nell'87 Stivell collabora con Lucia Hwong in ambito decisamente new age, ma non disdegna nell'89 di prestare arpa e voce a "The Sensual World" di Kate Bush. Nel '91 arriva a perdersi tra le nebbie di Avalon ("The Mist of Avalon"), dove ritrova il caos, quell'inevtiabile azzeramento che precede la nuova primavera. 

Nel '94 esce l'album di fine ciclo. "Again" non e' un'antologia, e' una rivisitazione. Ospiti illustri di estrazione diversa, tra cui Dan Ar Bras, Kate Bush, Shane McGowan, e molti altri. Arrangiamenti rarefatti, a volte cosmici. Brani antichi che tornano nuovi. Il medaglione ha ripreso a ruotare. 

Il Bifronte ha voltato la faccia, e un altro anno nuovo gira lentamente sui cardini del tempo.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 8=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 9 (26 Giugno 1995)
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RECENSIONI IN BRANDELLI

NATACHA ATLAS : DIASPORA (1995) Esattamente a mezza via fra la migliore Ofra Haza e i Transglobal Underground piu’ accessibili si colloca l’esordio di Natacha Atlas, voce femminile dei Transglobal e ospite di lusso nell’ultimo album dei Love & Rockets e negli ultimi due di Jah Wobble. World music orientaleggiante su base dance elettronica nel rispetto della forma canzone tradizionale. Ormai quasi ordinaria amministrazione per i piu’ trendy, ma pur sempre suggestiva.

KINKY MACHINE : KINKY MACHINE (1993) e BENT (1994)
Purissima New Wave Of The New Wave: melodie british-pop, chitarre energiche ma sostanzialmente educate, voce bowiana, niente di innovativo ma indiscutibilmente gradevoli. Degno di nota che l’album di debutto (piu’ debole del successivo, notevole e orecchiabilissimo BENT) sia uscito, senza troppo battage, prima di quello degli osannatissimi Suede, non troppo dissimili ma baciati da ben altra fortuna.

BATMAN FOREVER (1995) Colonna sonora di lusso per il terzo episodio della saga Batman. 14 ottimi pezzi, senza riempitivi, tutti inediti, eccetto “Kiss From a Rose” dall’ultimo Seal. 

Agli U2 l’onore del primo singolo che, nonostante la produzione del blasonato Nellee Hooper (Soul II Soul), delude un po’: ritmo blandamente dance, voce distorta, ordinaria amministrazione insomma. 

Massive Attack e Tracey Thorn degli Everything But The Girl bissano felicemente la collaborazione di PROTECTION per una cover di Smokey Robinson gia’  visitata anche da Blondie e Grace Jones (“The Hunter Gets Captured By The Game”). 

Nick Cave torna ad una melodia di grande presa con “There is a Light”, Lenny Kravitz usa la voce (e non solo quella) della mozzafiato Brandy per “Where Are You Now?, i Devlins sembrano cloni degli U2 di 10 anni fa con “Crossing the River”, Michael Hutchence degli Inxs si cimenta con “The Passenger” di Iggy Pop. Ottimi pezzi anche per PJ Harvey, Mazzy Star, Offspring e Flaming Lips, con una menzione d’onore per la poetica “Nobody Lives Without Love” prodotta da Trevor Horn e interpretata da Eddi Reader nello stile dell’ultima Jane Siberry.

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URLA DA AREZZO

Dal 28 giugno al 2 luglio ad Arezzo Wave tutti i giorni, pomeriggio e sera, decine di gruppi gratis: Urban Species, Roots, La Crus, Negrita, Modena City Ramblers, Le Voci Atroci.....  Programma e novita’ dell’ultim’ora anche su Internet all’URL <http://www.zeopiu.it/aw95/>

Gia’ che ci siamo, ecco una manciata di URLa musicali fra le migliaia che appaiono, migrano, scompaiono quotidianamente sulla Rete.

Eno = http://www.nwu.edu/music/eno
Fripp = http://www.futurenet.co.uk/music/futuremusic.html
Lennox = http://www.webmedia.com/medusa/
Orb = http://www.hyperlink.com/orb
Shamen = http://www.demon.co.uk/drci/shamen
Videomusic/Rockstar = http://www.videomusic.com

A proposito: a quando una home page www tutta per Elephant Talk?
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LA TERZA VIA: Per una rilettura del pop italiano dei Settanta 
by Gianni Galeota                     (prima parte) 

Diciamo la verita': se c'e' una cosa che si da' per acquisita e' che in Italia negli anni settanta la musica passa giocoforza per due vie: o quella del folk impegnato cantautorale (Guccini, De Gregori, Lolli, ecc.), o quella altrattanto impegnata del rock progressivo (PFM, Banco, Area, ecc.). Basta leggersi intorno: storie della musica, enciclopedie delle sette note e altri repertori, tutti molto autorevoli, non fanno che confermare questa tesi. O di qua o di la'. Qualcuno ci prova a dire che c'era anche la solita canzonetta oramai di maniera, liquidata con un giudizio tipo quello che ci e' toccato sentire a scuola per i 'secoli bui' o per il 'barocco', macchie di fango che una Storia bizzarra ha spruzzato tra due secoli d'oro.

Ma siccome noi siamo di quelli che andiamo dove ci porta il cuore, ed anche dove ci suggerisce la memoria, noi tutti ricordiamo bene che non era cosi'. Niente affatto. Chi non ha presente i "Dischi caldi" di quei mezzogiorno domenicali, o la "Hit Parade", oppure i Festival di Sanremo dell'epoca, ridotti ad un'unica serata trasmessa alle 22 in differita, pero' non meno utili per capire il contesto musicale di allora?

Si' e' vero, il beat era passato. L'Equipe era allo sbando, i Dik Dik non erano un gran che, i Rokes erano spariti. Pero' qualcosa sopravviveva nella band che piu' di ogni altra fece trend nei settanta: i Camaleonti, cioe' quel tanto di rock e melodia italiana che divenne il verbo per i gruppi del decennio, e non solo per i gruppi. Se mettiamo nel calderone questi ingredienti, con un pizzico di Pooh, che nel '73 toccano il punto piu' alto della parabola lirico-sinfonica con "Parsifal", abbiamo la ricetta vincente.

E cosi' il testimone passa ai Cugini di Campagna, geniale compromesso tra il look proto-metallaro dei gemelli Michetti ed il falsetto del platinato Flavio Paulin, angelo in tuta di pelle nera. "Anima mia" diventa un classico, e cosi' "Innamorata" dell'anno dopo. Dello stesso anno e' la rivelazione di un altro mito, "Jenny e la bambola" degli Alunni del Sole, in cui al falsetto si sostitusce il mugolio struggente di Paolo Morelli, maestro di melodie in piena tradizione operistica.

"Campagna" e "Sole", abbiamo detto, due concetti chiave del nostro essere italiani. Ma in Italia siamo anche artisti, ed ecco infatti la Bottega dell'Arte, che in "Come due bambini" ci racconta i turbamenti di due giovani che si stringono sotto le coperte, cercandosi le mani, carezzandosi i capelli, e restando stretti "proprio come due bambini / che la paura sempre trovera' vicini."

Dai due bambini ai "Ragazzi nel sole" dei Collage il passo e' breve. La voce di Piero Pischedda e' sottile, ingenua, e vola in alto sopra le righe del pentagramma. Parla di sentimenti, di anime rubate e di tenerezze, accompagnando il cantato con efficaci giri di basso. Perche' la figura del vocalist e' oramai in pieno sviluppo. Non e' piu' solo un virtuoso dell'ugola, ma un musicista completo che  determina insieme agli altri l'impasto timbrico del gruppo. Suona chitarra, basso, e perfino la batteria, come Claudio Lumetta degli Homo Sapiens, che accompagnandosi con le bacchette canta "Bella da morire" al Festival di Sanremo del '77, convincendo pubblico e critica che ne decretano la vittoria. 

E poi chi non ricorda la torrida estate del '74, con "Tornerai tornero'", tradotta in sei lingue, reincarnazione languida del tema 'stessa spiaggia stesso mare', dove Lumetta ci fa sapere che "la piazzetta del mercato e' ancora la' / le magliette sono uguali a un anno fa, / mi ricordo che / la volevi tu / quella con 'ti amo' scritto su"?

Ma il 'ritorno' e' anche il tema dei Santo California, che dalla piscina di uno dei primi video-clip in assoluto, immersi fino al petto, lanciano il grido del ragazzo che parte militare: "un anno non e' un secolo / tornero'!" La metafora e' evidente. Il motivo del ritorno denota una chiara volonta' di recupero della tradizione melodica italiana (il coro muto che accompagna il cantato), proprio mentre i tanto progressivi cantautori rimpiangono le osterie di fuori porta (Guccini) o antiche Veneri di Rimmel (De Gregori), oppure piangono la triste fine di Lilly devastata dalla droga (Venditti). Il ritorno e' invece speranza, ed e' costruttivo.

Lo dimostrano anche le operazioni di gruppi come il Giardino dei Semplici, che con "Tu ca nun chiagne" tentano con successo di rinnovare la tradizione napoletana. I Beans ci provano invece con "Come pioveva", riportata dalla voce inconfondibile di Franco Murgia ai fasti di una volta. L'abbandono di Murgia arresta prematuramente il cammino dei Beans, nonostante la sostituzione del pur valido fratello Ciccio. 

Da oltre Oceano vengono invece gli stimoli per gli Opera, interpreti del gusto per il musical mistico-religioso alla "Jesus Christ Superstar" riletto però in chiave latina. Impasti vocali, costumi e teatro sono la formula dello spettacolo "Aria, acqua, terra e fuoco" a meta' del decennio, prima di portare la formula sul palco di Sanremo con uno dei refrain piu' struggenti mai sentiti: "Noi parliamo dell'amore / quando non c'e' piu' / ogni foglia che perdevi / era una virtu'."

-------------------> continua nel prossimo numero di Elephant Talk

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 9=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 10 (25 Luglio 1995)
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ESTREMI CRONOLOGICI DELLA NEW WAVE 

In edicola in questi giorni, allegato al numero di luglio/agosto di “Rumore”,  un pratico libretto ricco di nomi, date e recensioni a cura di Federico Guglielmi e Eddy Cilia dedicato alla New Wave, che segue quello dell’anno scorso sul Punk. 

Concordo con gli autori nella difficoltà di definire “questo complesso fenomeno musicale, mai assurto al rango di vero ‘genere’ proprio a causa del suo eclettismo e della sua refrattarietà a lasciarsi trasportare dalla corrente del gia’ sentito”. Guglielmi e Cilia hanno optato per includere nell’opuscolo “i fermenti di piu’ decisa identita’ rock nati sulla spinta del punk o evolutisi in parallelo ad esso” escludendo il punk stesso e le “proposte troppo sbilanciate verso la sperimentazione o verso recuperi piu’ o meno tradizionalisti”. La New Wave, circoscritta cosi’ in negativo, diventa dunque piu’ un periodo che un genere e quindi cruciale ne diventa la delimitazione cronologica. La “guida pratica” di Rumore propone 1977-1983 (per il punk era stato 1974-1983) e piu’ o meno direi che ci si puo’ stare.

Piu’ o meno per piu’ o meno, convenzione per convenzione, io direi invece 1977-1984, scandendo con tre album cruciali, ciascuno contornato da una manciata di comprimari, tre anni altrettanto cruciali. 

# 1977 : ULTRAVOX! : ULTRAVOX! debutto (bissato dopo pochi mesi da AH! AH! AH!) prodotto da Brian Eno, nume tutelare della New Wave, che nasce come sofisticazione, complicazione, evoluzione dell’azzeramento radicale operato dal Punk. Un passo avanti rispetto al “no future” del Punk che significa pero’ anche un passo indietro, ovvero un recupero del passato piu’ illuminato del mainstream britannico: Fripp, Eno & Bowie (la trimurti di HEROES e, parzialmente, di LOW, entrambi del 1977) ma anche Peter Gabriel (del 77 l’omonimo esordio solista), Iggy Pop (dello stesso anno l’incredibile doppietta THE IDIOT / LUST FOR LIFE) e Peter Hammill. La New Wave come postmoderno rock dunque. 

Certo, c’erano stati dei precursori. Ad esempio l’omonimo debutto degli ancora troppo romantici Metro nel 76. Impossibile dimenticare che Devo e Pere Ubu confezionavano singoli gia’ dal 75, ma solo gli album schiudono le epoche, ed entrambi giungeranno al lungo formato solo nel 78. Gli Ultravox! (ancora col punto esclamativo nella ragione sociale) sono i primi a contaminare su album le asperita’ punk con atmosfere malate e decadenti, introducendo anche strumenti “borghesi” come tastiere e violini. Il look invece e’ ancora inequivocabilmente punk, tanto che uno sticker (rimuovibile) li etichetta e promuove come tali.

Il 77 e’ comunque una grande annata, indiscutibilmente di svolta, che vede anche l’esordio di Talking Heads (che titolano proprio 77, senza fronzoli), Television (MARQUEE MOON, con l’omonimo brano capolavoro), Wire (PINK FLAG), Stranglers (RATTUS NORVEGICUS) e Suicide (omonimo). Il fronte piu’ propriamente Punk si era gia’ aperto l’anno precedente con l’omonimo esordio dei Ramones (troppo di manica larga chi parte dal 74) ma sara’ proprio il 77 l’anno dell’esordio di Clash e Sex Pistols e del capolavoro dei Ramones (ROCKET TO RUSSIA).

# 1980 : TALKING HEADS : REMAIN IN LIGHT capolavoro assoluto della New Wave, che ne segna l’acme, l’anno della piena maturita’ espressiva, ed apre la stagione della contaminazione con i ritmi africani. Al timone ancora Brian Eno, vero e proprio quinto membro del gruppo, e alla chitarra un Adrian Belew nel momento di massima grazia (dell’anno successivo DISCIPLINE coi rinati King Crimson). L’anno vede anche l’esordio - ancora immaturo - di U2 (BOY) e Teardrop Explodes (KILIMANJARO), l’approdo dal Punk alla New Wave dei Clash col triplo, enciclopedico, SANDINISTA! e la scissione delle due anime degli Ultravox: da una parte il glaciale John Foxx col kraftwerkiano METAMATIC per pochi intimi e dall’altra tutti gli altri col nuovo cantante Midge Ure e il melodico VIENNA che spezza il pane della New Wave per le masse.

Ma la data e’ importante anche perche’ segna l’autentico inizio del movimento Dark - fino ad allora troppo legato alla rudezza Punk - col capolavoro decadente dei Joy Division (CLOSER) e una tripletta di grandi esordi: Bauhaus (IN THE FLAT FIELD, preceduto dal seminale “Bela Lugosi Is Dead”), Killing Joke (omonimo) e Sound (JEOPARDY).

# 1984 : U2 : THE UNFORGETTABLE FIRE ancora una volta nel segno di Eno (affiancato da un certo Daniel Lanois, reduce dall’APOLLO dell’anno precedente coi fratellini Eno, che ne fara’ di strada)  il crepuscolo della New Wave, che si esaurisce quando le mille tendenze che erano convissute nella sua sfaccettata anima prendono ciascuna la propria strada. 

Il 1984 e’ l’anno dell’esordio sul formato album di Bronski Beat (THE AGE OF CONSENT), Frankie Goes To Hollywood (WELCOME..), David Sylvian (BRILLIANT TREES), Lloyd Cole (RATTLESNAKES), Smiths e Red Hot Chili Peppers (omonimi); artisti che piu’ diversi non si puo’. E’ l’anno in cui gli album di esordio di Style Council (CAFE BLEU) e Sade (DIAMOND LIFE) inaugurano la tendenza Cool e in cui Prince ibrida Funk e Rock con PURPLE RAIN, per la prima volta primo sia nelle classifiche bianche che in quelle nere. E’ l’anno in cui il Dark raggiunge l’acme e si trasfigura nella tendenza “a la 4AD” col capolavoro dei Cocteau Twins (TREASURE) e gli esordi di Dead Can Dance (omonimo) e This Mortal Coil (IT’LL END IN TEARS). E’ l’anno in cui i Depeche Mode portano il Techno-Pop a vette ineguagliate con SOME GREAT REWARD, per non essere poi mai piu’ gli stessi. E’ l’anno in cui la New Wave muore dolcemente, travasando i suoi umori in quelli dei nuovi protagonisti.
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LA TERZA VIA: Per una rilettura del pop italiano dei Settanta 
by Gianni Galeota                     (seconda e ultima parte) 

Nella prima parte abbiamo cercato di seguire il cuore e la memoria. Qualcuno ci ha rimproverato di ricordare soltanto gli episodi piu' melensi, piu' usuali per il nostro pop. Il cuore si sentiva, ci hanno detto, ma la memoria un po' meno.

E' vero, in quegli anni non c'e' solo malinconia e sentimenti, ma anche trasgressione, innovazione, coraggio. C'e' l'imbarazzo della scelta. Da dove vogliamo cominciare? Dai Romans, campioni del 'glam capitolino', con pantaloni a pelle, camicie di raso aperte, pelo arruffato, catene d'oro, e facce da periferia pasoliniana? Oppure dal duo pomicione Julie & July, formato dalla grande Angela Cracchiolo (che i piu' attenti ricorderanno anche come solista) e da un partner disinibito che mugola con lei alla maniera di Jane Birkin e Serge Gainsbourg?

E poi chi non ricorda i Nuovi Angeli, inventori del filone demenzial-melodico con "Donna felicita'" e "Sugli sugli / bane bane / tu miscugli le banane", proseguito dai Bull Dog di "Doggy doggy", e dagli stessi Oliver Onions di "Sandokan" e di "Furia cavallo del West / che beve solo caffe' / per mantenere il suo pelo / piu' nero che c'e'"?

C'e' la Strana Societa' che con "Pop Corn" scrive a chiare lettere che la musica italiana e' pronta per il pop strumentale, che non ha bisogno di testi, ma che sopravvive anche di sola armonia. Lo strumentale va in classifica con "Amore grande amore libero" del Guardiano del faro, "Pao Pop" del jazzista Enrico Intra, con Piergiorgio Farina e il suo violino, con i cori muti degli Albatros e dei Daniel Santacruz Ensemble.

E' tutto in gran movimento, altro che secoli bui.

I cantautori ci sono, e' vero, ma non soltanto gli sfigati. C'e' una controparte che pensa positivo, che intravede vie di uscita, speranze possibili. Si diffonde un clima di ottimismo del cuore, un filone iniziato da "Una chitarra, cento illusioni" di Reitano. Paolo Barabani canta "Hop hop somarello / trotta trotta il mondo e' bello". La canzone d'autore e' piu' vicina alla poesia che al proclama o al manifesto politico. 

Ha ragione Franco Simone a definirsi "Il Poeta con la Chitarra", ha ragione Paolo Frescura, faccia pulita e capelli cotonati, a vedere la propria donna "Bella dentro", priva di quei tratti spigolosi che caratterizzano le figure femminili incazzate o depresse tipiche del repertorio degli altri cantautori. E le 40 settimane di classifica gli danno ragione. Leano Morelli, dotato di una analoga capigliatura espansa, gli fa il coro con "Nata libera", prima di infognarsi nell'egalitarismo socio-musicale di "Cantare, gridare, sentirsi tutti uguali". 

Umberto Napolitano cerca e trova la spensieratezza nei versi tronchi di "Ora il disco va" e "Con te ci sto", quasi che le finali lasciassero aperto il discorso a beneauguranti sviluppi futuri. Piu' torbidi invece i toni di Sandro Giacobbe, che passa dal "Giardino proibito" alla bella tardona di "Signora mia", allo scandalo de "Gli occhi di tua madre", in cui una somiglianza galeotta tra madre e figlia lo induce in tentazione, e non si ferma li'. Come non si ferma Umberto Balsamo, censurato per "Natali'" in odore di aborto, ma che continua a scandalizzare con "L'angelo azzurro".

Comunque il personaggio piu' rappresentativo del decennio e' Patrizio Sandrelli, un grande interprete di pop intimista d'avanguardia. In "Rosa" sperimenta il refrain a due voci, con canto e controcanto, portatori di due stati diversi di coscienza, quasi uno sdoppiamento tra sentimento e ragione. In "Fratello in amore" celebra la memoria di Alessandro Momo, scomparso prematuramente in un incidente stradale, offrendo una reinterpretazione pop del genere epitaffio. In "Piccolo fiore nero" segue il filone sensual-morboso, mentre in "A letto senza cena" quello sado-maso. Eclettismo, sperimentazione e tradizione trovano in Sandrelli un raro ma efficace equilibrio.

La grinta espressa tra le righe da Sandrelli conosce poi piena applicazione nel repertorio di Ciro Sebastianelli, piu' aggressivo e rauco, di Santino Rocchetti, regolare presenza sanremese, e di Mino Vergnaghi, che un Sanremo l'ha vinto con "Amare" nel '78. Qualcuno ha voluto addirittura vedere in Vergnaghi un Masini quindici anni prima.

E le donne? Troppo occupate a fare da protagoniste nelle canzoni, non trovano il tempo di dire la loro. Non ancora affrancate dal fortunato modello Zanicchi-Fratello-Cinquetti-Berti, rispondono con Claudia Mori al "Buonasera dottore" dell'amante clandestino senza disturbare piu' di tanto il suo tranquillo menage familiare. Il modello positivo e' quello di Gilda, vercellese, che con "Ragazza del Sud" e "Nina la bionda" prende a cuore i problemi delle donne nello straziato meridione. Inizia poprio con "Ragazza del Sud" la linea delle esordienti sfigate che vincono  Sanremo e poi scompaiono, come accadra' piu' tardi a Tiziana Rivale e, molto probabilmente, a Giorgia.

Il vero scossone per le donne sara' a fine decennio, con il ciclone Berte'-Rettore-Oxa, che sconvolgera' non poco gli equilibri del pop italiano. Nel mezzo c'e' il settantasette, c'e' la rivoluzione punk, e con essa una valanga di rompiballe che invade la musica dei buoni sentimenti.

Ma questa e' un'altra storia.

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ULTIM'ORA (si fa per dire)

Sull'album di esordio del rapper italiano FRANKIE HI-NRG MC (VERBA MANENT: 1993), il pezzo "Potere alla Parola" (presente in tre versioni) e' basato - con ottimi risultati - sul campionamento del mitico riff di basso che apre il brano "Elephant Talk" (e l'album DISCIPLINE) dei King Crimson. L'abbiamo scoperto solo ora, ma non potevamo certo esimerci dal comunicarvelo.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 10=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
supplemento al numero 10 
(7 Agosto 1995)

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Cari lettori di Elephant Talk,

ammetto di aver tradito. Ho inviato anche alla lista di discussione <musica@pantheon.it> un mio articolo apparso sull'ultimo numero di ET. Per cercare di farmi perdonare  diffondo anche a voi la replica che ha suscitato, cogliendo l'occasione per invitarvi a farmi avere vostri pareri su quanto appare su ET. In rete la distinzione fra rivista e lista di discussione e' piuttosto labile.    RR

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ESTREMI CRONOLOGICI DELLA NEW WAVE : UNA REPLICA
di Marco Centofanti (4 Agosto 1995)

Intanto invito tutti coloro che deficitano in quanto a testi ed enciclopedie rock ad acquistare il numero di Luglio - Agosto di Rumore, che allega la Guida di cui si discute. Il volumetto, pur coi suoi limiti di spazio, e' sufficientemente esuriente e soprattutto e' redatto da due veri esperti della materia. 

Cio' detto, concordo con quasi tutto cio' che ha scrito Ridi nel suo bell'intervento, anche se il mutare la delimitazione temporale del fenomeno new wave da 77/83 a 77/84 mi pare questione di lana caprina...

Solo alcune precisazioni ed opinioni: 

- Pochi dubbi sul far cominciare lo Wave - periodo nell'anno 77, ma non forzerei la mano cercando UN album di svolta a tutti i costi. Ridi sceglie l'omonimo debutto degli Ultravox!, ma poi giustamente dice "Il 77 e' comunque una grande annata, indiscutibilmente di svolta" ed io credo che la corretta chiave di comprensione sia questa. 
Aggiungo una curiosita': Ridi scrive degli Ultravox!: "Il look invece e' ancora inequivocabilmente punk, tanto che uno sticker (rimuovibile) li
etichetta e promuove come tali.", bene, analogo adesivo era presente pure sui primi album di XTC e (incredibile a dirsi) Tom Petty! E' che sul momento il punk tirava e, si sa, le case discografiche non vanno tanto per il sottile! Non per nulla pure sulla cover di "Never mind the bollocks" campeggiava una bella scritta "PUNK", non sia mai che qualcuno potesse fraintendere... 

- Credo che pochi osino dubitare che "Remain in light" sia un capolavoro totale, e allora consigliamo di affiancarlo dall'altrettanto strepitoso "My life in the bush of ghosts" che lo ha seguito, pur essendo stato concepito precedentemente da Eno e Byrne. 
Ritengo invece riduttivo salutare "Sandinista!" come "l'approdo dal Punk alla New Wave dei Clash", quei tre Lp sono molto di piu'... Ne riparleremo presto. 

- Pure ficcare i Killing Joke nel troppo affollato e male assortito calderone Dark senza un minimo di avvertenze per l'uso e' un pochino azzardato: i KJ sono stati altri rispetto ad ogni movimento e, pur con una pletora di Lp sbagliati sul groppone, hanno avuto una rilevanza sorprendente sul corso del rock, tanto che solo da pochi anni se ne e' compresa la importanza grazie ai tanti gruppi loro debitori (facciamo un nome per tutti, i primi Soundgarden). 

- Ridi tira in ballo gli U2 di "Unforgettable fire" (a parere di chi scrive il loro miglior Lp ma anche il piu' anomalo di una collezione che spazia dalla ingenuita' new wave di "Boy" alle technologie degli ultimi remix passando per il grande equivoco di "War", Lp assai discontinuo e
temo sopravvalutato all'epoca, per il rock ortodosso di "Joshua three" e
la magniloquenza di "Rattle and hum"), e mi porge lo spunto per affermare che il prodotto (uso questo termine senza alcuna connotazione negativa) U2, il fenomeno U2, meriterebbe una disamina approfondita e scevra da giudizi di merito: portatori di "valori" e "messaggi" nel decennio edonista per eccellenza, gli '80, e paradossalmente camaleontici acrobati del look (cfr. le foto di Bono nei vari periodi), tra i pochi ad essere idolatrati da critica e pubblico all'epoca (addirittura riuscendo a lungo nell'impresa di non farsi scaricare dai fans di piu' lunga data con l'arrivo del successo planetario), eppure molti dei loro Lp sono innegabilmente invecchiati male... Chi ha cose intelligenti da scrivere al riguardo si faccia avanti. 

Ancora complimenti a Ridi per l'intervento preciso e competente.

==ELEPHANT===TALK===fine del supplemento al numero 10==

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 11 (11 Settembre 1995)

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“Solo il banditore delle vendite all’asta è tenuto ad ammirare tutte le scuole artistiche”  Oscar Wilde
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LE AFFINITA' ELETTRONICHE 
della nostra nuova collaboratrice Stefania Manzi

Volete sapere quali dischi vi piacerebbero, oltre a quelli che vi piacciono gia'?  Allora, aprite la URL: <http://www.webcom.com/~se>
e poi seguite le istruzioni: voi gli (le? loro? insomma al "WEB-based music recommending system") dite i vostri 5 album preferiti (attenzione, album non singoli brani (ma alla musica classica e alle colonne sonore e' riservato un trattamento particolare, leggete le istruzioni specifiche!)) corredati dai rispettivi autori; a stretto giro di posta elettronica lui (lei loro, il WEB-etc.) vi rispondera' con un elenco di album che, secondo un misterioso sistema di affinita' e indicizzazioni elettroniche, dovrebbero piacervi. 

Ciascun item e' corredato da un punteggio che ne qualifica la presunta affinita' con i vostri gusti dichiarati: 100 punti indicano che l'album suggerito non puo' non piacervi; punteggi minori indicano porzioni minori di godibilita', fino all'intervallo da 1 a 16, per il quale dovrete accontentarvi se vi piacera' si' e no una meta' del titolo corrispondente. Rimangono alcuni misteri e una precisazione: quali e quanti titoli ci sono in catalogo (a partire da quale anno di pubblicazione? e di quali paesi?...) in che modo li hanno cosi' mirabilmente collegati gli uni agli altri (teniamo presente che, dato che si permettono di diversificare i punteggi di affinita', devono aver costruito un sistema di indicizzazione piuttosto complesso, organizzato in qualche modo con gerarchie e scelte preferenziali ...)?

Infine, io ho detto "album" genericamente, il WEB-etc. in realta' parla solo di CD; anche in questo caso, il rigore di questa selezione e' tutto da verificare. Quindi, provate e, se volete delle sorprese, barate, mescolate le carte, mandate piu' elenchi con variabili e costanti, riprovateci dopo un po' (il data-base viene aggiornato e, sembra, anche piuttosto spesso, quindi un mucchio di roba FRESCA!) e soprattutto, fate pubblicita', diffondete e divulgate: come dice WEB-etc., stupirete i vostri amici! 

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CAROLINE LAVELLE ovvero DONNA E’ CELLO 
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 5)     by Gianni Galeota

Il "cello" non e' altro - cosi' mi dicono - che il nostro violoncello classico, quello da suonare stando seduti, che qualche volta riconosciamo tra le pieghe di certi brani folk-pop, e non solo.

Chi ha frequentato le ultime prove di Gabriel avra' notato la presenza discreta ma efficace di certa Caroline Lavelle, presente in "Washing of the water", "Secret world", e in "Love to be loved" (qui anche come arrangiatrice di archi). Qualcun'altro se la ricordera' in altri ensemble di accompagnamento, per esempio con Martin Stephenson nelle tenere ballads di "Gladsome, Humour & Blue" (1988), oppure con Cranberries, Alison Moyet, Ride, The Fall, e cosi' via.

Bene, non ci crederete, ma la dolce Carolina ha pubblicato da poco il suo primo album da solista, "Spirit". Una vera rivelazione. Undici brani dall'incedere morbido e sommesso, tastiere elettroniche in sottofondo, giri ipnotici di basso, con aperture quasi sinfoniche, ma senza clamori. Tutti brani originali scritti per lo piu' con William Orbit, noto produttore e mago di sonorita' peri-techno-dance (celebri i remix di Madonna, Depeche Mode, Seal, McLaren, S-Express, Shamen, Prince...), anche lui presente insieme a Caroline in "Love to be loved" di Gabriel.

Tutti originali tranne tre. E qui viene il bello.

Il primo e' "A case of you", forse non felicissima cover della Joni Mitchell dei tempi di "Blue" (1971). La stessa impressione che fa "Big yellow taxi" nella versione di Maire Brennan dall'ultimo "Misty eyed adventures". Della serie: c'era proprio bisogno?

Il secondo invece e' "Lagan love", traditional molto noto, gia' rivissuto 'a cappella' da Kate Bush nella B-side di "Cloudbusting" (1985). Qui il tandem Lavelle-Orbit lo ritocca con notevole buon gusto. Grande atmosfera, voce incantevole, il tutto immerso nell'aura mistica che l'arpa di Maire Ni Chathasaigh sa creare.

Il terzo, poi, e' un vero capolavoro. Pronti a stupire: se vi rimbombano ancora nella testa le grida isteriche di Sinead O'Connor che strazia "Foggy Dew" dai solchi degli ultimi Chieftains, avete ora l'occasione di rifarvi le orecchie. "Foggy dew", il classico sulla rivoluzione irlandese, avvenuta in quella nebbiosa mattina di Pasqua del 1916 in nome della causa repubblicana! Quante volte quella nebbia ci e' entrata nell'anima, ci ha scavato fin nei piu' intimi recessi! Qui si chiama "Moorlough Shore", la musica e' la stessa ma cambiano le parole (comunque a noi piacevano anche le altre). 

"Moorlough Shore" e' stato anche video della settimana a Videomusic qualche tempo fa. Un video - manco a dirlo - molto acquatico. La figura di Caroline giganteggia in mezzo al lago avvolta in bianche vesti svolazzanti, mentre da qualche altra parte un fustone a torso nudo - e pure molto abbronzato - gioca con una specie di palla floscia d'argento che getta in acqua e poi ritira su.

Per concludere: "Spirit" e' una chicca per chi segue Gabriel ("Dream of Picasso" sembra rubata a lui), e per chi ama un certo folk che sa andare oltre. E poi c'e' la sorpresa di un ottimo esordio. Caroline compone, arrangia, suona il violoncello acustico e/o elettrico, le tastiere, e canta con una voce bellissima, profonda, intensa, diremmo quasi 'romantica'. 

Inoltre e' anche piuttosto carina. (Si puo' dire?)

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RECENSIONI IN BRANDELLI

BANDIT QUEEN : HORMONE HOTEL : 1995 Un retrogusto di Pretenders e quintali di puro punk-pop al femminile (Veruca Salt, Sleeper, Elastica, Breeders) per l’esordio delle Bandit Queen, fresche, gradevoli, di tendenza, anche se non cambieranno certo la faccia del rock.

MOBY : EVERYTHING IS WRONG : 1995 L’enfant prodige della techno intellettuale, prediletto da sua obliquita’ Brian Eno delude sul lungo formato. Un po’ di tutto, ma niente di eccezionale oltre ad accelerazioni e rallentamenti ritmici. Una sola eccezione, che giustifica pero’ da sola l’acquisto dell’album: “Into the blue” (scritta e interpretata insieme alla cantante Mimi Goese dei compianti, immensi, Hugo Largo) sorprende e commuove. Melodia celestiale su base moderatamente dance, un capolavoro assoluto, il miglior singolo dell’anno a oggi. L’accoppiata replica con “When it’s Cold I’d Like To Die” ma la magia non si ripete, almeno non allo stesso livello. In commercio anche due lunghissimi mini-cd con ben 11 versioni alternative, radicalizzate, strumentali, blueseggianti, ma purtroppo senza quella originale, forse la migliore.

BLACK GRAPE : IT’S GREAT WHEN YOU’RE STRAIGHT.... YEAH : 1995 E’ grande quando sei pulito, e se ce lo dice quel pasticcomane di Shaun Ryder, gia’ cantante degli Happy Mondays, dobbiamo proprio credergli. Il suo nuovo gruppo riprende gli stilemi Mondays e dona un degno successore al leggendario PILLS ‘N’ THRILLS del 1990, dopo il mezzo passo falso di YES PLEASE! Rispetto al passato si calca ancora piu’ la mano sull’aspetto dance, con robuste iniezioni di funky e dosati inserti rap, ma l’atmosfera resta quella che rese Manchester il centro del mondo musicale nei primissimi anni ‘90. Per i nostalgici un capolavoro, per tutti gli altri un prodotto comunque godibilissimo e ballabilissimo.

  ====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 11=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 12 (4 Ottobre 1995)

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NEW YORK VROOOOM by Stefania Manzi

Se immaginate che i Talking Heads siano andati in studio, anche se ammalati febbricitanti e costipati dalla tosse; se pensate a Lou Reed, ma quello slow piuttosto che quello hard; se vi ricordate il sax dei Defunkt, ma lo sentite piu' asfittico e stonato; se credete di riconoscere anche un po' di jazz ortodosso, ma subito dopo siete investiti da distorsioni hard-rock o sommersi da una tirata di rap; se nonostante questa estrema varieta' di ingredienti, siete sicuri che c'e' anche qualcos'altro, un carattere peculiare, originale e mai sentito; se l'atmosfera e' newyorkese ma anche tribale, dura e languida, ironica e aggressiva; se il tutto e' sdrammatizzato da una neolingua pop che mescola con irriverente disinvoltura e assoluta anarchia sensi e suoni; allora di certo state ascoltando RUBY VROOM, l'album dei SOUL COUGHING uscito nel 94 ma da noi scoperto solo ora e, davvero, meglio tardi che mai. 

L'album ci piace per intero, ma certo il finale ci ha conquistato: dopo tanto rumore, una specie di ballata, lenta, ruvida e costretta, per non concedere niente a melodia e romanticismo, a mescolarsi con gli interventi di una segreteria telefonica ; Janine canticchia da sola a bassa voce, e lo sapra' o no che qualcuno sta cantando per lei? 

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BANANARAMA FOREVER: UN TRIBUTO by Gianni Galeota

Ci sono varie scuole di pensiero su come sbucciare una banana. Almeno due, con infinite varianti. Si sbuccia in tre lembi o in quattro? Qualcuno dice che bisogna togliere il picciolo con il coltello, qualcuno con le dita; qualcun'altro consiglia di sbucciarla tutta in una volta e di metterla su un piatto, qualcun'altro invece preferisce scoprila piano piano, morso dopo morso.

Le Bananarama sono un delizioso gruppo vocale femminile. Non sono belle, non sono brave piu' di tanto. Pero' sono le ideali compagne di banco del Liceo. Di quelle che non ti passano il compito, ma che ti fanno divertire. 

A ben sbucciarle, si capisce che vengono anche loro da lontano. Dietro il primo lembo intravediamo tutta una tradizione di girl groups, che parte dai primi sessanta con chiaro riferimento ai gruppi vocali di gospel e doo-wop (Shangri-Las, Shirelles Marvelettes, Supremes), proseguendo nei gruppi di soul-disco-funky degli anni settanta (Pointer sisters, Sister Sledge, Labelle), per trionfare negli ottanta e oltre (Mai Tai, Mary Jane Girls, Jade, Expose', Seduction, SWV, TLC, Salt'n'Pepa, En vogue, Eternal, Xscape, e chi piu' ne ha piu' ne metta).

La prospettiva e' invitante. Andiamo oltre. Un altro pezzo di buccia scopre gli anni colorati del dopo-punk: Nina Hagen, Toyah, Lena Lovich, ma soprattutto Blondie e Pat Benatar, che hanno tracciato la via del punk danzereccio al femminile. Toni Basil, attrice, coreografa e cantante, ci appiccica sopra un look pseudo-casual (sono gli anni del "look"!), eccentrico, colorato, un tributo agli anni del neo-dandismo. 

Ecco allora le tre golden girls del pop dance made in England affacciarsi in due brani dei Fun Boy Three di Terry Hall, poi fondatore dei Colourfield. 

Siamo nel 1982. La compagnia e' quella delle varie Cindy Lauper, Madonna, Belle Stars, Toto Coelo.

Il primo successo e' una cover, come spesso accade nella storia di questo trio, che ricorre alle cover nei momenti di passaggio. Il singolo "Na na hey hey" e "Deep Sea Skiving" (l'album che lo contiene) sono del 1983. L'84 e' invece l'anno di "Bananarama" con una bella manciata di singoli, primo fra tutti la deliziosissima "Cruel summer". La formula e': canzonicine ben confezionate, ballabili, inconfondibili impasti vocali. Keren, Sarah e Siobhan sembrano fatte l'una per l'altra. Swain & Jolley producono, d'intesa con il trio.

Ed un altro lembo di buccia viene giu'.

Nella primavera del 1986 il mondo e' in subbuglio per l'uscita di "Venus", altra cover delle nostre banane, che inaugura una fruttuosissima collaborazione con il trio Stock Aitken Waterman, miliardari produttori inglesi, che in quei mesi impazzano con fenomeni da classifica come Kylie Minogue, Rick Astley, Mel & Kim, ecc. 

Il ritmo e' danzareccio, non si scappa, e' adolescenziale, cretino, e' tutto quello che volete, pero' non si resiste all'idiozia del suo messaggio. Contagia. Il terzo album, "True confessions", contiene due produzioni firmate SAW ("Venus" e "More than physical"), ed altre ancora del duo Swain & Jolley.

Quando nell'87 esce il il capolavoro "Wow!", si capisce che la cura SAW ha fatto effetto. Segue un'altra cascata di singoli imperdibili, tra cui "I heard a rumor", "Love in the first degree", e "Nathan Jones" vecchio hit delle Supremes (non a caso!). I ritmi sembrano tutti uguali, e lo sono, pero' hanno qualcosa che li distingue dalla bassa macelleria. Saranno forse quei motivetti melodici, orecchiabili, micidiali, che non perdonano.

Ma eccoci, ahime'!, alla prima amarezza del frutto dolce. Siobhan nel frattempo sposa Dave Stewart (ex-genio degli Eurythmics). Sara' per il caratterino un po' ribelle, saranno le velleita' solistiche, saranno i condizionamenti del marito... Fatto sta che all'apice dei successi commerciali Siobhan se ne va, e da sorella di banane diventa sorella di Shakespeare.

L'88 inizia con la nostalgica celebrazione di un "Greatest Hits". Unico inedito "Love truth and honesty", senza Siobhan. Uscita lei, entra Jacqui. La cover di "Help" come al solito prova a rifondare. Ma il successivo album "Pop Life", registra un leggero sbandamento. Forse ci sono troppe cose e nessuna in particolare. Ci sono tutti i nomi del momento: il prolifico Youth, il 'madonnaro' Shep Pettibone, Robin Goodfellow, gli stessi SAW in alcuni episodi.

E cosi', cammin facendo, buccia dopo buccia, ci si ritova in due. Jacqui non regge e lascia. Keren e Sarah si affidano di nuovo interamente a SAW. Tentano con "More more more" l'ennesima cover, tra l'altro deliziosa, ma l'album "Please Yourself" non spopola.

Dopo seri problemi contrattuali il '95 sancisce un'impennata nelle azioni del duo. "Ultraviolet" e' degno dei tempi migliori. Raccomando a tutti l'ascolto di ... senza prevenzioni ne' pregiudizi di sorta. Come disse George Michael qualche tempo fa, per farsi perdonare il bubblegum da teen-agers degli Wham: "Listen without prejudice".

E poi la banana e' un frutto salutare: contiene vitamine e potassio, si mangia bene a tutte le ore, e' indicato per una colazione sana e completa, ma anche per una merenda gustosa, rapida, che non sporca le dita.

Volete mettere la melassa appiccicosa di tre Wilson Phillips qualunque?

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DONNE DI MONDO ovvero TRE PASSI NELLA WORLD MUSIC AL FEMMINILE (Oltre il folk: percorsi esemplari: 6) by G.Galeota

Chi ci segue lo sa.

Abbiamo sempre difeso un'idea di folk alla quale il purismo filologico stava un po' stretto. Le frontiere si aprono, gli orizzonti si allargano. Lo sappiamo bene. Ma questa volta vogliamo andare ancora piu' in la', oltre i confini del panceltismo che ci sta' piu' caro, per entrare nel territorio della world music. Per il momento azzardiamo tre passi, e non di piu'.

PRIMO PASSO: Dedicato a chi sospetta che la Lettonia non sia soltanto un'espressione geografica, oppure una notizia da TG sullo sfascio dell'URSS, e a chi crede che Lettonia e Texas non siano poi cosi' lontani. Ingrid Karklins, vissuta a cavallo tra i due mondi, e' li' a dargli ragione. 

Dire che siamo di fronte ad un'artista rara e' troppo poco, e anche retorico. Diciamo piuttosto che la Karklins e' una rivelazione, un evento come non ne capitano molti. Parlare di lei? Non si sa da che parte cominciare. E' musica etnica suonata con tecniche da avanguardia? Oppure e' rock che attinge al folk seguendo ricette da alta cucina? O il parto di una relazione pericolosa tra Kate Bush e Laurie Anderson? Un po' di tutto questo.

Ogni brano e' diverso dall'altro, irripetibile. Ingrid suona strumenti dal timbro e dal nome suggestivo: kokie, reber, niliov, rattle, ma anche tastiere, violino, flauto, ed ha una splendida voce, intensa, drammatica, ora gelida, ora suadente, in grado di colmare in un attimo la distanza fra cielo e terra. Il gruppo la accompagna intessendo tappeti magici di suoni tecno-folk.

Il repertorio: canti rituali lettoni, canzoni a ballo francesi e inglesi, arie delle Ebridi, nenie africane, perfettamente a loro agio insieme ai brani originali composti da Ingrid & C. L'atmosfera e' quella delle grandi occasioni, con melodie fragili, sorrette da robusti impianti ritmici, che si alternano sapientemente ad arpeggi e melodie in lieve dissonanza.

Due album, "A darker passion", e "Anima mundi", due capolavori.

SECONDO PASSO: Dedicato a tutti quelli che ascoltando le Voci Bulgare ha pensato almeno una volta: "Belle, pero'..."

Mari, Sari, Kirsi e Sirpa non sono bulgare, ma finlandesi, anche se pare che tra le due culture ci siano parecchi punti di contatto. Insieme al fidato gruppo di musicisti si sono date il nome di Varttina (traducibile come "fuso", strumento emblematico della condizione femminile tradizionale), un piccolo grande gioiello di polifonia vocale originario del sud-est, attivo dal 1983, cinque album alle spalle.

Una sarabanda di chitarre, bouzouki, flauti, violini, arpe, fisarmoniche, ma anche sax e hammond, accompagnano gli intrecci saltellanti di queste quattro signorine, che cantando la tradizione (specialmente storie di donne) si sono guadagnate dischi di platino in patria, e gloria fuori dai confini. Il suono puo' sembrare semplice, avverte una nota di "Seleniko", loro quarto album, ma e' il risultato di esecuzioni molto elaborate, complesse, che ripropongono in un contesto tradizionale un'irresistibile vitalita'. Le voci sono cristalline, limpide, i testi giocano spesso sul picchiettare delle allitterazioni, i ritmi di 13/8 ricordano le danze balcaniche.

Ascoltare per credere.

TERZO PASSO: Dedicato a chi si e' sempre chiesto cosa ci facessero i paesi musulmani nell'Unione Sovietica slava e comunista. Ora lo sappiamo.

Nella piccola Tashkent, in Usbekistan, la giovane Yulduz Usmanova ha lavorato al telaio (anche lei con il fuso?) per mantenersi gli studi al Conservatorio di Stato, dove ha coltivato il proprio talento vocale come l'orticello di casa. Diplomata, ha iniziato in sordina a cantare nelle occasioni pubbliche previste dalla tradizione, cioe' matrimoni e feste stagionali. Il suo canto ha radici profonde nel folklore usbeko, piu' vicino all'Iran, alla Turchia e all'Afghanistan che alla capitale Mosca. 

La "Glasnost" prima, e la frantumazione dell'URSS poi, le hanno offerto la grande chance, con concerti e show televisivi che hanno fatto rimbalzare la sua voce fino in Giappone, in America, e nel resto dell'Europa, dove un paio di produttori tedeschi l'ha subito adottata. Del 1993 e' "Alma Alma", il suo primo disco confezionato per l'occidente, dove Yulduz canta con sottofondi elettronici sapientemente integrati da strumenti tradizionali, come il gijak a corde. 

Un percorso analogo a quello di Ofra Haza, di cui auguriamo a Yulduz le stesse gratificazioni commerciali ma non certo gli esiti fiacchi e deludenti. Il singolo "Wish you were here" (niente paura: nulla a che vedere con i Pink!!!), uscito nel 1995 sembra promettere bene. Unica concessione e' l'adozione dell'inglese, ma solo nel refrain. 

Da brivido.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 12=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 13 (23 Ottobre 1995)

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RELATIVITY ovvero FRATELLI SI NASCE
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 7) by Gianni Galeota

Si puo' essere fratelli in tanti modi: per sangue, per scelta, per istinto. Oppure per tutte queste cose insieme. In ogni modo lo si nasce, seguendo disegni ineluttabili del Fato.

La nostra storia comincia in due luoghi diversi, che poi sono lo stesso. Si e' fratelli anche stando lontano.

Irlanda e Scozia, seconda meta' degli anni settanta. Due coppie di fratelli partono per viaggi paralleli che coincideranno in una breve ma intensa stagione, per proseguire poi ancora paralleli.

Ad un anno dalla fondazione, la Bothy Band di Donal Lunny si imbatte in due giovani vivaci ed entusiasti, che chiameremo per brevita' Mick & Triona. Fratelli, naturalmente, dal cognome gaelico DOC che a leggerlo incrocia gli occhi (per i curiosi: Domhnaill !!). Inutile dire che l'apporto dei nuovi arrivati e' come una boccata d'aria fresca nella pur fresca Bothy Band. Triona allieta gli animi con il tocco delizioso di un clavicembalo d'altri tempi. Mick invece perfeziona il suond con delicati arpeggi di chitarra acustica. Tutti e due cantano, e niente male.

Nella sorella Scozia altri due fratelli, Phil e Johnny (Cunningham), mettono su con alcuni amici un gruppetto di nome Silly Wizard, destinato a deporre pietre miliari sulla via del folk revival panceltico. Uno (Johnny) e' virtuoso del violino, l'altro (Phil) e' al contrario eclettico polistrumentista, pur nutrendo un'evidente preferenza per l'accordion, specie di fisarmonica tipica dell'armamentario folk.

Gli anni passano, i giovani si fanno piu' maturi. E' l'ansia tipica di chi sa vivere. Presto i due gruppi non bastano piu', cresce il desiderio di cambiare. Ed e' allora che guardandosi intorno incrociano gli sguardi, e capiscono di essersi cercati.

Siamo gia' nella meta' di quegli anni '80 cosi' ingrati con la musica delle radici. Nel 1986 nasce il "supergruppo", la "all star band", come in certe compagnie di attori che raccolgono il meglio sulla piazza. La formazione a quattro si chiama Relativity ("relativita'", ma anche "parentela"), e non poteva essere altrimenti. Fratelli a due a due, ma una sola bella famigliola.

Due album, "Relativity" (1986) e "Gathering pace" (1987), veramente notevoli, specialmente il secondo. Sound acustico, nitido, impeccabile. Strumentali e ballate in gradevole alternanza, traditional e brani originali. Da ascoltare nel primo "Gile Mear" (cantata recentemente da Sting con i Chieftains, e ripresa nell'intro di "In un giorno di pioggia" dei Modena City Ramblers). Da non perdere nel secondo il duetto Mic & Triona in "Siun Ni' Dhuibhir", dove le voci si intrecciano in un continuum drammatico e appassionato. Anche di questo brano esiste tra le altre una notevole versione (con il titolo anglizzato: "Susy Mac Guire") in "Chemins de Terre" di Stivell, che la interpreta da par suo in un modo piu' narrativo e distaccato.

Ma come in tutte le piu' belle storie, anche questa band e' vissuta solo un giorno. 

Mic e Triona hanno proseguito insieme nei Nightnoise, altra trovata geniale, dove il folk si sovrappone alla new age con risultati suggestivi. 

E i due fratelli Cunningham? Qui viene il bello. Johnny e' sempre piu' virtuoso, suona il suo violino qua e la', dovunque ci sia bisogno di un tocco di classe. E dal 1993 - udite udite - ha sostituito il violino di Billy Oskay proprio nei Nightnoise, ricostituendo al 75% l'ensemble dei Relativity.

Phil intanto soffre di nostalgia. Produce nomi di rilievo (Altan, Dolores Keane), ed ha composto la colonna sonora per "L'ultimo dei Mohicani", che in molti ricorderanno per l'ampia falcata di Daniel Day Lewis attraverso i boschi (ma anche, consentiteci, per lo splendido viso di Madeleine Stowe!).

Ma attenzione: in quel film c'era anche "I will find you" dei Clannad, che poi sarebbe uscito nel loro "Banba". Clannad in gaelico vuol dire "clan, famiglia". Infatti sono tre fratelli Brennan e due fratelli Duggan, cognati fra loro.

E se non fosse un caso?

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RECENSIONI IN BRANDELLI

SMASHING PUMPKINS : MELLON COLLIE AND THE INFINITE SADNESS : 1995. Doppio CD (ma costa poco piu’ di uno singolo) per l’atteso ritorno degli esplosivi zucchini dopo il lodatissimo SIAMESE DREAM del ‘93 e l’interlocutoria raccolta di out-takes e b-sides PISCES ISCARIOT del ‘94. La lezione degli Stones e’ assimilata e ben metabolizzata senza clonazioni a la Primal Scream e produce un poliedrico assortimento di pesanti riff rock’n’roll, ballate acustiche e parentesi psichedeliche che conducono il Grunge la’ dove non aveva mai osato. Il singolo “Love” potrebbe essere un postumo dei Nirvana. Una gigantesca e sonora smentita per chi da’ periodicamente per morto il rock.

WHALE : WE CARE : 1995. Da Stoccolma il promettente debutto di un terzetto difficilmente classificabile. Tricky produce e interviene in alcuni brani, i Portishead sono un sicuro riferimento, ma ci sono in più’ anche chitarre sporche e coretti iper-pop. Melting pot pop-rock/techno-blues/hip-hop in salsa low-fi. Avete capito qualcosa? L’unica e’ ascoltarli (almeno 3 pezzi pero’, io consiglio “Happy in You”, “I’m Cold” e “I’ll Do Ya”).

RUBY : SALT PETER : 1995. Un altro debutto (ma si tratta della cantante dei disciolti Silverfish, Lasley Rankine) di ardua collocazione. Su “Rumore” hanno parlato di una Bjork piu’ arrabbiata o di una PJ Harvey piu’ tecnologica e direi che piu’ o meno ci siamo. Sicuramente un disco interessante, che cattura al primo ascolto ma che rivela col tempo mille sfaccettature. Dolcezza e ruvidità in ogni brano.

PRINCE : THE GOLD EXPERIENCE : 1995. Avviso per chi ha smesso di ascoltare/comprare Prince (occomediavolosichiamaora) dopo l’acme del periodo 87/88 (SIGN’O’THE TIMES, BLACK ALBUM, LOVESEXY): potete ricominciare!

DUBSTAR : DISGRACEFUL : 1995. Techno-pop’s not dead!

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BANANARA-TA CORRIGE (un atto dovuto, di Gianni Galeota)

Il cyberspazio pullula di cybernauti attenti. E ce ne rallegriamo.

Nel nostro ultimo intervento, dedicato al più bananizio dei gruppi vocali femminili che si siano mai sentiti, qualcuno si e' accorto di una grave lacuna della quale ci scusiamo, e che andiamo subito a colmare.

Nel citare l'ultimo "Ultraviolet", abbiamo omesso i titoli dei brani che hanno suscitato maggiore entusiasmo nei nostri palati.

E allora riprendiamo di li'.

Raccomando a tutti l'ascolto della coloratissima "Every Shade of Blue", godibile anche nei 45 minuti delle 8 versioni remix del singolo; oppure la concitata "Prove Your Love", in pieno stile banana dei tempi migliori; o la più spensierata "Take Me To Your Heart"; oppure come dessert la più dolce "Maybe The Next Time" (che ricorda "Dance With A Stranger", felicissimo episodio di "True confession").

Andate e gustate. Poi fatemi sapere.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 13=====

   
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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 14 (7 Novembre 1995)

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THE MAN WHO SOLD THE WORLD
del nostro nuovo collaboratore Marco Centofanti

All'aggettivo "camaleontico" e "trasformista" si lega generalmente una connotazione negativa, qualunque sia il campo nel quale essi sono impiegati, ma, si sa, le regole esistono per permettere qualche eccezione: come spiegare altrimenti il successo di critica e pubblico di un artista mutante (nel vero senso della parola) gia' a partire dal nome, quale David Robert Jones, alias David Bowie.

Il tempo, solitamente impietoso (lo e' con tutti, ma con le rockstars in particolare, giacche' tende notoriamente a trasformarle in dinosauri) e' stato galantuomo col signor Bowie: ha fatto si' che cadessero nell'oblio la stentata gavetta degli esordi con oscure formazioni R'n'B, che ci si scordasse dei suoi primi e poco venduti (ma poi sopravvalutati) Lp, illuminati dalla sola “Space Oddity”, ha fatto sorvolare sulla pretenziosa vaquita' delle immagini di tanti testi, ha nascosto alla memoria alcuni dischi invero ignobili registrati negli anni '80... insomma, il tempo ha permesso che, dopo 30 anni di onorata carriera costellata da molti alti ma anche altrettanti bassi, ogni nuova uscita del Nostro sia attesa ancora con la curiosita' e la magnanimita' di addetti ai lavori e fans, pronti al perdono se per caso la fattura non e' di quelle che cadono a pennello: un caso piu' unico che raro nel panorama rock, sempre pronto alla scomunica definitiva al primo passo falso. Sia tutto cio' un caso o meno, e' vero che Bowie del suo ci ha meso molto e forse, come suggeriva il titolo di un suo vecchio Lp, il suo talento gli avrebbe consentito di vendere anche la Terra se avesse voluto, figurarsi i dischi...

Ad uso degli ultimi arrivati tentiamo un improbabile bouillabaisse dell'estetica Bowieana, senza pretesa alcuna di esaustivita' e di rispetto cronologico: esordio incassellato nell'affollata area dei "nuovi Dylan" (sarebbe bello, un'altra volta, parlare di questa curiosa categoria), prosecuzione nel solco del teatrale e dello studio dell'arte mimica, poi travestitismo, metamorfosi in alieno-dai-capelli-color-carota-caduto-sulla-terra, dichiarazioni "compromettenti" e altre furberie varie ad alimentare l'epater le bourgeois che paga sempre.

E siamo appena all'inizio: ecco il glam-rocker, il "Thin White Duke" re del Filadelfia soul, il decadente (e chiacchierato di fascismo) elettro-dandy berlinese, l'attore di buon successo, il disco-dancer anni '80, l'hard rocker in completo e cravatta nera (coi Tin Machine)... In mezzo, un turbillon di produzioni (Iggy Pop e Lou Reed), collaborazioni (Eno, Nile Rodgers, Tina Turner ecc.), concerti faraonici, i canonici divorzio e matrimonio con top-model e quant altro vi passa per la testa. 

Dunque chi e' David Bowie? Un impostore? Un genio del marketing? (prima di fare la star era creativo in una agenzia pubblicitaria...) Un genio tout court? Non vorremmo chiudere la questione col classico (e scontato) rimando all'uno, nessuno e centomila di Pirandelliana memoria, quindi azzardiamo: Bowie, quando in vena, e' un ottimo artigiano di melodie pop, ma soprattutto, come Miles Davis (fatte le debite proporzioni), un efficientissimo ricettore di tendenze: aspira prima d'ogni altro i profumi in circolazione, seleziona i migliori fra quelli piu' vendibili e te li risoffia addosso illudendo di essere lui l'essenza. 

Purtroppo l'olfatto par non esser piu' quello di un tempo, ed infatti lo vediamo rincorrere ormai da tanto a troppe lunghezze per riuscire a nascondere la lingua penzoloni. Lui invece ci crede ancora cosi', invece di godersi in meritata tranquillita' la mezza eta' fra una rimpatriata, una copia-carbone dei vecchi classici, un live e un greatest hits come un Gilmoure qualunque, si ingegna per riagguantare il treno scappato chiamando prezzemolo-Eno a dargli man forte per il nuovo Cd e tenta il colpaccio accompagnandosi in tour agli industrial-pop Nine Inch Nails. 

Noi che il disco appena uscito non l'abbiamo ancora ascoltato, e confessiamo che i motivi di questo ritardo sono la desuetudine all'artista causata dal tedio provocatoci dalle sue ultime fatiche, cogliamo l'occasione per indicare le coordinate di partenza per un'eventuale (ri)esplorazione del pianeta Bowie.

Saltati a pie' pari i male invecchiati LOVE YOU ‘TILL TUESDAY, DAVID BOWIE, (attenzione che sono stati fritti e rifritti con diversi titoli e piccole variazioni in scaletta) e THE MAN WHO SOLD THE WORLD, si atterra in piena Inghilterra '72 con quei monumenti del glam che rispondono al titolo di HUNKY DORY e THE RISE AND THE FALL OF ZIGGY STARDUST AND THE SPIDERS FROM MARS. 

Ambedue sono parate di hits del calibro di "Changes", "Life on Mars?", "Starman", "Rock'n'roll suicide", ma contengono altre delizie: ballate delicate e brani piu' inquieti, gli arrangiamenti sono comunque sempre esuberanti (eufemismo) come il momento vuole. THE RISE... lancia definitivamente il personaggio di Ziggy e la sua banda di Ragni Marziani, e Bowie-alieno tocca le vette del glitter: iper truccato e bardato, e' la superstar intoccabile un po' per gioco, un po' per parodia, un po' per davvero; sfiora (e a volte supera) i limiti del kitch da avanspettacolo, ma resta miracolosamente godibile. 

L'anno seguente e' la volta di ALLADIN SANE, che porta all'estremo il trucco e lo sfarzo; talvolta la musica serra le fila con Ronson che brandisce i chitarroni, il risultato e' divertente, ma si perde la ricercatezza e certa magia dei precedenti Lp. 

Dopo la debole raccolta di cover PIN UPS, un pasticciato DIAMOND DOGS, DAVID LIVE, il white soul di YOUNG AMERICANS e STATION TO STATION, paradossalmente e' l'era del punk a portare il grande rilancio di Bowie, che, dopo essersi trasferito a Berlino, con la collaborazione di Eno, dal '77 inizia la famosa trilogia LOW, HEROES, LODGER (e sforna anche il live STAGE).

Il carico da novanta e' HEROES, e non solo perche' contiene l'omonima top ten hit mondiale. Se la prima facciata e' costituita da canzoni ortodosse (wave ante-litteram?), come la TalkingHeadsiana "Beauty and the beast", la lirica title track, la stupenda chitarreria & ritmicita' di "Blackout", la seconda e' una bellissima sorpresa "ambientale" alla Eno. Aggiungete una band perfetta, con, fra gli altri, Carlos Alomar, Eno e Fripp e che potreste desiderare di meglio? Solo la perfetta chiusura funkeggiantente di "The secret life of Arabia"...

SCARY MONSTERS apre dignitosamente gli '80, ma la festa e' finita, e i vari LET’S DANCE, TONIGHT, NEVER LET ME DOWN, TIN MACHINE sono solo routine indisponente, cosi' come il resto che, come si dice, e' storia (recente).

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CELTIC HEARTBEAT ovvero CON UN CUORE GRANDE COSI’
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 8) by Gianni Galeota

La parola d'ordine e': "resonance". Risonanza, eco, espansione, allargamento dei confini. Il cuore celtico batte "over the miles, over the centuries".

Ce lo assicurano Paul McGuinness, manager degli U2, e David Kavanagh, manager dei Clannad, ora uniti nella nuova avventura chiamata "Celtic Heartbeat", magica etichetta distribuita dalla Atlantic. Obiettivo dichiarato: portare il meglio della musica celtica fuori dall'attenzione esclusiva dei fanatici, verso un pubblico piu' vasto.

L'occasione e' ghiotta. Vista la ricchissima tradizione musicale che il mondo celtico vanta (in particolare l'Irlanda, non a caso il riferimento primo di tutta l'operazione), la Celtic Heartbeat e' autorizzata a pubblicare di tutto.

Ci hanno sempre detto, e noi lo abbiamo imparato a memoria, che il patrimonio irlandese e' uno dei piu' ricchi del mondo. Ed ecco allora Alec Finn, fondatore dei mitici De Dannan, testimoniarlo con "Blue Shamrock", una raccolta di traditionals piu' o meno noti, che il catalogo definisce dall'effetto "calmante e cinematografico" (?!?!... una strizzatina d'occhio alla new age?).

Ci hanno ripetuto piu' volte che mentre il resto dell'Europa imbarbariva nelle invasioni e nella simonia, l'Irlanda custodiva nei suoi gloriosi monasteri il Verbo cristiano e tutto il meglio della sua cultura. Ecco allora gli Anuna, gruppo vocale che fonde nell'album omonimo il canto gregoriano con il folk. Molto tosto. Piace o non piace, niente vie di mezzo.

Ma noi sappiamo anche che l'Isola di Smeraldo ha vomitato in Nordamerica flotte di disgraziati in cerca di fortuna. Qualcuno l'ha trovata, qualcun'altro forse no, ma e' innegabile che le radici del country siano quelle. Frances Black, ultimo gioiello di una lunga serie di vocalist al femminile, sorella della piu' affermata Mary, si esibisce in un gradevole new country d'autore ("Talk to Me"), sempre in bilico sopra l'Atlantico, da costa a costa. 

Si puo' forse negare che il terreno d'Irlanda sia fertile alle contaminazioni di influssi disparati? No di certo. Per chi ancora ne dubita c'e' li' pronto a convincerlo "Riverdance" di Bill Whelan, fantomatica presenza dietro le quinte degli U2, di Kate Bush ed altri. Pluripremiato, multiplatinato, onnipresente nelle classifiche irlandesi, l'album offre 13 brani dove Russia, Spagna e Balcani si incontrano con i fratelli celti. Suggella l'evento un gruppo vocale di spirituals, da dimenticare.

In compenso la Celtic Heartbeat fuga ogni dubbio quando mette in campo Maire Breatnach, giovane geniale violinista, che in "The Voyage of Bran" ripercorre l'omonimo mito precristiano. Da par suo. Tutte composizioni originali, morbide, dolicissime, incisive. Una compagnia ideale per chi ama stare bene. Poche parole, molti strumentali. La chiave di lettura e' in quel suo alternare "fiddle" a "violin", cioe' violino tradizionale, con accordatura stonata, a violino classico, ripulito a dovere. Un viaggio "from the past into the unknown", recita il catalogo.

Troppa carne al fuoco? Vi interessa ma non troppo? Ho quello che fa per voi. Una bellissima "Collection" che raccoglie questi nomi ed altri. Lasciatevi sedurre.

E buon viaggio.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 14=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 15 (13 Novembre 1995)

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TANTI ELEFANTI

All’ URL <http://www.cs.man.ac.uk> potete trovare gli archivi retrospettivi e il modo per iscriversi alla “Internet newsletter for Robert Fripp and King Crimson enthusiasts”, nata nel 1991 e diretta da Toby Howard <toby@cs.man.ac.uk>. Provate un po’ a indovinare come si chiama? 

“Elephant Talk”. Ebbene si, siamo arrivati (almeno) secondi. Per ora la duplicazione del titolo non dovrebbe comportare troppi inconvenienti, vista la ridotta diffusione del nostro elefantino (attualmente siete poco piu’ di venti), ma se, in un futuro non troppo remoto, dovessimo decidere di ampliare la nostra diffusione, sarebbe opportuno modificare la testata.

Siete tutti invitati a farci pervenire suggerimenti. Unico nome proibito quello di un altro mitico pezzo (e album) cremisi: “Discipline”. Perche’? Era il precedente nome dell’elefantone inglese, e non vorremmo mettere eccessivamente in crisi gli eventuali futuri bibliotecari elettronici che dovessero ricostruire la storia delle due e-zine.

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SKIN o DELLA CLASSIFICAZIONE IMPOSSIBILE
di Stefania Manzi

"CLIT ROCK" e' quanto scrive Skin, la cantante degli Skunk Anansie, sulla sua maglietta; chissa' se questa definizione-dichiarazione-provocazione finira' in qualche classificazione della musica rock; di certo scandalizzera' eventuali Classificatori altrimenti assai spregiudicati, che esiteranno ad accogliere nel loro sistema questa novita'. 

Sanno bene infatti, che ogni nuova classificazione non si giustappone semplicemente a quelle esistenti, ma modifica con il suo ingresso l'intero sistema di relazioni (e noi pensiamo che a Skin questo piacerebbe). Tenteranno cosi' di giustificarsi dicendo che, per diventare una classe, questa definizione dovrebbe essere comune a piu' elementi, ricorrendo alla solita giustificazione pluralista per non saper digerire qualcosa di difficilmente classificabile proprio perche', oltre che imbarazzante, sembra per ora un caso isolato. 

A noi resta qualche dubbio anche su questo: a volte per costruire una classe e' solo il nome che manca, mentre gli elementi con i caratteri comuni ci sarebbero gia'; quando avrete ascoltato PARANOID & SUNBURT, album d'esordio degli Skunk Anansie, fate una piccola ricognizione su tutte le ragazzine cattive (per intendersi, quelle che vogliono solo divertirsi) della musica "antagonista" contemporanea e se vi viene in mente qualche associazione con Skin, fatecelo sapere; sara' nostra cura notificarlo ai Classificatori di cui sopra.

E c'e' anche questo da dire: che mentre noi ci affanniamo a cercare somiglianze, analogie, affinita', Skin dichiara apertamente di essere niente altro che un cliche'...

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CADAVERI, CATASTROFISTI, BELLE GIOIE 
& IL SENSO DEL ROCK (parte 1) di Marco Centofanti

“Una gigantesca e sonora smentita per chi da' periodicamente per morto il rock”. Cosi' chiosava la recensione dell'ultimo Smashing Pumpkins su ET n. 13: un'occasione da non perdere per mettere in tavola una discussione che da tempo attendeva di essere servita.

La frase in questione e' ricorrente assai fra appassionati ed addetti ai lavori piu' ortodossi, quelli che, e' trascorso ormai piu' di un lustro, quando arrivarono i cicloni rap e funk(adelia) restarono spiazzati e scossi nella loro integrita' di custodi dell'unico vero sentire rock. 

Uno scossone da far tremare i polsi a chi aveva dedicato la propria vita (musicale, non esageriamo) ad idolatrare il passo d'anatra di Chuck, la melodia politically correct di John e Paul, gli accordi aperti di Keith, la poesia di Jim, la fender di Jimi, il vizio suburbano di Lou, l'energia proletaria di Bruce, le prediche di Bono... (ad libitum) e tutte le infinite micro-variazioni sul tema.

Era il momento dei famigerati "recuperi creativi", pietosa formula che copriva il povero momento del rock: il massimo che si potesse chiedere era, appunto, una decente riproposizione degli schemi che in passato avevano si' fatto vincere tanti campionati, ma ormai inesorabilmente datati. Il problema era che, a noi (si', c'ero anche io) custodi della fiamma del Vero-Rock-Che-Non-Muore-Mai, toccava una fatica disumana e occorreva destreggiarsi tra sofismi inenarrabili per distinguere i "recuperi creativi" dalle pedisseque scopiazzature. E soprattutto, ci si guardava bene dallo spiegare perche' si sarebbe dovuto spendere soldi e tempo con copie piu' o meno carbone e piu' o meno riuscite, invece di trastullarsi con gli originali.

A peggiorare il momento, la "sociologia del rock" non era capace di spiegare perche' quegli stessi tanto magnificati "recuperi creativi" li ascoltassimo solo noi, mentre il resto del mondo comperava vaccate colossali.

O tempora o mores: ma come, si diceva, ai bei tempi in classifica ci andavano gli Stones e i Pistols, adesso invece... E via coi discorsi sui giovani rincoglioniti, sulla massificazione dei gusti, e i videoclip cattivi li hai dimenticati? Eh, ai miei tempi... ecc. La verita' era che il Vero-Rock-Che-Non-Muore-Mai dell'epoca era dannatamente datato, e di conseguenza altrettanto spazzatura della robaccia che disprezzavamo ma che in hit parade ci finiva. Il Vero-Rock-Che-Ecc. era mostruosamente pretenzioso e astratto, estraneo al contesto reale, e allora tanto valeva un Rick Astley, per lo meno figlio dei suoi tempi. 

Il colpo da KO arrivo' quando, sull'onda di un fortunato saggio Simon Frith (Music for pleasure), si inizio' a parlare di "morte del rock". I Soloni si divisero in due, i Catastrofisti ("Finalmente qualcuno ha avuto il coraggio di cantarle chiare, il rock e' morto. Era morto gia' con Johnny Rotten, anzi, dopo la summer of love, anzi, se n'e' andato con Buddy Holly. No, forse con Elvis che parte militare. Anzi forse ecc.") e le Belle Gioie ("Ma come cazzo si permettono di dire che il Sacro, Unico, Vero Verbo -il Rock- e' morto! Il rock non morira' mai. Non e' stato mai cosi' in salute: sentite questi se non suonano proprio come i Velvet, e questo non e' forse il nuovo Dylan? Non azzardatevi piu' a dire simili eresie, che' una distorsione di Stratocaster vi portera' via"). 

Molti Catastrofisti scoprirono la Next Big Thing, la World Music. Certo, era tutta roba in circolazione da decenni e loro non la avevano mai degnata di un ascolto, e, a dire il vero, c'erano alcune incongruenze: che meraviglia le voci Bulgare, ma mai una riga sui canti dei pastori sardi, ma che importava...

Le Belle Gioie invece fingevano di appassionarsi alla centocinquantesima ripresa del riff di "Brown sugar" e scrivevano articoli fiume su "la scena neozelandese" o "l'estetica australiana". In realta' si facevano entrambi due palle cosi', visto che poi su di una sola cosa erano tutti d'accordo: da un momento all'altro sarebbe arrivato un "nuovo punk" che avrebbe redento tutti gli ascoltatori del mondo, dopo tutto non era forse vero che piu' o meno ad intervalli di 10 anni il rock si rinnovava? (1953 Elvis, 1966 Stones e Beatles, 1977 i Pistols... Si era gia' a fine '80 e insomma, arriva 'sto nuovo punk o no?) 

Come era accaduto tutte le altre volte, la trasformazione era gia' cominciata, ma per essere visibile, la verita' dovette scoppiare in faccia: la musica nera aveva rialzato la testa, e ormai da molti anni (primi '80 col rap e la breakdance, il funk bianco dei Talking Heads, il soul da classifica...).

Naturalmente (come col punk, quello "vero") si grido' allo scandalo: che c'entrava quella accozzaglia di parole, campionature, rumori, ritmi danzerecci ecc. col Vero-Rock-Che-Ecc.??!! (inciso: il critico rock, al tempo, era fondamentalmente razzista - musicalmente of course -. Bene il blues e il soul d'annata, meglio se gli interpreti avevano tirato le cuoia, poi stop: quasi venti anni di black music erano scomparsi o al massimo citati come "la degenerazione del suono originale in disco").

Cosi' c'era chi parlava di moda passeggiera, chi di "roba commerciale", chi proprio se ne fregava e faceva orecchie da mercante (se conservate la stampa specializzata, divertitevi a rileggere col senno di poi chi scriveva cosa, confrontate con oggi e ridete).

Il rock aveva fatto quello che da sempre lo caratterizza e lo rende piu' meno "bello" e lo mantiene a galla, si era, per l'ennesima volta, bastardizzato: per reagire ad una crisi creativa micidiale si era impossessato degli stilemi di altri settori musicali, e come spesso e' accaduto, si trattava di suoni neri.

Il risultato? Se per un po' di tempo il rap e i suoi fratelli avevano dominato le classifiche, ormai quel formidabile minestrone che e' il rock si era ripreso il titolo dopo aver spremuto tutta la linfa vitale ai malcapitati concorrenti.

------------------------> continua nel prossimo numero di ET

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THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte 1)

Nel precedente numero Marco Centofanti ci ha condotto fino alle soglie degli anni ‘80 col suo efficace excursus sulla prima produzione bowiana, dedicando solo un accenno alla discografia piu’ recente. Proprio di li’ riprendo il filo per accompagnare il nostro, con occhio probabilmente piu’ benevolo, fino ai giorni nostri.

SCARY MONSTERS (80) viene subito dopo la trilogia eniana (LOW, HEROES, LODGER) e, rispetto ai tre capolavori che chiudono il decennio ‘70, appare meno innovativo e ricco di canzoni indimenticabili, ma nel complesso risulta ancora oggi uno degli album piu’ equilibrati e organici di Bowie, che spesso di smarrisce sulla lunga distanza, alternando con disinvoltura potenti hit-single e riempitivi di maniera.

David sopporta bene l’assenza di Eno, talvolta fatale a personaggi meno rodati che, vampirizzati dall’obliquo (e ultimamente ubiquo) Brian, accusano una caduta verticale di creativita’ subito dopo esserne stati baciati. La continuita’ con la trilogia e’ garantita dalla chitarra di Fripp, discreta ma preziosissima, che si alterna allo strumento con nientepopodimeno che Pete Townshend in persona e il veterano Chuck Hammer. Bowie si conferma artista eclettico e di confine affiancando al coinvolgimento dei padri nobili come strumentisti l’omaggio al “figlio” Tom Verlaine dei Television con una cover della sua “Kingdom Come”.

Il singolo di punta tratto dall’album e’ il sublime “Ashes to Ashes”, abbinato a uno dei piu’ bei video della storia del rock e arricchito di auto-citazioni del Major Tom di Space Oddity. Il resto dell’album e’ tutto di livello uniforme e medio/alto, eccetto forse la lieve caduta del troppo facile pezzo dance “Fashion” e la sorprendente drammaticita’ vocale della seconda parte di “It’s No Game”, che laurea il nostro vocalist ormai inarrivabile.

Nel 1982 Bowie interpreta per la BBC il BERTOLD'S BRECHT BAAL, di cui pubblica anche la colonna sonora sotto forma di un EP (ormai introvabile) di cover di Brecht & Weill che completano l’omaggio gia’ intrapreso con il singolo “Moon of Alabama” del 79. Chi, non del tutto a torto, vede in Bowie piu’ un divulgatore che un creatore di tendenze, dovra’ pero’ ammettere che solo nel 1985 il circo del rock lo seguira’ su questa via col famoso tributo LOST IN THE STARS.

Bowie ha sempre dato il meglio di se nelle collaborazioni e sulla breve distanza (un centometrista da staffetta insomma) e il 1982 lo vede all’opera su questi fronti. Con Giorgio Moroder partecipa alla colonna sonora del film “Cat People” con l’omonimo brano in una versione elettronica radicalmente diversa (e forse superiore) a quella ripresa successivamente su LET’S DANCE. Con i Queen sforna invece “Under Pressure”, ospitato sul loro HOT SPACE: una gara di virtuosismi fra due primedonne su una linea di basso memorabile nella sua essenzialita’, un pezzo criticato all’epoca dai critici piu’ sofisticati ma ancora efficacissimo (e riproposto successivamente anche dal vivo con Annie Lennox al posto di Mercury).

Nel frattempo si e’ concluso lo storico contratto con la RCA e David, accasatosi alla EMI, riparte alla grande lasciandosi alle spalle le angosce e gli intellettualismi degli ultimi album per rispolverare la sua vena di intrattenitore con LET'S DANCE (83), il suo album piu’ venduto e - ovviamente - piu’ ballabile di sempre. Per l’occasione il parco accompagnatori viene completamente rinnovato e Bowie noleggia l’intero team degli Chic (ingiustamente ritenuti da taluni solo una dance-machine senza anima), capeggiato da Nile Rodgers alla produzione e chitarra funky. A rinforzare il tutto il batterista piu’ trendy del momento (Omar Hakim, proveniente dalla scena jazz e diretto verso la band di Sting) e un giovane chitarrista blues texano che alcuni considerano il novello Hendrix di turno (Steve Ray Vaughn).

Il risultato e’ un album controverso, snobbato dai palati piu’ fini ma adorato da milioni di nuovi fan che scoprono per la prima volta il nostro. In realta’ la grande solarita’, la ritmica trascinante, l’irresistibile leggerezza dello chic-funky, le schitarrate teatralmente eccessive, contribuiscono a creare un nuovo tassello del mosaico Bowie che non puo’ essere giudicato isolatamente. Se l’estetica bowiana ha un baricentro, e’ senz’altro quello dei “changes”, dei continui cambiamenti post-moderni di stile in stile, di linguaggio in linguaggio, di genere in genere, di look in look. In questo mosaico LET’S DANCE costituisce uno degli ingredienti piu’ “puri” e isolabili e riveste quindi un ruolo fondamentale, nel senso letterale del termine.

Bowie non e’ artista da album. O se ne adora la carriera e il personaggio in toto, accettandone luci e ombre in un quadro wildiano/warholiano di “vita come opera d’arte” assolutamente appropriato in ambito rock, oppure ci si innamora - controvoglia - di alcune sue irresistibili canzoni nonostante la sufficienza con cui si accoglie l’opera complessiva e le pose. Su LET’S DANCE ci sono tre pezzi da Greatest Hits (la title track, una versione di “China Girl” che ridicolizza quella scritta per Iggy Pop anni prima e una “Modern Love” che e’ un classico della musica da ballo) e cinque piu’ che passabili (fra cui la cover della “Criminal World” dei misconosciuti pre-wave Metro): ai lettori assegnare il voto complessivo.

L’album viene divulgato da un favoloso, coloratissimo Serious Moonlight Tour che avrebbe meritato un live ufficiale, con i fidi Carlos Alomar e Earl Slick alle chitarre al posto di Ray Vaughn, colpevole di lesa maesta’ (avrebbe voluto inserire nello show un paio di suoi pezzi solisti). Bowie pare in grande forma, ma l’anno successivo commette un errore capitale per uno come lui: ripetersi. Cede alla tentazione di un LET’S DANCE parte II e partorisce TONIGHT (84), che tenta di ricalcarne la formula, ma con esiti radicalmente diversi. C’e il brano dance (“Blue Jean”), c’e’ il lentone (“Loving the Alien”), ci sono le cover assortite, ci sono alcuni degli stessi session man (ma manca la regia di Nile Rodgers), stavolta c’e’ anche Iggy Pop in persona e un duetto con Tina Turner, ma la magia non si ripete. Con la parziale eccezione dei due brani citati l’album e’ uno dei peggiori del nostro e preannuncia un periodo ancora peggiore.

---------------> Continua in uno dei prossimi numeri di ET

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 15=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 16 (27 Novembre 1995)

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TO  BUSH  OR  NOT  TO  BUSH ovvero 
All'ombra del Cespuglio In Fiore (di Gianni Galeota)

Si e' parlato recentemente su queste e-pagine di "clit rock", di "ragazzine cattive". Beh, noi confessiamo di preferire quelle buone. Ma quelle cosi' buone, che sicuramente sanno anche essere cattive. Insomma, le "gatte morte", le "finte tonte", oppure le "acque chete", a seconda dei gerghi e dei vernacoli. In quanto a "Rock" non lo so, ma in quanto "Clit" non sono seconde a nessuno.

La piu' buona in assoluto - e quindi la vera cattiva - e' a mio parere Kate Bush. Per lei conierei "Clit Popp", che mi sembra il massimo della femminilita' in musica.

Vi siete mai chiesti perche', quando si sente in giro una nuova voce femminile - non una qualunque, ma una che ha qualcosa di paricolare, di intenso, di inquietante, di fuori dal comune -  si tira sempre fuori il nome di Kate Bush?

Gia'. Chissa' perche'.

Tutte figlie della Grande Madre, o nipotine della Grande Zia, oppure, se preferite, semplicemente sorelline. E' successo a suo tempo con la prima Sinead O'Connor, piu' di recente con Tori Amos. 

Il Cespuglio del Sussex diventa un caposaldo, un vero classico. Un po' come succede per quei gruppi inglesi che dopo qualche milione di copie vendute, diventano subito "i nuovi Beatles". Alle donne tocca di rado. Salvo forse al tandem Joni Mitchell - Rickie Lee Jones che ha fatto strada a tutte le cantautrici americane degli ultimi due decenni, e a Deborah Harry (si pensi a Transvision Vamp, Darling Buds, Primitives, Eight Wonder, Divinyls, Altered Images, ecc.).

Chi e' capitato dalle nostre parti avra' avuto modo di conoscere la lettone-texana Ingrid Karklins e l'uzbeka Yulduz Usmanova, ambedue invocate come ennesime incarnazioni di Sua Vocalita'. Loreena McKennitt cita tra le sue principali influenze vocali Kate Bush accanto a Joni Mitchell e a Sandy Denny. Heather Nova dice di lei: "She experiments a lot with her voice, which I try to do." Ed anche la celebrata Natacha Atlas, nel preparare il cocktail della sua "Diaspora", ha lasciato cadere qualche bacca di quel Cespuglio, e ce l'ha shakerata a dovere. 

A queste aggiungiamo poi altre due o tre voci, secondo noi ingiustamente passate in ombra.

E' dal Canada che arriva la prima, Sara Craig, musicista e vocalist alquanto eclettica, con l'esordio di "Sweet Exhaust" (1995). Le assonanze con la Cima Tempestosa non sono poche. Innanzi tutto la voce. Duttile, di gomma, ora dura ora dolce, anche se Kate ha i piedi ben piantati nel glam inglese dei settanta, mentre Sara ne tiene uno sul techno pop e l'altro sul punk, in compagnia di tutte le sue vocalist d'assalto, dalla Hagen alla Galas, e giu' fino al gineceo di Boston.

La sensualissima e intrigante "I Thrive", dall'andamento sinuoso, con il suo "we're in sync (...), undulating at the same speed", ricorda molto la pomiciona "Feel It" ("synchronize rhythm now"). Piu' avanti troviamo invece "Wakerwife Waltz", figlio della famiglia bushiana dei valzeroni ironici, quali "Suspended in Gaffa" ed il meno conosciuto "Ran Tan Waltz".

In "Thank you" le voci sovraincise si annodano pericolosamente come nell'incubo di "The dreaming", mentre il titolo di "Wow", che per la nostra Sara e' un incazzatissimo riff quasi metallaro, richiama alla mente la dolcissima omonima (chi non la ricorda?).

Piu' episodiche invece le analogie per Danielle Brisebois da Brooklyn, indubbiamente piu' facile di Sara, piu' conciliante.  Il suo album di esordio, "Arrive All Over You" (1994),  ammicca ai sessanta (esemplare "Middle My Heart"!), gioca molto sulle sfumature della voce, che passa come niente dal morbido-sospiroso allo stridulo, ma senza stonature. In particolare si consiglia l'ascolto di"What If God Fell From The Sky", dove la vocina ammiccante esplode in un refrain molto, ma molto 'a la Bush'. 

Saltando allegramente di frasca in frasca fino a Seattle troviamo Pamela Golden, ex-punkettara e ora lady sofisticata dedita a morbide escursioni nel pop a fianco di Tony Levin, Jerry Marotta, ed altre capocce illustri. Tra le raffinate ballads di "Happens All The Time" (1991) c'e' la nevrotica "Normal Life", dove il timbro di Pamela si fa crudo, nervoso, teso. Ed e' allora che la Romantica Zitella del Pop diventa una presenza viva.

Bene, il sasso e' lanciato. Termino con lo stesso invito rivolto dalla nostra Stefania Manzi a proposito di Skin degli Skunk Anansie: se vi viene in mente qualche associazione con il Clit Popp di Kate, fatecelo sapere.

Magari anche con qualche videoclit.

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CADAVERI, CATASTROFISTI, BELLE GIOIE 
& IL SENSO DEL ROCK (parte 2) di Marco Centofanti

------------------------> continua dal precedente numero di ET

Se il punk, pur non inventando nulla (i Pistols suonavano o no "Substitute" e "C'mon everybody"?) era stato importante per aver riportato la genuinita', l'entusiasmo e l'energia (e perche' no, la violenza) nell rock spazzando via i bolsi supergruppi e i flaccidi progressivi, questa nuova rivoluzione compiva anche essa un ritorno ai tempi d'oro del rock, anche se forse meno evidente: riportava la gioia della fisicita' della musica dopo anni di mortificazione delle carni, riportava la possibilita' di ballare e di muoversi a tempo senza doversene vergognare. Per il casino ci sarebbe stato tempo, quello e' ben radicato nei cromosomi del rock e prima o poi esce sempre: per far spuntare un grunge qualunque era solo questione di pochi mesi.

Il discorso sulla "morte del rock", per come era stato impostato, ronza ancora nelle orecchie di molti reduci: le Belle Gioie non hanno dimenticato quei momenti in cui i Catastrofisti li mettevano in mezzo perche' in hit parade c'erano i Public Enemy e i bianchi non sapevano di far meglio che ribattere con Vanilla Ice, cosi', ora che Nirvana, Soundgarden e compagnia bella hanno fatto il miracolo, non perdono occasione di gettar sale sulle ferite degli sconfitti becchini del rock. 

La verita' e' che il rock come lo credevamo quando eravamo fanatici ragazzini (antagonista, rivoluzionario, scomodo...) e' morto per davvero e da tanto di quel tempo che la data sulla lapide e' ormai bella e consunta, e quello che ascoltiamo oggi noi e' solo un simulacro di quel fenomeno. Paradossalmente, da cadavere il rock si sente bene come non mai, e non si vede perche' non dovrebbe visto che vende da Dio da ormai 40 anni, piu' o meno le formule per portare un disco al successo sono chiare, il mercato e' potenzialmente sempre piu' vasto...

Siamo dunque tutti vittime di un inganno ordito alle nostre spalle da parte della Sony e delle altre multinazionali? Piu' semplicemente siamo buoni consumatori di un genere che ci piace e che richiediamo -noi difensori del Vero-Rock-Che-Ecc.- fatto in certo modo (cosi' come ci sono persone che preferiscono l'auto sportiva e altri la familiare) e ci sono gruppi che fabbricano ottimamente questo tipo di suono, con grande mestiere e proprieta' grammaticale e sintattica della "lingua-rock", se mi passate il termine. 

In questo senso, e solo in questo, il rock e' vivo e arzillo: esistono appassionati consumatori e, certo, anche entusiasti artigiani, di un genere del quale sono ben note le caratteristiche; solo, occorrerebbe essere coscienti del fatto che e' solo di forma che parliamo, non c'e' alcun valore aggiunto, come troppo spesso ci piacerebbe credere. 

L'equivoco nasce dal fatto che il rock, in certi momenti della propria vita, si e' trovato associato a determinati fenomeni sociali, svoltisi prevalentemente nel il mondo giovanile, e ne ha fatto da colonna sonora; terminato l'attimo, il suono e' rimasto e porta ancora oggi le stimmate di un non bene identificato impegno che, in buona misura, impedisce una valutazione obiettiva e scevra da emotivita' della produzione attuale. Si e' confusa la tappezzeria con l'edificio: il rock e' stato solo il soundtrack della liberazione di sensi e pensieri, della gioventu' non piu' rimessa al volere dei genitori, dell'utopia confusa con la spensieratezza, non certo l'artefice di tanto ben di Dio. 

Oggi il rock, il vero rock, sarebbe tutt'altra cosa che una musica, potrebbe essere ad esempio internet o i rollerblade, ma occorre sfoderare il condizionale perche' non si sa cosa esso sia, non e' distinguibile, e non lo e' non per deficienza sua, qualunque cosa esso sia, ma perche' non esiste un contesto sociale altrettanto propizio cui fare da sfondo, da esaltare e da cui essere esaltato.

E' plausibile pensare che un fenomeno come quello del rock non sia ripetibile? O che torni fra x anni? C'e chi ha detto che la storia si ripete sempre due volte e chi ne ha scorto una ciclicita', ed entrambi, pur occupandosi di cose piu' serie, non e' che ci abbiano azzeccato piu' di tanto, quindi faremmo meglio ad abbandonare le previsioni per dedicarci al nostro hobby preferito: frugare gli anfratti sonori di quante piu' musiche possibili cercando gli sfondi migliori per i sogni e la vita. 

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 16=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 17 (11 Dicembre 1995)

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“Il pensiero e’ basato sulla selezione e lo scarto; ricordare tutto e’ stranamente simile a dimenticare tutto.” Gary Wolf, “Wired”, 3.06, June 1995.

“La mia memoria e’ come un deposito di rifiuti”, J. L. Borges, “Funes, o della memoria”.

“Pensare e’ classificare” (RR)

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IL CORAGGIO DELLA MELODIA: I Pooh di fronte alla storia
di Gianni Galeota

Quel che e' giusto e' giusto.

Assistendo l'altra sera in TV ad una versione live di "Mediterraneo" ho avvertito un certo fastidio. Chi mi era vicino ridacchiava, ed io non potevo negare l'evidenza. Ma come si fa a presentarsi in questo modo? 

Eppure un tempo erano qualcuno.

I Pooh! Quanta nostalgia!

Hanno calcato le tavole del Piper; con "Bikini Beat" hanno attraversato il beat, hanno dettato (insieme ai Camaleonti) le regole del rock melodico per tutto il decennio successivo; hanno guidato il progressive a fianco della PFM e del Banco; hanno azzerato con coraggio e lungimiranza gli eccessivi sinfonismi nel 1976, cinque anni prima che i Genesis vivessero la loro palingenesi con "Abacab"; hanno sviluppato tecnologie impensabili per il nostro paese e le hanno messe al servizio dello spettacolo live, senza nulla invidiare ai maiali volanti dei Pink o agli Zoo degli U2.

Cosa si vuole di piu'? Ridere oggi dei parrucchini e dei capelli tinti e' fin troppo facile, e non rende certo giustizia di cio' che e' stato.

Ma cosa e' stato? Proviamo a ripercorrere brevemente le tappe principali:

1) Periodo BEAT. Formazione ancora in erba. Grinta da vendere. Il Piper e' un mito per molti: Patty Pravo la sua dea, Mita Medici la vestale, Zero, Martini & Berte' i figli legittimi. I Pooh si affacciano nel tempio, ed e' subito culto. Il mitico "Per quelli come noi" prepara la fase politica di "Brennero 66" (la canzone di protesta la faceva all'epoca solo Dylan), impegnato sul tema del terrorismo altoatesino. Nel frattempo si configura la formazione-tipo, con Riccardo Fogli alla voce e basso, Dody Battaglia alla chitarra, e Roby Facchinetti alle tastiere. Con l'ingresso di Stefano D'Orazio alla batteria si respira gia' un'aria diversa. Il mito avanza.

2) Periodo del PROGRESSIVE ROMANTICO. Inizia con "Opera Prima", non a caso, che in realta' e' il quarto album. Chi non ha canticchiato almeno una volta: "Non restare chiuso qui / pensiero. / Riempiti di sole e va' / nel cielo"? Chi non ha sentito le parole scandite con rabbia, pestate dalla batteria con la violenza di un pensiero dominante che non riesce a liberarsi? E chi non ha avvertito l'improvviso sollievo nell'apertura melodica di: "Solo lei nell'anima / mi e' rimasta lo sai"?

Qui c'e' gia' tutto il mondo dei Pooh. Manca solo Red Canzian a sostituire Fogli, e la formazione e' definitiva. Red e' il sosia di Chris Squire, bassista degli Yes, ma qualcuno insinua perfino piu' bravo di lui.

La produzione del fido Giancarlo Lucariello porta i Pooh dritti nel cuore del progressivo sinfonico che da oltremanica faceva rimbalzare il mood dei Genesis, dei Gentle Giant, dei primi King Crimson, ecc. L'apice e' "Parsifal", brano dell'album omonimo (1973), diviso in due parti, sorta di sinfonia pop non molto lonatana dai vari "Concerti grossi" dei New Trolls. 

Due anni dopo e' un altro piccolo grande gioiello, tuttora sottovalutato. "Un po' del nostro tempo migliore" e' veramente il meglio del pop rock italiano dei settanta. C'e' lo strumentale "Mediterraneo" che non sfigurerebbe nel repertorio piu' solare della PFM, c'e' "Preludio" che volentieri avrebbe suonato Keith Emerson nei Nice, c'e' "Il tempo, una donna, la citta'", complessa opera a piu' sezioni, con incredibili variazioni ritmico-melodiche.

Quello che ha fatto Battisti con "Anima Latina".

Il progressive celebra il suo epico epilogo in "Ninna nanna" di "Forse ancora poesia" (1976), che dispensa gli ultimi brividi ai cuori piu' sensibili. Ma la parabola discende, e' tempo di cambiare.

3) Periodo TECHNO-POP. "Pooh-lover", col gomitolo di lana in copertina a suggerire il delizioso gioco di parole, sancisce il punto e a capo. "Linda" e' incredibilmente asciutta, niente mellotron, niente violini, niente sinfonismi. E' pop affrancato dagli orpelli anacronistici, essenziale. A modo loro anche i Pooh recepiscono il messaggio di neo-verginita' dettato dal punk.

Seguono album e successi, il tutto sempre piu' curato, lineare, con grande attenzione al lavoro in sala di incisione e dal vivo. Gli spettacoli sono sempre piu' generosi di effetti, fumi, laser, e musica da urlo.

4) Periodo WORLD. Il decennio spensierato degli ottanta scivola lentamente verso una rinnovata coscienza. L'inquietudine diffusa porta i Pooh ad impegnarsi a fianco del WWF con iniziative ambientaliste ed ecologiche. Con il patrocinio del Ministero dell'Ambiente organizzano un tour denominato Concerto per un'Oasi. Lo spirito e' tornato quello di "Brennero 66": impegno e melodia.

Il suono del gruppo si arricchisce di strumenti e di sonorita' pan-etniche. Dal 1983 al 1985 pubblicano la cosiddetta trilogia caraibica: "Tropico del Nord", "Aloha" e  "Asia non Asia". Negli anni successivi il brano "Maria Marea" segnera' una tappa fondamentale, con l'ineffabile video di ambientazione mediterranea, che vede la bella Maria infilarsi nel mare fino a scomparire, come a suggellare l'eterna sovrapposizione tra elemento femminile e spirito dell'acqua.

L'inizio del decennio porta la vittoria al festival di Sanremo con "Uomini soli".

4) Periodo dei PARRUCCHINI. Chi puo' negarlo? I Pooh portano la parrucca. Non si tratta di vere e proprie protesi, ma di ampie cotonature, ottenute con tecniche combinate di colorazione. Ma questo che vuol dire? Si suona forse coi capelli?

Roby ha preso la leadership al canto. Il suo singulto e' inconfondibile. Quando vola alto sul pentagramma, la sua faccia si contorce incredibilmente in mille spasimi creativi.

Dody schitarra con grazia, ma quando vuole sa come dar voce alla sua rabbia rock. A tempo perso ha fatto la damigella di Zucchero con Adelmo e i suoi Sorapiss (Ahi Dody, chi te l'ha fatto fare?!).

Red ha il sorriso di una bambola di porcellana. Come nulla fosse, zitto zitto, esplora tutte le potenzialita' del basso: acustico, stick, senza tasti, senza manico con corde, senza corde con manico, senza tasti e senza corde. 

Stefano e' incontenibile alle percussioni: ha una batteria che da sola occupa una stanza, piu' campane tubolari, xilofoni, sonagliere, pentole di rame, tamburelli e nacchere. 

Per favore, non fermiamoci alle apparenze. 

Quando ci sono i Pooh in televisione, alziamo il volume, chiudiamo gli occhi e lasciamoci cullare dalle morbide e romantiche emozioni che sanno ancora darci.

Provare per credere.

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CLASSIFICARE? PERCHE' NO? (Lettera aperta di un lettore)

Spett. Redazione di ET,

sono un fedele entusiasta lettore della vostra fanzine che trovo molto interessante, anche se qualche volta leggo delle cose che mi fanno sobbalzare sulla sedia. 

Poco male. Mi consolo subito con le vostre rubriche, sempre dense di informazioni e di consigli utili. Ma questa volta mi sono detto: "Perche' non scrivere alla Redazione, cosi', giusto per testimoniare il mio piccolo dissenso?" Magari non interessa a nessuno, ma chi lo sa?

Allora mi sono messo qui, e vi ho scritto. 

In un vostro numero recente, il n. 15 per la precisione, una vostra collaboratrice fa dell'ironia sulle classificazioni musicali. Spero di avere inteso male. Dice che i classificatori devono giustificare non so che cosa, per non saper digerire qualcos'altro, che esitano ad accogliere le novita', che sono ora spregiudicati, ora imbarazzati... Boh! 

Io non voglio entrare nel merito. So soltanto che e' d'importanza vitale classificare, mettere ordine nella testa. Altrimenti come si fa a ritrovare le cose? Immaginiamo di dover cercare un disco. Non negli scaffali dei negozi, o negli armadi di casa nostra. Io dico nella nostra testa, nei vari sportelli mentali dove ci mettiamo tutto quello che sappiamo. Bene, se non l'ho messo in un certo modo, in un certo posto, come lo ritrovo? 

Io la penso cosi'. Secondo me ritrovare le cose e' l'unico modo di possederle. Quando sono a portata di mano, allora ce l'ho, altrimenti niente, non mi appartengono. E se e' vero che ritrovare e' possedere, e' altrettanto vero che perdere equivale a non avere mai posseduto. Quindi bisogna cercare di non perdere, a nessun costo. Conservare e' piu' importante che acquisire.

Spero di essere abbastanza chiaro. Abbiamo detto: ritrovare. Ma per ritrovare le cose bisogna ricordarsi dove le abbiamo messe. La memoria, purtroppo, non ce la fa a trattenere idee sciolte, senza legami, senza griglie. Ve lo dico perche' l'ho provato. Tutto quello che dico e' provato, testato, sperimentato. Posso inviarvi anche l'apposita documentazione. Sempre che interessi.

Riprendiamo il filo. Se la memoria non ce la fa da sola, bisogna venirle incontro. E come? Mettendo tutto in ordine, appunto. Sfido chiunque a ritrovare una carta qualunque, un bigliettino, un appunto, su di una scrivania a soqquadro. Ci sono varie tecniche. La mia e' questa. Io mi faccio delle griglie mentali, combinate tra loro, in modo che un'idea sia rintracciabile da vari punti, secondo vari percorsi. 

Facciamo un esempio. Prendiamo "Harvest" di Neil Young. Cominciamo col dire che e' uscito nel 1972, pertanto andra' sistemato nella casella dei dischi usciti in quell'anno. Ma anche in quella dei folksingers canadesi, con il cognome che inizia per "Y" ed il nome che inizia per "N". Allo stesso modo finira' nella griglia dei dischi con la copertina giallina, o di quelli con i testi trascritti a mano, dei capolavori che hanno segnato un epoca, tra i padri del grunge, tra i nipoti di Dylan, tra i fratelli maggiori del punk, tra quelli che si possono suonare con la chitarra, che si aprono in due, con le foto, con quei colori, con quel graffietto sul vinile in quella posizione, in quel brano, dopo tanti secondi. All'incrocio di queste strade c'e' sicuramente "Harvest". Non c'e' verso di sbagliare. 

Cosi' tutte le cose hanno un loro posto, e tante coordinate che lo fissano.

Certo, non tutto si puo' tenere a mente. Conviene farsi delle schede, dei diagrammi con figure e frecce colorate. Io ho provato a fare dei modellini di polistirolo, perche' a tre dimensioni viene meglio. Si riesce a tenere tutto sotto controllo, ve lo garantisco.

Spero di essere stato chiaro. Caso mai vi faccio avere qualche foto del plastico che ho montato in casa mia, con tutti i modellini. Otto metri per otto, alto tre. Per ora. Comunque viene bene anche in foto.

Beh, adesso vi saluto. Se sono riuscito a farvi nascere anche la piu' piccola curiosita', ecco, allora vuol dire che e' servito a qualcosa.

Cordialmente

Un lettore

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THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte 2)

--------------------------------> continua da ET n. 15

Con TONIGHT (84) si apre un pessimo periodo della carriera di Bowie, che sforna uno dopo l’altro (per fortuna con parsimonia) i peggiori album della sua vita. Per fortuna ci sono pero’ anche i singoli - di gran lunga superiori - prodotti in collaborazione con Mick Jagger (“Dancing in the Street”, 85) sbarazzina cover di Martha & the Vandellas presentato al Live Aid, Pat Metheny (“This is not America”, 85) uno dei vertici del catalogo bowiano dalla colonna sonora di THE FALCON AND THE SNOWMAN, e il nuovo partner artistico Erdal Kizilcay (“When the Wind Blows”, 86) dall’omonima colonna sonora, oppure da solo (“Absolute Beginners”, 86) dall’omonima colonna sonora, che ospita anche le meno riuscite “That’s Motivation” e “Volare” di Modugno.

Non sempre pero’ le colonne sonore portano fortuna al buon David, che con LABYRINTH (86) sfiora il ridicolo sia come attore che come musicista. Il fondo dell’abisso viene pero’ raggiunto con NEVER LET ME DOWN (87), il peggior album in assoluto di Bowie per sua stessa ammissione in cui, fra l’altro, ha la nefasta idea di aggiungere alla sua prestigiosa collezione di chitarristi il compagno di scuola Peter Frampton, assolutamente impresentabile. La sola cover di Iggy Pop “Bang Bang” mantiene un briciolo di dignita’, ma per il resto e’ un tracollo totale. L’Italia, non lambita dal mitico Serious Moonlight Tour, subisce invece l’umiliazione dello Spider Glass Tour, in cui viene propinato pressoche’ per intero l’ultimo parto.

Bisogna ammettere che Bowie si rende conto che qualcosa non va (benche’ le vendite non siano affatto disastrose) e si gioca il tutto per tutto nell’ennesima svolta. “Dite addio al solista gigione e trasformista” dice David “da oggi sono solo il cantante di una band di rock’n’roll ortodosso”. Sono i Tin Machine, che allineano la sezione ritmica del miglior Iggy Pop (i rocciosi e tatuatissimi fratelli Sales) e una chitarra rock DOC (Reeves Gabrels) per tre album che fanno da ponte fra ‘80 e ‘90: TIN MACHINE (89), TIN MACHINE II (91) e un inutile live: OY VEY, BABY (92). 

Il ritorno alla semplicita’ di un rock quadrato ed essenziale e’ salutare a Bowie, che ne e’ quasi rigenerato. Anche in questo caso, come per LET’S DANCE, giova cogliere il trasformista per antonomasia in un suo travestimento elementare, cosi’ minimale da illuderci per un attimo (ma solo uno) di essere una rinuncia  alla maschera. La cura e’ quindi positiva, ma - invece di tre album - sarebbe bastato un EP con l’esplosiva “Under the God”, le cover dei primi Roxy Music (“If There is Something”) e di Lennon (“Working Class Hero”) e forse un altro paio di pezzi.

Nel frattempo la vecchia volpe non perde il vizio e, con la scusa dell’addio definitivo ai concerti come solista (aveva cominciato subito, nel 1972, ad annunciarlo) intraprende nel 1990 un megatour di successi insieme a Adrian Belew, concedendogli meritatamente lo spazio solista negato a suo tempo a Ray Vaughn e donandogli due pezzi (“Pretty Pink Rose” e “Gunman”) per il suo YOUNG LIONS (90). Sempre nel quadro auto-celebrativo David riaggiorna un suo glorioso pezzo dei tempi di YOUNG AMERICANS (“Fame 90”), affida a un gruppo dance di tendenza (808 State) il remix di un pezzo di LOW (“Sound and Vision 91”) e, fra il 90 e il 92, ripubblica con la Ryko tutto il catalogo RCA con l’aggiunta di b-sides e inediti vari, alcuni non solo di valore storico.

Sembra proprio che Bowie si stia consegnando definitivamente alla storia, cullandosi nei sogni della ormai passata gloria, ma, ancora una volta, e’ una colonna sonora a riaprire i giochi. “Real Cool World” (92), dal soundtrack di COOL WORLD, con un colpo di mano azzera i Tin Machine, richiama in servizio Nile Rodgers (con i suoi fiati ma senza chitarra) e sforna uno scintillante brano di dance elettronica assolutamente aggiornata, con una interpetrazione vocale da brivido e un coretto assassino. L’episodio passa sostanzialmente inosservato, ma annuncia ai bowiologi piu’ attenti una nuova stagione creativa, confermata dall’album dell’anno successivo.

Su COOL WORLD - fra parentesi - appare anche la misconosciuta “Under” di Brian Eno, relitto del misterioso album MY SQUELCHY LIFE, mai pubblicato e rifuso parzialmente in NERVE NET (92) e nella mega-antologia VOCAL ENO (93). Mera combinazione o il primissimo segnale di un riavvicinamento fra i due?. 

---------------------------> continua su uno dei prossimi numeri di ET

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RECENSIONI IN BRANDELLI

BILL LASWELL + TERRE THAEMLITZ : WEB : 1995. Da un paio di anni a questa parte Laswell ha rotto ogni argine. Album doppi e tripli da solo, coi Material e in coppia con partner sempre diversi. Alterni i risultati, ma questa volta Bill sfiora il capolavoro. Suoni che non ricordavamo dai tempi di ON LAND con Brian Eno in atmosfere ambient appena intaccate da tracce di rumorismo. Una chicca i titoli di due dei tre brani (“Open URL” e “Transfer Complete”), in tinta con quello dell’album, dall’ascetica copertina monocromatica.

MOJAVE 3 : ASK ME TOMORROW : 1995. Gli Slowdive cambiano (provvisoriamente?) nome per un album piu’ tradizionale, piu’ cantato, piu’ acustico, piu’ dolce e - diciamolo - piu’ bello dei loro soliti. L’etichetta stavolta e’ la 4AD e si sente (soprattutto nei violoncelli).

THE AMPS : PACER : 1995. Breeders a ranghi ridotti, piu’ ruvide ma sufficentemente efficaci. PS: ci mancano i Pixies.

MOLOKO : DO YOU LIKE MY TIGHT SWEATER? : 1995. Genere: trip-hop. Variante: veloce. Contaminazioni: molte, in genere black-oriented. Risultato: ottimo e di tendenza.

CAST : ALL CHANGE;   MENSWEAR : NUISANCE;  SUPERGRASS : I SHOULD COCO;   BLUR : THE GREAT ESCAPE; OASIS : MORNING GLORY : tutti 1995. Lo chiamano Brit-Pop e coniuga rock moderato e melodie beatlesiane. Blur e Oasis sono i leader, Cast e Menswear i piu’ recenti, ma i piu’ freschi e meno presuntuosi sono forse i Supergrass.

KATE ST. JOHN : INDESCRIBABLE NIGHT : 1995. Virtuosa dell’oboe e del corno inglese ha suonato coi piu’ bei nomi del rock inglese, da Van Morrison a Julian Cope, dai Tears for Fears ai Saint Etienne. Dopo tre album da cotitolare nei Dream Academy, uno con gli eccentrici Channel Light Vessel (Roger Eno, Bill Nelson e Laraaji) e uno in coppia con Roger Eno, debutta finalmente da solista. Voce e canzoni esili, dolci, delicate, purtroppo inferiori agli stupendi cinque pezzi cantati di THE FAMILIAR con R. Eno (92), eccetto che nel duetto con Virginia Astley, con cui aveva iniziato a suonare tanti anni fa nelle Ravishing Beauties. PS: Virginia, dove sei finita?

ENYA : THE MEMORY OF TREES : 1995. Da Enya sappiamo tutti cosa aspettarci, e lei ce lo sa fornire sempre al massimo livello, anche se la critica pretenderebbe una svolta ad ogni album, per avere qualcosa di cui parlare. Ma se invece di parlare preferite ascoltare, accomodatevi e non resterete delusi.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 17=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 18 (18 Dicembre 1995)
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APPELLO

Se, approfittando delle vacanze natalizie, i nostri lettori volessero fare ordine sui propri scaffali, riflettere sull’annata che volge alla conclusione ed inviarci (entro il 10 gennaio 96) la loro personale classifica dei 10 migliori album pop/rock dell’anno, promettiamo che la pubblicheremo entro la fine di gennaio.

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SON TORNATE LE VIKINGHE : Un tuffo nell'immaginario italico vecchio e nuovo (di Gianni Galeota)

Se dico "Svezia" cosa vi viene in mente alla prima? Di certo non la tranquilla socialdemocrazia scandinava. Di certo non le operose industrie di legnami, e neppure il sole a mezzanotte. Per chi ha nutrito certe fantasie, "Svezia" significa tutt'altro.

Andava molto negli anni sessanta-settanta il filone cinematografico dei vari "Vikinghe bollenti", "Le svedesi lo fanno in tre", "Le calde notti di Elke", eccetera, che facevano sognare un paese dove le inibizioni sessuali erano roba da Bassa Europa o da Alto Medioevo (che in fondo e' lo stesso). Per le spiagge adriatiche, poi, era caccia grossa. O forse era letteratura.

Oggi le svedesi non si chiamano piu' Erika, Greta, Elke, e non sono piu' cosi' bollenti. A ben guardarle, non sono nemmeno tanto bionde, ne' stanghe di due metri. Lo fanno ancora in tre, certamente, ma a casa loro, senza farcelo vedere a noi.

Oggi le svedesi fanno sul serio. Zitte zitte hanno studiato, hanno imparato, ed ora sbarcano in Europa con le carte in regola. Altro che filmetti clandestini. Perche' musicalmente la Svezia non e' piu' una provincia. Anzi, e' una provincia, ma dorata. Ci sono dei vantaggi a non vivere al centro dell'Impero. Per esempio, in provincia si trova del tutto naturale copiare a destra e sinistra tutto quello che viene dal Centro, salvo poi riciclarlo, mischiarlo, e rimontarlo in mille variopinte combinazioni. E non sempre il Centro fa lo stesso.

Oggi le svedesi copiano, diciamolo, ma copiano bene, con gusto e con classe invidiabili. 

Ad esempio, parliamo di musica.

Capofila indiscusse del pop 'copy in Sweden' sono Agnetha & Frida, l'indimenticabile meta' degli Abba, delle quali ci pare superfluo parlare in questa sede. Ci basti ricordare l'asse Abba-Roxette-Ace of Base, irresistibile macchina spaccaclassifiche di tutta Europa, e non solo.

Immaginiamo che tra le brume di Stoccolma (ma fa sempre freddo da quelle parti?) una fanciulla si innamori del country, o comunque di certo cantautorato americano. Immaginiamo che imbracci una chitarra, che impari a strimpellare due accordi, e che per incanto gli avi adottivi le infondano felice ispirazione. Avremo allora Idha Ovelius, uscita nel 1994 con "Melody Inn", dove Joni Mitchell incontra idealmente Gram Parsons, ambedue a braccetto con Ian MacLagan dei Faces alle tastiere, sotto il matrocinio di Janis Ian, che firma uno dei brani.

Ma le vikinghe, lo sanno tutti, hanno in fondo in fondo un'anima lunare. E lo sa molto bene chi ha frequentato Stina Nordenstam, voce e anima sottile dal timbro così rarefatto da sembrare finto. Sorella nordica di Rickie Lee Jones, che dal primo "Memories of a color" del 1991 ha scarnificato gradualmente la sua musica in "And She Closed her Eyes" del 1994, tanto da lasciarne in vita un sospiro solamente.

Chi invece di vita ne ha da vendere e' la frizzantissima Angie Hart dei Frente!, gruppo rivelazione del 1994 con "Marvin The Album", ma gia' noto in patria da qualche anno. Pop di gran classe, godibile, accattivante, intelligente. E mentre aspettiamo l'ultima prova di Angie e dei suoi Frente!, ci imbattiamo - non senza piacere - in Nina Persson dei Cardigans, recente incarnazione di quel sound che fa felici tutti, grandi e piccini, apocalittici e integrati. Nessuno puo' parlarne male. Il recente "Life" colloca i Cardigans tra la piacevolezza dei Frente! e la genialita' inventiva dei Saint Etienne.

Ci credereste mai? Le vikinghe cantano anche il jazz. E chi le ferma piu'!? Rebecka Tornqvist parla poco, pero' si esprime niente male. Ha una faccia che non diresti mai di New Orleans. Non proprio come Bjork, che sembra appena uscita da un igloo, ma insomma i tratti non lasciano spazio all'immaginazione. Eppure con quel viso nordico ci scalda con "Good Thing", in questi giorni in rotazione su VideoMusic, come gia' nel 1993 con "A Night Like This", che era ancora piu' caldo. C'e' chi ci ha visto una Sade bianca, chi una Lennox delle prove da solista... Per noi in certi momenti suona molto Donald Fagen, e qua e la' palpita il cuore al ricordo della mai rimpianta abbastanza Rosie Vela (ma dove sei finita?).

Ti abbiamo lasciata in fondo, Cia, ma non ultima. Con i tuoi Whale sei gia' passata su queste pagine, ospite di una "recensione in brandelli" (Elephant Talk, n. 13), come sempre sintetica ed incisiva. "Melting pot pop-rock/techno-blues/hip-hop in salsa low-fi" e' stata la diagnosi, tra Portishead e Tricky. Ti ci trovi a tuo agio? Chissa' se ti pesa l'eredita' di essere l'ultima promessa di una Swedish Wave tutta nuova, tutta da gustare.

Proprio bravine queste vikinghe del Duemila. Quasi quasi ci faccio un Fan Club...

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MADONNA ovvero "Something To Remember"
(di Gianni Galeota)

Ce lo ricordiamo eccome. Era l'autunno dell'84. Videomusic era appena nata. Su Italia 1, a "DeeJay Television", la banda di Cecchetto contendeva a Rick & Clive le anteprime dei videoclip attesi da oltremanica e piu' in la'. 

In mezzo alle prodezze dei Duran, agli estetismi degli Spandau, alle performance di Boy George, alle chiome arancioni di Anne Lennox, entro' piano piano in rotazione il video di una "lucky star" americana, una biondina che si faceva notare, diciamolo, per gli occhioni maliziosi e per l'ombelico in bella mostra.

"Vende parecchio in America", si diceva. E poi ancora: "Pare sia mezza italiana". Qualcuno riferiva che si era fatta tutti i deejay d'America, che per arrivare era pronta a tutto.

Se ne dicevano tante.

Poi venne il febbraio dell'85. Anche questo me lo ricordo bene. Dogana di Venezia, davanti a S. Marco, tra il Canal Grande e la Giudecca. Un leone raccoglie la sposa in bianco e se la porta sulla gondola. E lei grida: "Mi batte forte il cuore. Come la prima volta, come una verginella..." Stavolta non ci sono solo gli occhi belli. C'e' la ritmica pulsante di Nile Rodgers, quel tanto in piu'. 

Poi venne il video della pseudo-Marilyn, ed ancora notizie sulla ragazza "materiale", sulle sue porcherie, passate, presenti e presumibilmente future. "Ma come fa ad essere cosi' bagascia", osservava qualche mente lucida, "con quel nome che si porta addosso..." Chi la pensava cosi' aveva gia' capito tutto.

L'album "Like A Virgin" cominciava a vendere. Ricordo i primi timidi passaggi in FM, le vetrine dei negozi, con il disco sullo sfondo poi in prima fila, in mezzo ai nomi noti. Fortunato chi l'ha presa, quella copia, prima che venisse ristampata con l'aggiunta di "Into The Groove". Ricordo quando usci' il film, "Cercasi Susan disperatamente", i primi crocifissi alle orecchie, il look tardo-punk delle tante "madonnine" sparse per il paese, i concorsi per chi le somigliava di piu'. 

Finche' non venne la prima sorpresa, la prima decisa sterzata. Ancora non sapevamo che ci avrebbe sempre menato tutti per il naso. Eravamo ancora li' a cercare la sosia per le piazze d'Italia, che gia' lei si esibiva in un peep-show col capello corto biondo platino, completamente trasformata ("Open Your Heart"). In "Live To Tell" lanciava il look sofisticato che riprendera' piu' volte in seguito. In "Papa Don't Preach", col pancione, diceva al padre: "Non mi rompere, me la cavero' da sola." 

Il mito avanza.

L'87 e' l'annus mirabilis della tournee italiana, di "Who's that girl". Si dice faccia molta palestra, e si vede. Ha il fisico nervoso, scattante. Piu' che ballare fa corpo libero. "E' una perfezionista", si vocifera, "prova e riprova finche' non e' contenta." Me la ricordo lontana sul palco, e' una giornata molto calda. Canta, si dimena, non si ferma un attimo. Tranne che in "The Look Of Love", quando si rotola per terra, sospirando. 

Qualcuno dice che e' una Rock Star, qualcun'altro piu' avveduto lo corregge: "Pop Star, prego..." In effetti c'e' una bella differenza. La sua e' una musica di intrattenimento, forse da ballo (non certo da sballo), sicuramente popolare. Piace a grandi e piccini, uomini e donne. Scatena strani meccanismi di desiderio, identificazioni, proiezioni, come tutti i grandi divi. 

Scatena anche avversione, perche' no, sdegno, disgusto, e quant'altro. "Like A Prayer" arriva preannunciato come un video scandalo. Al di la' della statua del santo negro, dell'amplesso sull'altare, c'e' una ricerca di suoni piu' variati. "Scopiazza a destra e sinistra", contestano i detrattori. "Recepisce lo spirito dei tempi", ribattono i fautori. E' una grande volgarizzatrice, diciamo noi. Inventa poco, ricicla tutto. Come ha fatto con il punk nell'83, fa ora con il Prince delle croci blasfeme (peraltro presente in un brano). Raccoglie i cascami, li spolvera, li rimette insieme e ce li porge con classe da invidiare. 

E non si puo' dirle di no.

Forse al cinema qualche no glie lo abbiamo anche detto. Ma quando ci vuole ci vuole. Ricordo pero' che "Dick Tracy", non era male, se non altro per le gradevolissime canzoncine retro', tutte d'epoca. "Sooner Or Later" e' un piccolo gioiello. Nell'album "I'm Breathless" c'era anche "Vogue", a tutt'oggi tra i miei preferiti. Il "voguing", un'altra moda gia' "in voga" da qualche tempo, con lei diventa sport di massa. 

Poi venne il tempo della raccolta. "Immacolata collezione", ebbe l'ardire di chiamarla. In quei giorni comincia anche la discesa verso lo scandalo totale, gia' preconizzato con il quasi-topless di "Vogue", che la conduce dritta al mitico video dei guardoni ("Justify My Love"), poi giu', al sadomaso di "Erotica", e poi sempre piu' giu', al libro di foto artistiche sigillato da un cellophane nero (proprio come "Wish You Were Here" versione vinile...), giu' fino alla reinvenzione di "Basic Instinct" ("Body Of Evidence"), che sempre meno lascia spazio all'immaginazione. 

"Ma perche' non canta e basta?", si chiedono in molti. In realta' col look perverso ha toccato il fondo. Ora non puo' che risalire. 

Ed ecco infatti il capolavoro. "Bedtime stories" esce quando in pochi scommettevano sul suo futuro. "Take A Bow" e' la migliore ballata pop degli ultimi dieci anni, e cosi' "Forbidden Love", "Inside Of Me", "Bedtime Story" (tra l'altro co-scritta da Bjork), e " "Love Tries To Welcome Me". Si respira un'aria di gran classe. La techno-dance di "Erotica" annega in una nuvola di cipria. Anche i video si fanno ricercati. Gia' "Rain" e "Fever" erano stati un salto in avanti. I piu' recenti "Bedtime Story" e "Human Nature" sono ormai un cult.

Oggi lei ci invita a ricordare. Pubblica una raccolta di ballate, "Something To Remember", il lato soft di un repertorio oramai decennale. La consiglio a tutti. Ci sono anche tre inediti niente male. Non e' sfuggito alla sua rete onnivora neanche il trip-hop dei Massive Attack, oggi cosi' di moda. Da loro si fa produrre un "I Want You" che fa gridare al miracolo. Sfido i fanatici di "Karmacoma" a dirmi che non e' vero. C'e' poi "One More Chance", praticamente acustico, voce e chitarra. "You'll See" ve lo vedrete, appunto, a VideoMusic.

Ormai la voce e' decisamente piu' matura, lontana dagli acuti stridenti degli inizi. Un solo appunto: mi sarebbe piaciuto risentire anche "The Look Of Love" e "Shoo-Bee-Doo", che non ci sarebbero stati male. 

Qualcuno ebbe a definire la cultura di massa come il regno del "Nuovo e Sempreuguale", infinite variazioni di uno scenario sostanzialmente immutabile. Nostra Signora del Pop e' imprevedibile come una soap-opera, scandalosa come il 144, familiare come un varieta' del sabato sera, patinata come una rivista soft-core, vegetariana come la moglie di un macellaio, ecologista come l'ultima campagna di top model contro le pellicce, impegnata come una pubblicita' progresso, perversa come il nuovo sex-shop che ha aperto sotto casa.

Ne abbiamo di cose da ricordare. Dimenticarle sarebbe come convincersi che Babbo Natale non esiste.

E come potremmo, proprio in questi giorni? 

-------------------------------------------------------------------------------- POLEMICHE E CLASSIFICATORI (POLEMICI) 

Spett. Lettore nonche' (altrettanto) spettabile Direttore,

dicevo, accidenti questa Stefania Manzi deve averla combinata grossa, per trovarsi ben 2 (due) volte citata in giudizio elettronico; 

prima quella storia del CLIT-ROCK e delle ragazzine buone meglio o peggio di quelle cattive, cespugli di rose, rose senza spine, zie e sorelline... (a proposito, che sara' vera la storia della maglietta con la scritta incriminata? a me mi piacerebbe di molto una maglietta in quel modo); 

poi quell'altra storia dell'elogio delle Classificaz(z)ioni e dei Classificatori, che vivono classificando e/o classificano vivendo (bon per loro che hanno sempre qualcosa da fare!)... 

Insomma, di certo oggi si sente un po' di tutto e non si finisce mai di stupirsi; di certo, anche, se certa gente viene cosi' redarguita un'altra volta ci pensa bene prima di coniare cosi' impunentemente nuove etichette; d'altra parte un po' di freno ci vuole, una, come dire, prudente cernita che passi al setaccio ma si' , di una Accreditata Classificazione, cio' che si puo'o non si puo' dire anche, e soprattutto, in fatto di ROCK, di CLIT, di POP...(vuoi mettere, il rassicurante terreno delle cose note e conosciute, sistemate ed ordinate, un bell'ordine il piu' possibile a nostra immagine e somiglianza e preferibilmente immodificabile SE NON secondo le regole da noi PRE-stabilite...; rispetto a queste irruente irruzioni delle novita', che hanno sempre questo uggioso carattere sfuggente, questa noiosa resistenza alla definizione, questa assurda pretesa al riconoscimento o peggio ancora, quelle che addirittura al riconoscimento NON ci pretendono affatto e se ne starebbero li' chissa' quanto
INDEFINIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIIITEEEEEEEEEEEEEEEEEEE............) 

Concludo rabbrividendo nel timore di queste inquietanti eventualita', ma certa che presso di Voi potro' trovare sempre e comunque il sostegno ed il conforto di una casella con tutte le tutele del caso. 

Cari saluti a voi e a "quella sconsiderata della Manzi" e buon lavoro a "quello del plastico"

una Lettrice (anonima quant'altri mai)

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THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte 3)

--------------------------------> continua dal numero 17 di ET 

BLACK TIE WHITE NOISE (93) e’ il disco che conferma la nuova grande stagione creativa del nostro, anche se molti, scottati dalle precedenti delusioni, non se ne accorgono e ignorano sia l’album che i molteplici singoli estratti. “Jump They Say” e’ l’apripista dance che fa gridare al capolavoro i fans mentre svuota loro le tasche (infiniti i formati del singolo, perfino in cd-rom). Sul fronte ballabile notevole anche “Lucy Can’t Dance” (solo su cd), mentre piu’ debole appare il lento convenzionale “Don’t Let Me Down and Down”. In mezzo la linea dominante e’ quella di un soul bianco moderatamente moderno di grande classe ed eleganza, arricchito di preziose cover e di citazioni dallo sterminato catalogo dei generi attraversati in passato.

Alla produzione ancora Nile Rodgers, meno invadente del solito, e - in funzione di solista-virtuoso - al posto del solito chitarrista appare nientepopodimenoche che sua maesta’ Lester Bowie, trombettista jazz d’avanguardia coi Chicago Art Ensemble. Ma il punto di forza dell’album (nonostante ben tre pezzi strumentali) e’ la voce (“quella” voce) ormai irraggiungibile per estensione, versatilita’ ed espressivita’: tutto il resto le ruota attorno, valorizzandola senza sovrapporle forzatamente schemi di genere.

Dopo un deciso passo in avanti, Bowie inciampa in un mezzo passo indietro con la colonna sonora della serie TV della BBC THE BUDDHA OF SUBURBIA (93) dove, complici le esigenze del copione, il nostro si lascia andare col fido Kizilcay a un nostalgico amarcord del suo stile musicale dei gloriosi ‘70. Solo 3/4 le canzoni buone, affiancate da riprese varie e strumentali velleitari e talvolta irritanti. Ancora una volta sarebbe bastato un EP. Nel frattempo Philip Glass omaggia la trilogia berlinese con la sua LOW SYMPHONY (93), cui dovrebbe far seguito nel 96 una ripresa di HEROES.

Tanto solare e sereno era stato BLACK TIE WHITE NOISE quanto introverso, oscuro, relativamente angosciante e’ il recente OUTSIDE (95) che vede di nuovo alla regia Eno (che produce, compone, suona, manipola, ispira e probabilmente prepara anche il te’) in un album che mostra di aver assimilato le sonorita’ industriali tanto in voga (nella variante piu’ pop di Nine Inch Nails e dintorni) per rielaborarle in un prodotto di grande artigianato che spezza per le masse sonorita’ altrimenti riservate a sette esoteriche di appassionati, nella grande tradizione eniana di contaminazione fra avanguardia e pop music.

L’album e’ ricco; ricco di canzoni, di stacchi strumentali, di coautori, di strumenti, di ritmiche, di linee melodiche, tanto da non apparire immediatamente decifrabile e fruibile con facilita’, ma dopo qualche ascolto la vena sostanzialmente pop emerge con forza, irrobustita dal contesto assolutamente non banale, e produce (una volta scartati gli inevitabili riempitivi) il migliore album di Bowie degli ultimi 10 anni e forse uno dei suoi piu’ equilibrati di sempre.

Dai 75 densi minuti dell’inquietante OUTSIDE emergono con forza due momenti di luce e ottimismo, non a caso gli unici firmati dal solo Bowie e arrangiati con maggiore semplicita’: “Strangers When We Meet”, troppo bella per restare sullo scarso THE BUDDHA OF SUBURBIA, viene ripresa, riarrangiata e riproposta con esiti ancora superiori (Eno non e’ acqua), mentre la minimale “The Motel” parte crepuscolare e arriva lirica come forse solo “Word On A Wing” su STATION TO STATION.

Sul fronte del look, David non resiste a lungo senza maschera e si rituffa nell’ennesimo personaggio della sua ormai sterminata galleria. Stavolta si tratta del detective Nathan Adler, che indaga in un orripilante ambiente di freaks sado-artistici e della cui saga ci vengono promessi altri episodi fino al 2000 (dobbiamo crederci?). Devo confessare che il giochetto (e il cospicuo libretto che accompagna il cd, anche in traduzione italiana) mi lascia piuttosto freddino, ma se serve ad accendere la creativita’ del nostro, lasciamolo giocare, anche perche’ il video del primo singolo tratto dall’album (“The Hearts Filthy Lesson”) risulta effettivamente di notevole impatto.

Le ultimissime novita’ sono un out-take di OUTSIDE (“I’m Afraid of Americans”) sulla colonna sonora di SHOWGIRLS, un paio di apparizioni sull’album solista dell’amico Reeves Gabrels, tour e collaborazioni varie coi Nine Inch Nails in attesa dell’annunciato INSIDE, strumentale ed estremo, dell’anno prossimo. 

Sul fronte delle ristampe proprio in questi giorni il progetto Ryko si estende agli anni ‘80, integrando gli album del periodo coi singoli coevi, senza pero’ sostanzialmente alterare la scala dei valori complessivi. All’ottimo LET’S DANCE si aggiunge l’eccellente “Under Pressure”, al discontinuo TONIGHT due grandi canzoni (“This is not America” e “Absolute Beginner”) e una deboluccia (“As The World Falls Down” da LABYRINTH) e all’orribile NEVER LET ME DOWN due insignificanti b-sides (“Julie” e “Girls”) e la passabile “When The Wind Blows”. Nel complesso i voti restano quindi gli stessi.

Ci piace infine notare che per la b-side del secondo singolo da OUTSIDE (“Strangers When We Meet”) e’ stato scelto per un efficace riarrangiamento, radicalmente modernista e altrettanto radicalmente godibile, l’antico pezzo cui si erano nel frattempo ispirati i titoli dei due articoli dedicati da ET a DB: “The Man Who Sold The World”.

Chissa’ quali altre sorprese ci riservera’ la carriera di David Bowie, artigiano di lusso del rock, mediatore di un intero mondo di stili e tendenze che, comprati ai quattro angoli del villaggio globale, assembla e ci rivende come nuovi, scintillanti prodotti d’intrattenimento postmoderno.

--------------------------------------------->  FINE e BUON NATALE

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 18=====

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  ELEPHANT TALK 
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fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 19 (19 Gennaio 1996)

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CLASSIFICHE E META-CLASSIFICHE

Nel primo numero dell’anno presentiamo, come di ancor fresca tradizione, le classifiche del precedente anno musicale rock stilate dalle principali testate specializzate italiane (Rumore, Rockerilla, Rockstar, Musica!) e inglesi (Melody Maker, New Musical Express, Select, Mojo) e da alcuni dei nostri lettori e collaboratori (Gianni Galeota, Iacopo Iandelli, Riccardo Ridi). 

Una novita’ introdotta quest’anno e’ invece la “Meta-classifica di Elephant Talk”, che miscela insieme tali liste, soppesandole, per produrne una sola, che dovrebbe risultare ancora piu’ equilibrata e completa.

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-----------------------CLASSIFICA 1995 ALBUM----------------------
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---------------->RICCARDO RIDI<----------
1.	Smashing Pumpkins MELLON COLLIE & THE INFINITE SAD.
2.	Tindersticks		TINDERSTICKS [II]
3.	Mojave 3		ASK ME TOMORROW
4.	Black Grape		IT'S GREAT WHEN YOU'RE STRAIGHT...
5.	Radiohead		THE BENDS
6.	Drugstore		DRUGSTORE
7.	Bowie,David	OUTSIDE
8.	Cope,Julian		20 MOTHERS
9.	Lavelle,Caroline 	SPIRIT
10.	Morphine		YES
11.	Pavement		WOWEE ZOWEE
12.	Ruby			SALT PETER
13.	Pizzicato Five	THE SOUND OF MUSIC
14.	Lennox,Annie	MEDUSA
15.	Boo Radleys		WAKE UP!
16.	Supergrass		I SHOULD COCO
17.	Tricky		MAXINQUAYE
18.	Whale		WE CARE
19.	Enya			THE MEMORY OF TREES
20.	King Crimson	THRAK
21.	Moloko		DO YOU LIKE MY TIGHT SWEATER?
22.	Scott,Mike		BRING'EM ALL IN
23.	Oasis			MORNING GLORY
24.	Cast			ALL CHANGE
25.	Elastica		ELASTICA
26.	Guided by Voices 	ALIEN LANES
27.	Cardigans		LIFE
28.	Red Hot Chili Pepp. ONE HOT MINUTE
29.	Prince		THE GOLD EXPERIENCE
30.	Skunk Anansie	PARANOID & SUNBURNT

---------> IACOPO IANDELLI<----------
1.	Tindersticks	TINDERSTICKS [II]
2.	Bowie,David OUTSIDE
3.	Oasis		MORNING GLORY?
4.	Smashing P.	MELLON COLLIE & INFINITE SADN.
5.	Cardigans	LIFE
6.	Mojave 3	ASK ME TOMORROW
7.	Supergrass	I SHOULD COCO
8.	Slowdive	PYGMALION
9.	Pulp		DIFFERENT CLASS
10.	Cope,Julian	20 MOTHERS
11.	Drugstore	DRUGSTORE
12.	Gene		OLYMPIAN
13.	Morphine	YES
14.	Radiohead		THE BENDS
15.	Harvey,PJ		TO BRING YOU MY LOVE
16.	King Crimson	THRAK
17.	Tricky		MAXINQUAYE
18.	Boo Radleys		WAKE UP!
19.	Pizzicato 5		THE SOUND OF MUSIC
20.	Umbrella H.		DO YOU HATE ME?
21.	Menswear		NUISANCE
22.	Earth 18		BUTTERFLY
23.	Björk			POST
24.	Atlas,Nat.		DIASPORA
25.	Black Grape		IT'S GREAT WHEN YOU...
26.	Cast			ALL CHANGE
27.	Chumbawamba  	SWINGIN' WITH RAYM.
28.	Deep Forest		BOHEME
29.	McAlm+Butler	THE SOUND OF M&B
30.	Siberry,Jane		MARIA
31.	Thurman		LUX
32.	Weller,Paul		STANLEY ROAD
33.	Blur			THE GREAT ESCAPE
34.	Whale		WE CARE

----------------> GIANNI GALEOTA<----------
1. Breatnach, Maire, THE VOYAGE OF BRAN
2. Cardigans, 	  LIFE
3. Lavelle, Caroline, SPIRIT
4. Nova, Heather, 	OYSTER
5. Dubstar, 		DISGRACEFUL
6. Anderson, Ian, 	DIVINITIES: TWELVE DANCES WITH GOD 
7. Craig, Sara, 	SWEET EXHAUST
8. Springsteen, Bruce, THE GHOST OF TOM JOAD 
9. Deanta, 		READY FOR THE STORM
10. King Crimson, THRAX
11. Bananarama, 	ULTRA VIOLET
12. Madredeus, 	AINDA
13. Merchant, Natalie, TIGERLILY
14. McKennitt, Loreena, A WINTER GARDEN
15. Usmanova, Yulduz, JANNONA
16. Smith, Kendra,  FIVE WAYS OF DISAPPEARING 
17. Bandit queen, 	HORMONE HOTEL
18. Baka beyond, 	THE MEETING POOL
19. Jones, Marnie, 	JOURNEYS
20. Levellers, 	ZEITGEIST
21. Atlas, Natacha, 	DIASPORA
22. Kari, 		DEMO RECORDINGS
23. St. John, Kate, 	INDESCRIBABLE NIGHT
24. Red Hot Chili Peppers, ONE HOT MINUTE 

--------->META-CLASSIFICA DI ELEPHANT TALK<-----------------
Legenda sigle: RI=Riccardo Ridi      IA=Iacopo Iandelli       GI=Gianni Galeota
M=Melody Maker            	N=New Musical Express
M/=Lettori del Melody Maker      N/=Lettori del New Musical Express
SE=Select          JJ=Mojo
RU=Rumore           R=Rockerilla         RK=Rockstar           #=Musica!

I dieci album di gran lunga piu’ votati sono stati:
						RI-IA-GI-M-N-M/-N/-SE-JJ-RU-R-RK-#
1.	Tricky		MAXINQUAYE	17-17-00-01-01-07-09-03-03-04-09-34-01
2.	Oasis		MORNING GLORY?	23-03-00-03-02-01-02-02-04-00-01-34-10
3.	Radiohead	THE BENDS		05-14-00-06-04-02-04-04-01-00-11-34-00
4.	Black Grape	IT'S GREAT WHEN	04-25-00-04-03-05-06-05-00-00-16-00-00
5.	Pulp		DIFFERENT CLASS	00-09-00-01-07-04-03-01-00-00-16-00-00
6.	Supergrass	I SHOULD COCO	16-07-00-07-06-06-01-00-00-00-04-00-00
7.	Blur		THE GREAT ESCAPE	00-33-00-10-09-03-05-00-00-00-10-34-10
8.	Harvey,PJ	TO BRING YOU...	00-15-00-09-08-00-00-00-05-01-02-34-10
9.	Tindersticks	TINDERSTICKS [II]	02-01-00-05-13-09-00-00-00-00-16-00-10
10.	Smas. Pump.	MELLON COLLIE	01-04-00-00-38-00-00-00-00-01-05-34-00

Seguono, con almeno due segnalazioni a testa:

11.	Cardigans	LIFE			27-05-02-43-32-00-00-00-00-00-00-00-00
12.	Goldie		TIMELESS		00-00-00-08-10-00-00-00-00-05-12-00-10
13.	Foo Fighters	FOO FIGHTERS	00-00-00-26-12-00-00-00-00-00-07-34-10
14.	Gene		OLYMPIAN		00-12-00-23-00-00-00-00-00-00-16-34-10
15.	Boo Radleys	WAKE UP!		15-18-00-19-14-00-00-00-00-00-00-00-00
16.	Elastica	ELASTICA		25-00-00-21-11-10-00-00-00-00-00-00-10
17.	Weller,Paul	STANLEY ROAD	00-32-00-00-25-00-08-00-00-00-00-34-00
18.	Verve		A NORTHERN SOUL	00-00-00-29-17-00-10-00-00-00-15-00-00
19.	Björk		POST			00-23-00-48-35-00-00-00-00-00-00-34-10
20.	Whale		WE CARE		18-34-00-34-46-00-00-00-00-00-00-00-00
21.	Bowie,David	OUTSIDE		07-02-00-00-00-00-00-00-00-00-00-34-10
22.	Drugstore	DRUGSTORE		06-11-00-14-00-00-00-00-00-00-00-00-00
23.	Garbage	GARBAGE		00-00-00-18-19-00-00-00-00-00-00-34-00
24.	Charlatans	THE CHARLATANS	00-00-00-15-18-08-07-00-00-00-00-00-00
25.	King Crimson	THRAK		20-16-10-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
26.	Leftfield	LEFTISM		00-00-00-13-28-00-00-00-00-07-00-00-10
27.	Red Hot Ch.P.	ONE HOT MINUTE	28-00-24-00-00-00-00-00-00-00-00-34-10
28.	Young,Neil	MIRROR BALL	00-00-00-00-41-00-00-00-00-00-16-34-07
29.	Pavement	WOWEE ZOWEE	11-00-00-39-16-00-00-00-00-00-00-00-00
30.	Dubstar	DISGRACEFUL	00-00-05-24-47-00-00-00-00-00-00-00-00
31.	Skunk Anans.	PARANOID...		30-00-00-00-00-00-00-00-00-00-16-34-00
32.	Cast		ALL CHANGE	24-26-00-33-00-00-00-00-00-00-00-00-00
33.	Teenage Fan.	GRAND PRIX		00-00-00-00-05-00-00-00-02-00-00-00-00
34.	Mojave 3 	ASK ME TOMORROW 03-06-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
35.	Lavelle,Carol.	SPIRIT		09-00-03-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
36.	Mad Season	ABOVE		00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-16-34-00
37.	Orb		ORBUS TERR.	00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-16-34-00
38.	Cope,Julian	20 MOTHERS		08-10-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
39.	Scott,Mike	BRING'EM ALL IN	22-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-34-10
40.	Primus		TALES FR. PUNCH	00-00-00-00-00-00-00-00-00-07-00-00-10
41.	Morphine	YES			10-13-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
42.	Deftones	ANDRENALINE	00-00-00-00-00-00-00-00-00-07-16-00-00
43.	Prince		THE GOLD EXP.	29-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-34-00
44.	Sonic Youth	WASHING MACHINE 00-00-00-00-31-00-00-00-00-00-00-34-00
45.	Pizzicato 5 	SOUND OF MUSIC	13-19-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00-00
46.	Earth 18	BUTTERFLY		00-22-00-00-00-00-00-00-00-00-16-00-00
47.	Springsteen,B.	GHOST OF TOMJ.	00-00-08-00-00-00-00-00-00-00-00-34-05
48.	Atlas,Natacha	DIASPORA		00-24-21-00-00-00-00-00-00-00-00-00-10
49.	Whipping Boy	HEARTWORM	00-00-00-31-00-00-00-00-00-00-14-00-00
50.	Chemical Br.	EXIT PLANET DUST	00-00-00-36-20-00-00-00-00-00-00-00-00
51.	Urge Overkill	EXIT THE DRAGON	00-00-00-38-21-00-00-00-00-00-00-00-00
52.	Baby Bird	BAD SHAVE/I WAS B.00-00-00-27-39-00-00-00-00-00-00-00-00
53.	Menswear	NUISANCE		00-21-00-49-00-00-00-00-00-00-00-00-00
54.	Genius/GZA	LIQUID SWORDS	00-00-00-42-30-00-00-00-00-00-00-00-10
55.	Palace Music	VIVA LAST BLUES	00-00-00-30-50-00-00-00-00-00-00-00-00

------------------------------------------------------------------------------
----------------------CLASSIFICA 1995 SINGOLI----------------------
------------------------------------------------------------------------------

------------>RICCARDO RIDI<-------------
1.	Moby & Mimi Goese  Into The Blue 
2.	Passengers		Miss Sarajevo
3.	Puressence		I Suppose
4.	Dubstar		Stars
5.	Cocteau Twins	Twinlights
6.	Alliance Ethnik	Respect
7.	A. Lane & N. Cave	I Love You... Nor I Do
8.	Verve 		History
9.	Shamen		Destination Eschaton
10.	Jesus & Mary Chain I Hate Rock'N'Roll 

-->GIANNI GALEOTA<--
1. Prince, Gold
2. Madonna, I want you
3. Cardigans, Carnival
4. TLC, Waterfall
5. Shaggy, Boombastic
6. Weller, Paul, You do something to me
7. Mike and the mechanics, Another cup of coffee 
8. Brisebois, Danielle, What if God fell from the sky 
9. Faithfull & Badalamenti, Bored by dreams 
10. Sleeper, Inbetweener
11. Enya, Anywhere is

------>IACOPO IANDELLI<---------
1: Oasis: Wanderwall
2: Moby & Mimi Goese: Into the Blue
3: Saint Etienne: He’s on the Phone

--->META-CLASSIFICA DI ELEPHANT TALK<----
Legenda sigle: RI=Riccardo Ridi      IA=Iacopo Iandelli       GI=Gianni Galeota
M=Melody Maker            	N=New Musical Express
M/=Lettori del Melody Maker      N/=Lettori del New Musical Express
R=Rockerilla 

I singoli che hanno ricevuto almeno due voti sono stati:
						RI-IA-GI-M-N-M/-N/-R
1.	Oasis		Wanderwall		00-01-00-06-06-01-02-00
2.	Oasis		Some Might Say	00-00-00-03-04-03-05-12
3.	Supergrass	Alright			00-00-00-02-02-06-04-00
4.	Pulp		Common People	00-00-00-01-08-02-03-00
5.	McAlm+Butler	Yes			00-00-00-04-07-10-10-00
6.	Verve		History		08-00-00-36-15-08-00-00
7.	Black Grape	Reverend Black Gr.	00-00-00-11-01-00-09-00
8.	Ash		Girl from Mars		00-00-00-00-18-00-01-05
9.	TLC		Waterfalls		00-00-04-18-10-00-00-00
10.	Blur		The Universal		00-00-00-23-09-00-08-00
11.	Bluetones	Bluetonic		00-00-00-13-20-09-00-00
12.	Radiohead	Lucky			00-00-00-14-48-00-07-00
13.	Moby+M.Goese Into The Blue 		01-02-00-00-00-00-00-00
14.	Pulp		Sorted for E		00-00-00-00-03-00-06-00
15.	Pulp		Mis-Shapes		00-00-00-07-00-06-00-00
16.	Tricky		Black Steel		00-00-00-05-11-00-00-00
17.	Boo Radleys	Wake Up, Boo!	00-00-00-08-12-00-00-00
18.	Saint Etienne	He's On The Phone	00-03-00-17-00-00-00-00
19.	Dubstar	Stars			04-00-00-20-00-00-00-00
20.	Blur		Country House		00-00-00-00-22-05-00-00
21.	Cardigans	Carnival		00-00-03-00-32-00-00-00
22.	Coolio		Gangsta's Par.		00-00-00-25-13-00-00-00
23.	Radiohead	Fake Plastic Trees	00-00-00-15-23-00-00-00
24.	Passengers	Miss Sarajevo		02-00-00-00-37-00-00-00
25.	Sleeper	In Betweener		00-00-10-39-00-00-00-00
26.	Cave &  Minogue Wild Roses..		00-00-00-16-27-00-00-00
27.	Morissette,A.	You Oughtta Know	00-00-00-21-30-00-00-00
28.	Harvey,PJ	Down By Water	00-00-00-12-41-00-00-00
29.	Stone Roses	Ten St.Love Songs	00-00-00-32-21-00-00-00
30.	Black Grape	In The Name of...	00-00-00-30-31-00-00-00
31.	Take That	Back for Good		00-00-00-44-47-00-00-00
32.	Shaggy	Boombastic		00-00-00-38-00-00-00-00

Garbage, Foo Fighters,Gorky's Zygotic Mynci e Method Man hanno ricevuto piu’ voti, 
ma dispersi fra due o tre singoli

------------------------------------------------------------------------------
-----------------CLASSIFICA 1995 ALBUM ITALIANI---------------
------------------------------------------------------------------------------

RR: 1: Alesini & Andreoni MARCO POLO

II: 1: Almamegretta, 2: Alesini & Andreoni, 3: Voci Atroci

GG:  1: Battiato, Franco,  2: Troubaires de Coumboscuro, A TOUN SOULEI 
3: Sepe, Daniele, SPIRITUS MUNDI      4: Almamegretta, SANACORE 1995
5: Piva dal Carner, LA PEGRA A LA MATEINA LA BELA... 

RUMORE: 1: Almamegretta, 2: Casino Royale

ROCKERILLA: 1: Daniele Sepe, 2: Almamegretta, 
3: Casino Royale, 4: La Crus, 5: Umberto Palazzo, 6: Uzeda
7: Paul Chain, 8: Lula, 9: Africa Unite, 10: Massimo Volume

ROCKSTAR: Ex Aequo: Almamegretta, Casino Royale,
Blue Vertigo, Ligabue, Modena City Ramblers, Daniele Silvestri

MUSICA!: 1: Almamegretta, poi ex aequo: Afterhours,
Avion Travel, Casino Royale, Daniele Sepe, Lou X

META-CLASSIFICA DI ELEPHANT TALK:
1: Almamegretta SANACORE
2: Casino Royale SEMPRE PIU’ VICINI

------------------------------------------------------------------------------
------------------------CLASSIFICHE 1995 VARIE---------------------
------------------------------------------------------------------------------

---> RICCARDO RIDI <-------

Compilation: 		HELP [WAR CHILD FOR BOSNIA]
Album strumentale: 	Brian Eno & Jah Wobble: SPINNER
Album jazz: 		Surman, Krog, Rypdal & Storaas: 
				NORDIC QUARTET
Singolo italiano:		Alma Megretta & Massive Attack   
				Karmacoma (napoli trip)
Cover: 			Cure:	Young Americans (Bowie)
Rivelazione:		Drugstore
Promessa: 			Goya Dress	
Voce maschile:		Stuart Stapleton (Tindersticks)
Voce femminile:		Rachel Goswell (Slowdive, Mojave 3)
Copertina: 		Leftfield	LEFTISM
Delusione: 		Spiritualized	PURE PHASE

Scoperte tardive 1990-1993

Beats International		LET THEM EAT BINGO (90)
Poi Dog Pondering		VOLO VOLO (92)			
Twenty Fifth of May	LENIN & McCARTHY (92)
Lanegan,Mark		WHISKEY FOR THE HOLY GHOST (93)
Ndegé Ocello,Me'Shell	PLANTATION LULLABIES (93)
Sebadoh			BUBBLE & SCRAPE (93)

				Scoperte tardive 1994

Catchers		MUTE     
Chandeen		SHADED BY THE LEAVES
Freakpower		DRIVE THRU BOOTY
Karklins,Ingrid	ANIMA MUNDI
Kinky Machine	BENT
Pizzicato Five	MADE IN USA
Satchel		EDC
Sebadoh		BAKESALE
Shampoo		WE ARE SHAMPOO
Smashing Pumpkins PISCES ISCARIOT
Soul Coughing	RUBY VROOM
These Animal Men	(COME ON, JOIN) THE HIGH SOCIETY
Veruca Salt		AMERICAN THIGHS
Wolfgang Press	FUNKY LITTLE DEMONS
Zazou,Hector	CHANSONS DES MERS FROIDES

---------------> GIANNI GALEOTA <-------------------

Video:
1) Bowie, David, Love filthy lesson
2) Madonna, Bedtime story
3) Red Hot Chili Peppers, My friends

Voce femminile:
1) Lavelle, Caroline
2) Craig, Sara
3) Bjork
4) Nova, Heather
5) Bettens, Sarah (K's choice)
6) Persson, Nina (Cardigans)
7) Salgueiro, Teresa (Madredeus)
8) Osborne, Joan

Voce maschile:
1) Mercury, Freddie
2) Lennon, John
3) Bono
4) Stapleton, Stuart (Tindersticks)
5) Springsteen, Bruce
6) Costello, Elvis
7) Murphy, Peter
8) Thom E. Yorke (Radiohead)

Colonna sonora:
1) CLOCKERS
2) ROB ROY

Compilation:
1) HEAVENLY VOICES III
2) CELTIC VOICES

Copertina: Cope, Julian, 20 MOTHERS

Cover dichiarata: Duran Duran, Perfect day

Cover non dichiarata: Faithfull & Badalamenti, She

Migliore collaborazione: Costello & Frisell, DEEP DEAD BLUE

Peggiore collaborazione:
1) Chieftains & O'Connor, Foggy Dew
2) Pavarotti & Passengers, Miss Sarajevo 

Deusione: Lennox, Annie, MEDUSA

Esordio:
1) Lavelle, Caroline, SPIRIT
2) Craig, Sara, SWEET EXHAUST

Scoperte tardive:
1) Karklins, Ingrid, ANIMA MUNDI (1994)
2) Noa, NOA (1994)
3) McKennitt, Loreena, PARALLEL DREAMS (1989) 
4) Varttina, AITARA (1994)
5) Nightnoise, SHADOW OF TIME (1993)
6) Relativity , GATHERING PACE (1987)
7) Bragg, Billy, DON'T TRY THIS AT HOME (1991) 
8) Colour of memory, THE OLD MAN & THEA SEA (1994) 
9) Shampoo, WE ARE SHAMPOO (1994) 
10) Zazou, Hector, CHANSONS DES MERS FROIDES (1994) 
11) Ivy [USA], REALISTIC (1994) 
12) Chandeen, SHADED BY THE LEAVES (1994) 

Premio "deja vu" ex-aequo:
Oasis, MORNING GLORY?
Blur, THE GREAT ESCAPE

Premio "faccione":
Jarvis Cocker (Pulp)

Singoli italiani:
1) Daniele, Pino, Io per lei
2) Battiato, Franco, L'ombrello e la macchina da cucire 3) Bersani, Samuele, Spaccacuore
4) Almamegretta, Nun te scurda'
5) Ligabue, Certe notti

Esordio italiano:
1) Montaluna, MONTALUNA
2) Neri per caso, LE RAGAZZE

Voce femminile italiana:
1) Grandi, Irene
2) Camilla

Voce maschile italiana:
1) Raiss (Almamegretta)
2) Bersani, Samuele

Scoperte tardive italiane:
1) Mau mau, SAUTA RABEL (1992)
2) Agricantus, GNANZU' (1993

Compilation italiane: MATERIALE RESISTENTE (1945-1995)

------------------------------------------------------------------------------ROB ROY ovvero QUANDO IL FOLK DIVENTA MITO
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 9) by Gianni Galeota

Forse non tutti hanno visto "Rob Roy", la scorsa stagione campione di incassi nei migliori (?!) cinema, ed ora uscito anche in cassetta. Suppongo di no. Comunque non si sono persi molto. 

Si', e' vero, c'e' l'atletico Liam Neeson che esce nudo e gocciolante dalle acque di un bel laghetto scozzese, per tuffarsi tra le braccia di un'allupatissima Jessica Lange sotto le lenzuola; c'e' Faccia-Da-Impunito Tim Roth (il delinquentello biondo di Pulp Fiction) che esplora da par suo gli abissi della crudelta' umana; c'e' un bello sfoggio di costumi d'epoca, di uniformi, di kilt, di ragazzotti scamiciati, di taverne, di birre; c'e' una fotografia ben patinata, fierezze celtiche, meschinita' da Inglesi, tradimenti, corse, salti nel fiume, duelli, e tanti buoni sentimenti. 

Pero' in fondo lo spettacolo non e' imperdibile. 

Quello che ci preme invece segnalare e' la colonna sonora, frutto della collaborazione di alcuni degli artisti piu' validi dell'asse panceltico Scozia-Irlanda. Tra tutti un nome: Capercaillie. 

Il percorso dei Capercaillie e' per certi versi analogo a quello dei Clannad. (In tutti e due c'e' lo zampino di Donal Lunny). Un inizio molto revival, armamentario acustico e repertorio tradizionale scozzese, equamente distribuito tra ballate e strumentali da ballo, poi la graduale contaminazione con il pop. Mentre i Clannad hanno sposato un sinfonismo jazz con possibili divagazioni new age, i Capercaillie hanno scelto il ritmo. La loro musica, informa una nota di copertina, non e' ne' rock, ne' folk, ne' new age. E' piuttosto un'energica contaminazione di fling (danza scozzese) e funk.

Sono i primi, ed unici finora nel pur eclettico mondo del folk, ad incidere versioni remix dei loro brani. Dopo "Delirium" del 1991 esce "Get Out", tutto di brani live e/o rimodellati in sala di incisione. Nel 1994 incontrano Will Mowat (collaboratore dei Soul II Soul), e dall'incontro nasce l'ineffabile "Capercaillie", una sorta di rilettura techno-soul-folk dell'album precedente, "Secret People".

Eravamo in molti ad aspettare da allora nuovo materiale dei Capercaillie. In tema con il film come ogni colonna sonora che si rispetti, si presentano con 6 brani (di cui 4 attribuiti alla sola vocalist Karen Matheson), tutti molto rispettosi della tradizione. Tra tutti si distingue la superba "Morag's Lament", aria intonata da Karen in stato di grazia. 

(Parentesi per chi ha visto il film: avete presente quel lungo drammatico inseguimento nel bosco, che le note dolenti di Karen non fanno certo intuire a lieto fine?)

Il resto del soundtrack e' materiale composto per orchestra da Carter Burwell. Come "music consultant" compare il nome di Bill Whelan, che forse qualcuno ricordera' di avere incontrato sulle pagine di ET dedicate all'etichetta irlandese "Celtic Hearbeat". Ma non e' tutto. 

Assai gradita e' in questi brani la presenza di solisti d'eccezione. Uno e' Davy Spillane, giovinotto riccioluto che sa dare alla uillean pipe il timbro della voce umana, con in piu' una certa disumanita' che non guasta. Venuto su nei Moving Hearts di Lunny & C., ha fatto propria negli album da solista la lezione di new-wave-folk che tanto ha rinfrescato il repertorio tradizionale. Qualcuno mi suggersice di ricordare anche le collaborazioni con Costello, Van Morrison, Kate Bush, Maire Brennan, ecc. Nei titoli di coda viene definito consulente di pipes, nel senso delle cornamuse, sia scozzesi che irlandesi.

Un altro e' Tommy Hayes, membro degli Stockton's Wing e degli Altan, attuale gruppo di punta del nuovo folk irlandese. Non vi nascondiamo che ci piacerebbe approfondire la conoscenza di Miriam Stockley, voce disperata che ogni tanto affiora tra le pieghe del disco. Come per Whelan, anche per la splendida violinista Maire Breatnach ci siamo gia' entusiasticamente espressi qualche numero fa, a proposito di "Celtic Heartbeat". 

Insomma, se vi siete persi il film, poco male. Potete sempre rifarvi con il soundtrack. Potrebbe valerne la pena.

====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 19=====

  ===============
  ELEPHANT TALK 
  ===============
fanzine elettronica musicale
di Riccardo Ridi (ridi@sns.it)
numero 20 (26 Febbraio 1996)

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ROBERT JOHNSON: THE KING OF THE DELTA BLUES 
(Cheap thrills: 1) by Marco Centofanti

Il disco di questa puntata e': Robert Johnson - The complete recordings - (Columbia). Tutti i titoli seguiti da asterisco (*) sono disponibili in edizione economica.

Esiste un luogo di culto nella storia della musica moderna in cui, in tempi diversi, artisti tra loro eterogenei come i Rolling Stones ed il Kronos Quartet, Eric Clapton e i Red Hot Chili Peppers, i Led Zeppelin e i Blues Brothers, solo per nominarne alcuni a caso, si sono dati appuntamento. Tutti questi si sono recati in ideale pellegrinaggio ad un crocicchio maledetto per suonare canzoni scritte da Robert Johnson, il Re del Delta Blues, ed e' li' che noi ci dirigiamo in questa particolare puntata di Cheap Thrills.

Immaginiamo la inevitabile domanda: "Perche parlare oggi di un bluesman morto quasi 60 anni or sono, che nella sua carriera ha inciso solo 29 canzoni?". Facile: perche' ascoltare "quei" brani e' un viatico indispensabile per ogni appassionato di musica moderna che abbia il desiderio di capire da dove arrivano certi suoni, un certo uso del testo, l'attitudine maledetta e stradaiola del rock... Insomma, il senso c'e' eccome, e' quello di scoprire le radici della musica che si ama.

Una premessa necessaria: non si creda che si tratti di musica per tutti quella che vi proponiamo, non c'e' da ballare, non ci sono cori da stadio da intonare ne' assoli da mimare con la racchetta da tennis. Queste sono note bellissime e complete di per se', difficili inizialmente, saremmo ipocriti a nasconderlo, ma formidabili se avrete la voglia di ascoltarle con paziente attenzione, meglio se seguendo i testi riportati nel booklet contenuto nel cofanetto di 2 CD "Robert Johnson - The complete recordings"(*).

Per confermare quanto detto, riportiamo alcuni stralci di interviste tratte dal supplemento del Febbraio 1992 di Mucchio Selvaggio 169 e Chitarre 71, e dal booklet succitato.
- E.Clapton: "Pubblicarono questo disco (King of  the Delta Blues singers Vol.1) [...] era veramente troppo duro, troppo tempestoso da ascoltare [...]  dopo 6 mesi ci riprovai. Mi prese completamente. [...]  50 anni dopo, generazioni di giovani musicisti stanno ancora suonando quello che lui ha creato, senza neanche saperlo."
- K. Richards: "B. Jones aveva il primo disco [...]  quando lo mise su
dissi: Chi e' ? Rispose: Robert Johnson. E io: Si', ma chi e' l'altro che
suona con lui ? Perche' io sentivo 2 chitarre! [...]  Se gli avessero dato una chitarra elettrica e una batteria di sottofondo sarebbe stato rock'n'roll."

La vita di Robert Johnson e' stata a lungo avvolta da un alone di mistero che ha contribuito ad alimentare leggende che lui stesso aveva diffuso; oggi, dopo anni di studi sappiamo qualcosa di piu': nasce ad Hazlehurst, Mississippi, nel Maggio del 1911 e trascorre l'adolescenza a Robinsonville, un villaggio cotonifero nel Delta; inizia a frequentare il blues nei juke-joints, i locali dove si serviva illegalmente l'alcol e si ascoltava la musica, e si invaghisce dei bluesman Charley Patton e Son House. La moglie sedicenne muore di parto e dopo questo evento traumatico R.J. torna al paese natio per dedicarsi completamente alla musica, si perfeziona con accanimento, pare istruito da Ike Zinnerman, e quando torna nel Delta e' ormai pronto a sbaragliare gli antichi maestri.

Da quel momento inizia un girovagare frenetico che lo condurra', tra le altre citta', a Chicago, Detroit, New York. Incide le sue canzoni tra il 1936 e il 1937. Muore a Greenwood una sera dell'Agosto del 1938, probabilmente avvelenato dal whisky servitogli dal proprietario del locale in cui stava suonando, geloso delle cure che sua moglie pareva prendersi per quel chitarrista.

Fino qui la storia verosimile, ma le molte leggende sono indubbiamente piu' affascinanti: in sintesi R.J. sarebbe stato un modesto bluesman che, dopo essere sparito per qualche tempo, sarebbe tornato divenuto il piu' bravo di tutti, grazie ad un patto stretto col diavolo presso un crocicchio, e la sua morte sarebbe stata il momento di "riscossione" del contratto.

I suoi sono blues di abbandoni, di demoni, di sesso, di viaggio, di solitudine... Eccone qualcuno: gia' nella prima take di "Kindhearted woman blues" la voce emana presagi di un Presley a venire quando si abbassa improvvisa nel passaggio "I love my babe, oooh", ed e' puro rock'n'roll la frase "A-aint but the one thing makes Mister Johnson drink".

"Sweet home Chicago" e' l'inno all'irrequietezza, al vagabondaggio, e
mentre la ritmicita' della chitarra echeggia un treno in corsa, la voce e' inusualmente gioiosa. E' uno dei pochi episodi spensierati, il piu' divertente dei quali e' "They're red hot" nel quale la chitarra e' piu' folkeggiante e il testo un caleidoscopio di allusioni sessuali.

Il capolavoro della musica di R.J. e' "Crossroad blues", il romanzo della sua vita fatto canzone; R.J., disperato, canta "Sono andato al crocicchio, sono caduto in ginocchio e ho chiesto al Signore: Ti prego abbi pieta' e salva il povero Bob se puoi"; la voce grida, recupera nella strofa successiva fino a devastarsi ancora quando e' il momento di rinominare il "crossroad".

In "Me and the devil blues" tornano il rapporto col diavolo e il contrasto con la donna: "Stamattina presto hai bussato alla mia porta e ho detto: Ciao Satana, credo sia ora di andare. Io e il diavolo camminavamo fianco a fianco, picchiero' la mia donna fino a che saro' soddisfatto", ma poi, quasi in chiusura del secondo CD ecco la delicata poesia di "Love in vain", la voce e' dolce e melodiosa come mai: "Quando il treno si e' avvicinato alla stazione e l'ho guardata negli occhi, beh, mi sono sentito cosi' solo da non poter fare a meno di piangere. Tutto il mio amore e' vano".

Ma ogni canzone e' straordinaria, ne abbiamo tralasciate di famosissime; ascoltate questo box, apprezzate la cura nella scelta delle parole, la modernita' del suono, divertitevi a rintracciare riferimenti ed interi brani che credevate scritti da altri autori ben piu' recenti e noti...

Spegnete i monitor ed inchinatevi all'arte del Re del Delta Blues.

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SYMPHONIC FOLK ovvero PINGUINI & LEPRECANI
(Oltre il folk: percorsi esemplari: 10) by Gianni Galeota

I boschi delle Wicklow Mountains fanno strani scherzi. Ogni tanto succede che una troupe ci vada a girare un film, come ad esempio "Excalibur", con la mano che esce dal lago stringendo la Spada di Re Artu'. Ogni tanto si levano strane grida, che rimbalzano nelle notti di vento fino al Connemara, strisciando magari sul tavolato roccioso del Burren, a picco sull'Oceano.

Ogni tanto, se ci si ferma ad ascoltare, si hanno delle sorprese niente male. Si sentono voci strane. Qualcuno mi dira': sono i soliti Leprecani, ci stanno di casa, qui. Oppure sono i Pooka, folletti dispettosi, o le Banshees che annunciano la morte. Macche', ascoltiamo bene. C'e' qualcun altro con loro.

Possono sembrare fuori posto, anche goffi. Con il frack dirigono l'orchestra, impettiti come sempre. I Pinguini ballano in cerchio con i Leprecani, imparano i passi piu' difficili del reel.
Se sono in vena, magari dopo un boccale di troppo, infilano il becco nella canna di una uillean pipe e soffiano con tutta l'aria che hanno in corpo. 

Ed i mostriciattoli del bosco ricambiano la cortesia. Imparano a memoria il melodramma dell'Ottocento, fischiettano Mozart come nulla fosse, cantano Chopin a squarciagola, strimpellano Satie con le dita callose dei piedi. 

Qualcuno dalle case vicine ascolta attento. Ha le finestre aperte, e li sente ogni notte. I musicisti hanno il cuore sensibile, si sa, dentro c'entra di tutto. Proprio come da una finestra.
Hanno orecchie grandi, grandi occhi, e dita che scavano profondo. 

Da un po' di tempo succede.

Da almeno una ventina di anni, quando nel calderone in subbuglio dei settanta, con un piede sul progressive, l'altro sul folk, e tutte e due le mani sul pianoforte a coda, qualcuno comincio' a dare voce a quei Pinguini. Forse primi furono i Renaissance (o secondi, terzi... ma che importa?), che le finestre ce le avevano proprio vicine al bosco. Provarono a farcire le ballate stile folk con archi, suite sinfoniche, violini, spolverando il tutto con fraseggi rock.
Forse un po' stucchevoli, ma sicuramente originali. Con loro, da case vicine, si fecero sentire gruppi progressive come Magna Charta, Trader Horn, Strawbs, ed altri (piu' genuinamente rock-oriented), che vedevano nel symphonic folk un'occasione per allargare ulteriormente gli orizzonti.

E se e' vero che per quasi tutti gli ottanta queste formule sono state liquidate come "roba da dinosauri", e' altrettanto vero che ora saltano fuori, non piu' come sofisticata complicazione del rock, ma come arricchimento del folk. Non e' un caso che i nomi di oggi siano tutti di estrazione revivalistica. Fra tutti voglio citare il trio meno trio della storia, e cioe' Shaun Davey, Rita Connolly, e Liam O'Flynn, che suonano reciprocamente nei loro album. Tre discografie parallele che mi piace concepire come una cosa sola, una e trina. Shaun Davey
e' la mente pensante, arrangiatore di traditionals per orchestra, Rita Connolly la voce, Liam O'Flynn la uillean pipe (qualcuno ha presente la cornamusa in "Jig Of Life" di Kate Bush, o "The Sun In The Stream" di Enya? E' la sua). 

C'e' poi il trio di voci femminili Dordan, creature della brughiera piu' delle sorelle Bronte, che amano cantare musica barocca come fosse folk e viceversa. E poi ci sono gli Anuna, ensemble irlandese di fanciulle e giovanotti dediti a suggestivi cori che definiremmo Gregorian-Folk.

Ci sono le colonne sonore (non sottovalutiamo i soundtracks, sono indicatori utili!) di "Last Of The Mohicans", "Rob Roy", "Braveheart", dove i temi del film sono eseguiti da orchestra con solisti presi dal circuito folk, a volte anche composti da veterani del folk revival ("Last Of The Mohicans" e' firmata da Johhny Cunningham, ex-Silly Wizard, ex-Relativity). 

Ultima non ultima vorrei citare Enya, da qualche tempo negli espositori dei negozi con il suo ultimo "The Memory Of Trees". Gelida e impassibile. 

Sporgendosi appena dal suo trono di ghiaccio ci dice che si e' fatto tardi. E' quasi l'alba, e c'e' uno strano silenzio intorno. Stanchi di ballo ed ubriachi di bagordi, Pinguini e Leprecani se ne vanno a riposare. Potreste giurarci: vanno a dormire nella stessa grotta. 

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RI-CLASSIFICHE ‘95

Arrivano i ritardatari. Ulteriori classifiche, che non rifondo (per mera pigrizia) nella metaclassifica di ET, ma che - a occhio e croce - non dovrebbero stravolgerla, se non facendo salire oltre l’attuale decima posizione gli Smashing Pumpkins (che, sulla scia di quei Genesis che molti includono fra i loro numi tutelari, sembrano riscuotere piu’ successo in Italia che in USA e UK) e spodestando dalla prima posizione Tricky, di cui la stampa inglese si e’ letteralmente infatuata.
Fra le glorie seminuove, vecchie e vecchissime qualche posizione dovrebbero risalirla rispettivamente anche Red Hot Chili Peppers, Paul Weller e Neil Young.

LETTORI DI ROCKSTAR: ALBUM STRANIERI
1: Smashing Pumpkins
2: Red Hot Chili Peppers
3: Radiohead
4: Green Day
5: Foo Fighters
6: David Bowie
7: Neil Young
8: Paul Weller
9: Queen
10: Rolling Stones

LETTORI DI ROCKSTAR: SINGOLI STRANIERI
1: Passengers
2: Oasis--> Wanderwall
3: Red Hot Chili Peppers --> My Friends
4: Radiohead --> High & Dry
5: Soul Asylum --> Misery
6: Smashing Pumpkins --> Bullet...
7: Everything but the girl --> Missing (remix)
8: Queen --> Heaven..
9: Connells --> 74/75
10: Green Day --> Stuck With Me

LETTORI DI ROCKSTAR: ALBUM ITALIANI
1: Ligabue
2: Timoria
3: Litfiba
4: Casino Royale
5: Zucchero
6: Grignani
7: Daniele
8: Almamegretta
9: Negrita
10: Silvestri

MUCCHIO SELVAGGIO: ALBUM STRANIERI 
EX AEQUO
Boss Hog
Elvis Costello
Steve Earle
Joe Ely
Ben Harper
PJ Harvey
Mad Season
Gary Moore
Oasis
Rancid
Red Hot Chili Peppers
Rolling Stones
Smashing Pumpkins
Bruce Springsteen
Terrell
Urge Overkill
Paul Weller
Neil Young

MUCCHIO SELVAGGIO: ALBUM STRANIERI ESORDIENTI
EX AEQUO
Amps
Big Sugar
Blue Montain
Earth 18
Paul Ellis
A.J. Croce
Gov’t Mule
Keziah Jones
K’s Choice
Mojave 3
John Mohead
Popa Chubby
Possum Dixon
Kevin Salem
Self
K.W.Shepard
Skunk Anansie
Tarnation
Wilco

MUCCHIO SELVAGGIO: ALBUM ITALIANI
EX AEQUO
Africa Unite
Afterhours
Alesini & Andreoni
Almamegretta
Avion Travel
Casino Royale
La Crus
Lou X
Fausto Rossi
Daniele Sepe
Ambrogio Sparagna
Yo Yo Mundi

KERRANG (UK): ALBUM
1: Foo Fighters
2: White Zombie
3: Fear Factory
4: Rancid
5: Therapy?
6: Garbage
7: Wildhearts
8: Smashing Pumpkins
9: Red Hot Chili Peppers
10: Reef

Q (UK): ALBUM
1: Oasis

WIRE (UK): ALBUM
1: Tricky

ROLLING STONE (USA): ALBUM
1: P.J.Harvey

BILLBOARD (USA): ALBUM
1: Alanis Morisette

SPIN (USA): ALBUM
1: Moby

THE SOURCE (USA): ALBUM
1: Method Man

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3 CANI & 200 ZAPPE 
del nostro nuovo collaboratore Marco Bazzoli

Della serie: dove andremo a finire? Dove finira' la nostra cultura, se nemmeno l'Enciclopedia Treccani e' affidabile strumento di conoscenza, fonte di informazioni precise? 

La prova? Prendete l'ultimo volume dell'ultimo aggiornamento (il quinto) che copre un periodo maggiore di quello dichiarato nel titolo (1979-1992). Alla voce “Zappa, Frank Vincent”, firmata da tal Giuseppe Tardiola, si trova nel giro di un colonna, una serie incredibile di errori e di imprecisioni. 

1) E' stato fatto morire con un mese di anticipo: 4 novembre 1993 invece che 4 dicembre 1993.

2) 4 degli album citati riportano una data di pubblicazione errata: 
“Lumpy Gravy” e' del 1967 e non 1968; “Weasels ripped my flesh” e' del 1970 e non del 1969; “The perfect stranger” e' del 1984 e non del 1983; “Ahead of their time” e' uscito nel 1993 e non postumo nel 1994! 

3) E' “Shut up 'n' play yer guitar” ad essere un triplo LP e non “Ship 
arriving too late...” che e' singolo!

4) Nella scarna bibliografia (che non cita la traduzione italiana del “Real Frank Zappa book” e che viene dichiarato: a cura di P. Occhiogrosso mentre e' by F. Zappa with P. Occhiogrosso), c'e' un piccolo errore di data del primo titolo citato (1970 invece che 1972) e soprattutto non viene citato il fondamentale “Frank Zappa: The Negative Dialectics of Poodle Play” by Ben Watson, published by Quartet 1993, ISBN 07043 70662, 597 pages.

  ====ELEPHANT=======TALK======fine del numero 20=====

   <---------------------------------------------------------->
   >---------------->  ELEPHANT TALK  <---------------< 
   <---------------------------------------------------------->
   fanzine elettronica musicale 
  <http://www.look.it/e-zine/elephant/elew.htm>
  diretta da Riccardo Ridi <mailto:ridi@sns.it>
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 Numero 21 (20 Marzo 1996)

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ELEPHANT WEB / RR

I piu’ fedeli fra i nostri lettori lo ricorderanno. Gia’ nel numero 9 dello scorso giugno ci domandavamo su queste pagine “a quando una home page www tutta per Elephant Talk?”. Dopo meno di un anno, grazie all’iniziativa di Marco Centofanti, che ha vinto le resistenze del titubante direttore trascinandolo nell’impresa, all’ospitalita’ del provider ligure “Virtual” e al contributo di Gianni Galeota e Iacopo Iandelli, il website di Elephant Talk esiste, si chiama Elephant Web e  potete fin d’ora visitarlo presso <http://www.look.it/e-zine/elephant/elew.htm>.

Per festeggiare l’avvenimento questo numero di ET e’ stato spedito in via eccezionale anche ad alcune persone che forse potrebbero essere interessate a ricevere i prossimi numeri, ma che ancora non si erano abbonate. Qui sotto trovate gli indici complessivi di tutti gli Elefanti gia’ usciti, con le istruzioni per abbonarsi, disdire l’abbonamento o ricevere i numeri arretrati. 

Date una occhiata a Elephant Web, abbonatevi e consigliate i vostri amici ad abbonarsi ad Elephant Talk, e soprattutto non esitate a scrivermi per qualsiasi suggerimento, critica o proposta di collaborazione.
 
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ELEPHANT TALK: INDICI N. 0-20 / RR

Questi sono gli indici dei primi 20 numeri (21 col numero zero) di Elephant Talk. Per ottenere gratuitamente via posta elettronica uno o piu’ numeri arretrati occorre inviare a <ridi@sns.it> un mail senza testo che abbia come soggetto <get ETx>, dove x indica il numero desiderato (ad esempio <get ET19>). 

Per abbonarsi, sempre gratuitamente, occorre invece inviare a <ridi@sns.it> un mail senza testo che abbia come soggetto <subscribe ET y>, dove y indica il vostro nome e cognome (ad esempio <subscribe ET Paolo Rossi>).

Per disdire, in qualsiasi momento, l’abbonamento, basta inviare a <ridi@sns.it> un mail senza testo che abbia come soggetto <unsubscribe ET y>, dove y indica il vostro nome e cognome (ad esempio <unsubscribe ET Paolo Rossi>).

Gli autori dei contributi sono stati, in ordine di apparizione: Riccardo Ridi (RR), Gianni Galeota (GG), Marco Centofanti (MC), Stefania Manzi (SM), Iacopo Iandelli (II), Marco Bazzoli (MB).

Numero 0 (7 Dicembre 1994)

[EDITORIALE] / [RR]
IL MEGLIO DEL ROCK 1994 / [RR] (prima selezione provvisoria) 

 Numero 1 (12 Dicembre 1994)

ISTRUZIONI PER L'USO / [RR]
A TUTTO FUNK / [RR] (Superfunk, Red Hot + Cool: Stolen Moments, Spearhead, Jamiroquai)
BIONDE / [RR] (Debbie Harry, Andy Warhol) 
RECENSIONI IN BRANDELLI [1] / [RR] (Veruca Salt, Bjork, System 7)
'94 TRENDS / [RR]

Numero 2 (9 Gennaio 1995)

INSAZIABILE / [RR] (Prince)
OCCASIONI SPRECATE / [RR] (Cristologia, Bono)
IL MEGLIO DEL ROCK 1994  / [RR] (edizione definitiva)

  Numero 3 (23 Gennaio 1995)

CREATO UN NUOVO POSTO DI LAVORO / [RR]
ESSERE CELTI OGGI : Radici e postmoderno  / GG
GAELICO E  POSTMODERNO / [RR] (Flann O'Brien)
ANCORA CLASSIFICHE / [RR]

Numero 4 (1 Febbraio 1995)

DONAL LUNNY ovvero LA POETICA DEL MOMENTO GIUSTO (Oltre il folk : percorsi esemplari: 1) / GG
NELLO E I SUOI NIPOTI / RR (Neil Young, Dinosaur Jr., Sebadoh, Buffalo Tom) 

Numero 5 (6 Marzo 1995)

FOLK & POPULAR : note d’uso / GG
POST-GRUNGE ? / [RR] (Brad, Pigeonhed, Satchel)
ULTIME CLASSIFICHE / [RR]

Numero 6 (10 Aprile 1995)

LANA CAPRINA ovvero NOTE SU ALCUNE DEFINIZIONI DI CUI SPESSO SI ABUSA / GG (uso dei termini: "single", "maxi-single", "extended play", "mix ",  "mini LP", "Q-disc") 
LOREENA McKENNITT ovvero IL RITORNO DEL CIGNO (Oltre il folk : percorsi esemplari: 2) / GG

Numero 7 (8 Maggio 1995)

VECCHI ELEFANTI / [RR] (King Crimson)
GIOVANI SCAMOSCIATI  / [RR] (Suede, Strangelove)
THE CHIEFTAINS ovvero CORTESIE DI OSPITI (Oltre il folk : percorsi esemplari: 3) / GG

Numero 8 (12 Giugno 1995)

RECENSIONI IN BRANDELLI [2] / [RR] (Freak Power, Tindersticks, Gainsbourg, Idaho, Guided By Voices, Kendra Smith, Drugstore)
ALAN STIVELL ovvero I SENTIERI DEL BIFRONTE (Oltre il folk : percorsi esemplari: 4) / GG

Numero 9 (26 Giugno 1995)

RECENSIONI IN BRANDELLI [3] / [RR] (Atlas, Kinky Machine, Batman Forever)
URLA DA AREZZO / [RR] (Arezzo Wave)
LA TERZA VIA : Per una rilettura del pop italiano dei Settanta (parte I) / GG                      

Numero 10 (25 Luglio 1995)

ESTREMI CRONOLOGICI DELLA NEW WAVE / [RR]
LA TERZA VIA : Per una rilettura del pop italiano dei Settanta (parte II) / GG                      
ULTIM'ORA (si fa per dire) / [RR] (Frankie Hi-Nrg Mc)

 Supplemento al Numero 10
ESTREMI CRONOLOGICI DELLA NEW WAVE : UNA REPLICA / MC

Numero 11 (11 Settembre 1995)

LE AFFINITA' ELETTRONICHE / SM (Web-based music recommending system)
CAROLINE LAVELLE ovvero DONNA E’ CELLO (Oltre il folk : percorsi esemplari: 5)  / GG
RECENSIONI IN BRANDELLI [4] / [RR] (Bandit Queen, Moby, Black Grape)

Numero 12 (4 Ottobre 1995)

NEW YORK VROOOOM / SM (Soul Coughing)
BANANARAMA FOREVER : un tributo / GG
DONNE DI MONDO ovvero TRE PASSI NELLA WORLD MUSIC AL FEMMINILE (Oltre il folk : percorsi esemplari: 6) / GG (Karklins, Varttina, Usmanova)

Numero 13 (23 Ottobre 1995)

RELATIVITY ovvero FRATELLI SI NASCE (Oltre il folk : percorsi esemplari: 7) / GG
RECENSIONI IN BRANDELLI [5] / RR (Smashing Pumpkins, Whale, Ruby, Prince, Dubstar)
BANANARA-TA CORRIGE : un atto dovuto / GG (Bananarama)

Numero 14 (7 Novembre 1995)

THE MAN WHO SOLD THE WORLD / MC (Bowie)
CELTIC HEARTBEAT ovvero CON UN CUORE GRANDE COSI’ (Oltre il folk : percorsi esemplari: 8) / GG

Numero 15 (13 Novembre 1995)

TANTI ELEFANTI / [RR] (Elephant Talk inglese)
SKIN o DELLA CLASSIFICAZIONE IMPOSSIBILE / SM (Skunk Anansie)
CADAVERI, CATASTROFISTI, BELLE GIOIE & IL SENSO DEL ROCK (parte I) / MC
THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte I) / RR (Bowie)

Numero 16 (27 Novembre 1995)

TO  BUSH  OR  NOT  TO  BUSH ovvero ALL’OMBRA DEL CESPUGLIO IN FIORE / GG (Kate Bush)
CADAVERI, CATASTROFISTI, BELLE GIOIE & IL SENSO DEL ROCK (parte II) / MC

Numero 17 (11 Dicembre 1995)

[PENSARE E’ CLASSIFICARE] / [RR]
IL CORAGGIO DELLA MELODIA : I Pooh di fronte alla storia / GG
CLASSIFICARE? PERCHE' NO? / lettera aperta di un lettore
THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte II) / RR (Bowie)
RECENSIONI IN BRANDELLI [6] / RR (Laswell & Thaemlitz, Mojave 3, Amps, Moloko, Cast, Menswear, Supergrass, Blur, Oasis, Kate St. John, Enya)

Numero 18 (18 Dicembre 1995)

SON TORNATE LE VIKINGHE : Un tuffo nell'immaginario italico vecchio e nuovo / GG (Abba, Ovelius, Nordenstam, Frente!, Cardigans, Tornqvist)
MADONNA ovvero SOMETHING TO REMEMBER / GG
POLEMICHE E CLASSIFICATORI (POLEMICI) / lettera aperta di una lettrice
THE MAN WHO BOUGHT THE WORLD (parte III) / RR (Bowie)

Numero 19 (19 Gennaio 1996)

CLASSIFICHE E META-CLASSIFICHE / RR, GG, II
ROB ROY ovvero QUANDO IL FOLK DIVENTA MITO (Oltre il folk : percorsi esemplari: 9) / GG (Capercaillie, Burwell, Whelan, Spillane, Hayes, Stockley,  Breatnach)

Numero 20 (26 Febbraio 1996)

ROBERT JOHNSON: THE KING OF THE DELTA BLUES (Cheap thrills: 1) / MC
SYMPHONIC FOLK ovvero PINGUINI & LEPRECANI (Oltre il folk : percorsi esemplari: 10) / GG (Renaissance, Magna Charta, Trader Horn, Strawbs, Davey, Connolly, O'Flynn, Dordan, Anuna, Cunningham, Enya)
RI-CLASSIFICHE / [RR]
3 CANI & 200 ZAPPE / MB (Zappa) 

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JAMES BROWN (Cheap thrills: 2) / Marco Centofanti

Il disco di questa puntata  e': James Brown - Live at the Apollo 1962 - (Polydor). Tutti i titoli seguiti da asterisco (*) sono disponibili in edizione economica.
 
Avete presente quel cantante sfiatato ed ultrasessantenne, dal cognome simile al colore della propria pelle, discretamente panciuto, con una ridicola parrucca corvina e un variopinto e pacchiano abbigliamento da clown?

Si', proprio quello che ogni tanto trascorre un po' di tempo in una piccola stanza con delle sbarre al posto della porta perche' ha malmenato la moglie o eluso un posto di blocco e sparato alla polizia, che in pieni anni '80 forniva la colonna sonora ad un capolavoro della cinematografia contemporanea del calibro di Rocky-non-ricordiamo-il-numero (ci pare quello dell'esilarante "Io ti spiezzo in due", ma non ci giureremmo), quello con piu' soprannomi di Prince/TAFKAP/symbol...? 

Quel signore e' James Brown e, contrariamente ad ogni evidenza, e per quanto imbarazzante possa sembrare oggi l'affermazione, e' una delle piu' alte stature musicali di questo scorcio di secolo, nonche' una delle maggiori influenze (dichiarate o meno) per musicisti contemporanei di quasi tutti i generi; non vorremmo farla lunga, quindi vi risparmiamo gli elenchi dei rapper famosi che hanno saccheggiato il suo repertorio, la sua responsabilita' sulla nascita' del funk e della disco eccetera eccetera. Occorre pero' ricordare che "The godfather of soul" e' stato a lungo la voce ufficiale dell'America nera, riuscendo ad essere al tempo stesso militante e "leggero", ed ha rappresentato uno dei massimi motivi di orgoglio per gli Afroamericani tutti, dopo aver contribuito lui stesso a rafforzarlo quell'orgoglio (Say it loud: I'm black and I'm proud): non per nulla LeRoy Jones lo defini' "il nostro poeta nero numero uno". 

Si da' il caso che Mr Dynamite sia oggi ricordato *solo* per i succitati meriti (come non fossero abbastanza...), e sia stato rimosso il suo contributo alla causa del soul piu' ortodosso, genere nel quale ha rivaleggiato ad armi pari con grandi del calibro di Sam Cooke, Otis Redding, Solomon Burke fin quando ha voluto, '65, '66 circa, quando ha deciso di dedicare il suo cold sweat esclusivamente alla causa del superfunk piu' duro mai ascoltato fino ad allora: brani lunghi dalla ritmica assolutamente ripetitiva ed ipnotica, la voce sempre piu' spesso ridotta a grido acuto o strozzato, basso spezzastomaco, fiati da urlo e il diavolo in corpo, suo e di chi ascolta. (Per una efficace dimostrazione di tale potenza sonora, cfr. il recente live -Love, Power, Peace-, registrato con la sua miglior band di sempre, i JB's, nel 1971 all'Olimpia di Parigi)

Dicevamo appunto che sarebbe ingiusto, oltreche' riduttivo, pensare a J.B. in questi soli termini, tralasciando tutta la prima fase della sua carriera. Per avere un'idea della grandezza di Mr Dynamite prima versione, c'e' pronto il primo dei suoi numerosi -Live at the Apollo- (*) (attenti, e' quello con in copertina un disegno su fondo bianco). Registrato nel 1962 proprio nel tempio della musica nera, l'Apollo Theatre di New York, davanti ad una folla di 1500 adoranti: non fan, ma fedeli (che' il "Soul brother number one" al tempo era una sorta di Messia per l'intera nazione dei neri d'America) non e' un semplice disco, e' la vittoria di un uomo nero che grazie alla sua volonta' e tenacia, a neppure trenta anni ha rovesciato la sua condizione e si e' incarnato in simbolo della riscossa del suo popolo.

"The hardest working man in the show business" infatti, nato nel '33, dopo aver fatto il lustrascarpe, lavato negozi e auto, raccolto cotone, ballato per le strade, essere finito in galera, fatto il pugile e il giocatore di baseball, finalmente nel '56 aveva ottenuto alcuni hit per la etichetta King.

La sua carriera avrebbe potuto fermarsi qui come per tanti altri, ma lui era "il piu' gran lavoratore del mondo dello spettacolo", un tipo che "per le folle che facevano la fila (...) per comperare il biglietto per il suo show (...) manda tazze di minestra e di caffe' (...) In un mese distribuisce circa 5000 foto autografate e 1000 paia di gemelli per i polsini, consuma 120 camice fresche di lavanderia e piu' di 80 paia di scarpe, cambia il suo costume di scena 150 volte e si esibisce per oltre 80 ore, cantando, danzando e suonando almeno 960 canzioni su uno o piu' strumenti. E' inoltre compositore, arrangiatore, coreografo e disegnatore dei vestiti per se' e per il suo intero organico (che nel 1962 era composto da almeno due dozzine di persone)" (da -Soul music: gli anni d'oro della musica nera-, P.Guralnik, Arcana Ed.)

Tutto cio' mentre girava gli stati del sud con uno show in cui "si rotola. Balla, si straccia il vestito, si acciacca le ginocchia", inventava un modo nuovo di stare sulla scena, passi di danza particolari, il celebre movimento dell'asta del microfono, i cambi di abito, le mantelle, i finti svenimenti e faceva della sua band una perfetta macchina da spettacolo grazie ad una ferrea disciplina e a multe salate. 

Proprio in questo periodo ottiene una intera settimana di concerti all'Apollo, e sente di dover incidere su disco il suo fantastico show, ma il boss della King non ci pensa neppure: i precedenti album di J.B. avevano venduto poco, i soldi, col r'n'b, si fanno coi singoli; ovviamente James non si tira indietro, paga di tasca sua e la registrazione dello spettacolo del 24 ottobre finisce per essere uno dei massimi successi artistici e commerciali del soul.

"Are you ready for star time?", incalza il MC, presentazione in pompa magna e via coll'incalzante -I'll go crazy-, urla, applausi e arriva la strappalacrime -Try me-, una -Think- supersonica, e via via gli altri esercizi di quel rito composito di sensualita', potenza, identificazione e interazione del/col pubblico che e' un concerto di Jaaaaames Brown. Il colpo del KO sono gli oltre 10 minuti di -Lost someone-, quando James canta con una tristezza infinita, usa tutte le tecniche del gospel e del soul: ulula, prega, si dispera, aizza la folla... Ancora dal volume citato: ""Non andare da estranei" supplica James in toni di graffiante vulnerabilita'. "Vieni a casa con me... oh, ti amo... sono cosi' debole..." Piu' e piu' volte ripete le semplici frasi, continua a promettere "Domani ti amero'" finche' la musica prende slancio (...) e James sa di averti in pugno. Poi si lavora il pubblico (...) "Mi sento cosi' bene che ho voglia di gridare" dice James, vedendo di nuovo fin dove puo' arrivare. "Grida!" urla una voce. E anche l'ascoltatore del disco risponde."

Non ci sono parole per rappresentare l'atmosfera, l'attesa e il batticuore che provocano i suoi sospiri, le sue pause, i gemiti... Se pur fosse solo tutto mestiere (e cosi' non e'), sarebbe comunque abbastanza. Niente parole, appunto: un disco da ascoltare assolutamente. 

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L’ARPA ovvero TRE CORDE PER PIANGERE, RIDERE E DORMIRE (Oltre il folk: percorsi esemplari: 11) / Gianni Galeota

Mi e' capitato poco tempo fa. Parlando con un'amica, alla parola "arpa" lei mi fa: "Ah, quella dell'intervallo...". A parte il fatto che oramai quegli intervalli li' non si vedono piu' da un pezzo, pero', dico io, come ti fa a venire in mente l'intervallo?

Allora inizio a fare un piccolo sondaggio personale. Decido di scoprire cosa di solito si associa all'idea di arpa. Mi insinuo, indago, interrogo.

Uno mi dice: "una roba da angeli"; un altro, piu' preciso, cita i cherubini (chissa' perche' proprio i cherubini...). Un altro ancora si illumina pensando al marchio della Guinness: "Insuperabile", borbotta, ma allude alla birra.

"A me ricorda la signora dell'orchestra della RAI", mi confida un'altra, "si e' vista anche all'ultimo Sanremo..." Un barzellettiere, gran simpaticone, tenta - invano - di raccontarmi l'ultima sullo strumento piu' suonato dalle donne. Uno con le idee chiare mi confida che gli viene in mente qualcosa che lo fa dormire. 

E non mancano contributi, per cosi' dire, di spessore. Per esempio di chi mi obietta che si fa presto a dire arpa, e che devo specificare se intendo la Cruit con corde di budello, o la Clairseach con corde di metallo, con o senza pedale per i semitoni, se quella da concerto o quella da passeggio, la cosiddetta Ballad Harp, con 22 corde, alta si' e no 50 cm. Uno che ama girare il mondo ricorda di avere visto l'arpa di Brian Boru al Trinity College di Dublino, l'esemplare piu' antico di arpa (1046) che sia arrivato fino a noi. Imparo poi da un amico erudito le orgini egizie dello strumento, portato in occidente dai Greci. Ancora lui mi fa notare che l'arpa la ritrovi tanto in mano agli angeli quanto al Signore degli Inferi. 

Ottimi punti di partenza.

Siamo nel 1225: gli annali di Loch ce ricordano la morte di Aedh O'Sochlachainn, vicario di Cong, musicista, suonatore di arpa e compositore. Un lutto nazionale. I bardi sono la voce dei fili, i poeti ufficiali, e ne cantano le composizioni. Bardi, fili e druidi rappresentano le tre caste piu' potenti tra i Celti.

I bardi suonano con l'arpa tre motivi principali: del sonno, del riso e del dolore. Tutto il repertorio si riconduce a questi tre cliche', tre pezzi di bravura che testano la loro capacita' di suscitare emozioni. Ancora oggi (me lo faceva notare uno degli, diciamo cosi', 'intervistati'), leggiamo sulle copertine di dischi new age per arpa frasi come: "As the listener follows the melody, he or she [...] becomes relaxed, falls asleep, or feels less pain"; oppure dichiarazioni che quella musica "is effectively relaxing, delightful and inspiring".

Si parla di sonno, di relax. La new age ne ha fatto una bandiera. Musica per distendere, nata - pare - per allentare lo stress degli yuppies californiani degli anni ottanta. Imparentata con la musica meditativa, di vago sapore orientaleggiante. A volte imita la natura, con passaggi che riproducono il fruscio del vento, lo scorrere dell'acqua dei ruscelli. E l'arpa finisce per incarnare quei capisaldi di spiritualita', di comunione con la natura, di ricerca in direzione di un'esistenza meno mondana e piu' astratta. 

La new age ci va a nozze.

Non a caso Georgia Kelly viene associata fin dal '78 al rinascimento dell'arpa in epoca new age, e Georgia Kelly e' una che viene dal movimento hippy. Con lei l'arpa assume quei tipici suoni cristallini, trasparenti, paradisiaci. Poi sono venute la favolistica - e favolosa - Judith Pintar; la piu' rarefatta, ma un tantino pretenziosa Marnie Jones; la splendida imperdibile Kim Robertson, autrice, bonta' sua, di una sterminata discografia che spazia dalle filastrocche irlandesi ai mantra; il mediterraneo Vincenzo Zitello, tra Grecia e Magna Grecia. Susan Mazer e' forse la prima ad usare l'arpa in un contesto elettronico, molto suggestivo, anche se un po' freddino.

E poi ce ne sarebbero tanti altri, che pero' lasceremo perdere.

Cio' che non possiamo tacere e' l'arpa riccioluta di Andreas Vollenweider, svizzero, la cui fama ha oscurato quella degli altri oscuri arpisti, che dopo di lui, sono condannati ad imitarlo (ad esempio Michael Deep, emulo americano). Vollenweider maneggia lo strumento con piglio, ne evidenzia le potenzialita' di percussione e ritmo che raramente l'arpa sfrutta a pieno. Con le sue parole: "Ho dovuto trovare una tecnica che mi permettesse di conferirle ritmo, sensualita'. L'arpa manca di sessualita', e' androgina, ho intravisto la possibilita' di conferirle piu' fisicita'".

Macche' strumento degli angeli...

E sulla fisicita' dell'arpa si muove Lisa Franco, gia' bassista di formazioni blues rock californiane. Nelle foto dei suoi dischi si struscia allo strumento in pose intriganti e seduttive, inaugurando decisamente il filone del new-age-kitsch (mica tanto diverso da Papetti, a cominciare dalle copertine...).

Piu' jazzate invece Anne Marie Jan e Deborah Henson-Conant, che facilmente troveremmo - specialmente la seconda - nei cataloghi di fusion.

Se il sonno  - nel senso piu' nobile, per carita' - sembra prevalere nella new age, per il riso ed il dolore ci dobbiamo spostare in ambito revivalistico. Era dai tempi dell'ultimo bardo irlandese del settecento, il mitico arpista cieco O'Carolan, che non si sentivano tante belle arpe in giro. Il folk revival dei primi anni settanta ha rispolverato il vecchio armamentario tradizionale, e con esso anche l'arpa.

C'e' un'intera truppa di musicisti che si fa onore sul campo. Primo fra tutti vorrei citare, se non altro per affetto e simpatia, il Maestro Derek Bell, arpista dei Chieftains, il tocco sobrio ed incisivo della migliore tradizione. Non meno sorprendenti le vestali impeccabili Mary O'Hara, Siobhan Bhreathnach, Celia Briar, Bonnie Shaljean, la spensierata Katrien Delavier, la sedicente "Queen of harps" Ann Heymann, il baffuto Patrick Ball, emulo dichiarato di O'Carolan, e non ultima Alison Kinnaird, che non disdegna di incidere dischi (mi risulta almeno due) in compartecipazione con la Battlefield Band, gruppo di punta del revival scozzese degli anni ottanta.

Alan Stivell dixit: l'arpa "e' come un arco teso con corde libere, che sono offerte al vento, alle vibrazioni dell'universo". Stivell ha dato all'arpa folk il passaporto per migrare dalla tradizione bretone verso le suite etno-new-age-symphonic degli ultimi anni. Ha graffiato, ha carezzato quelle corde. Per i revivalisti e' un pioniere, per i new ager un nume tutelare. 

Stivell sta a Vollenweider come la discesa agli inferi sta alla Guida del Touring Club. Laddove Stivell sa scavare nei sotterranei dell'anima, per innalzarla subito dopo all'Empireo delle emozioni, Vollenweider, che e' un bel furbetto, svolazza qua e la' per il mondo, da oriente a occidente, dall'Africa alla Grecia, dall'Asia all'America Latina, trattando le melodie delle valli svizzere con il tocco del pianista jazz, alla fine spolverando il tutto con un raffinato pop da salotto buono.

Il riso accompagna le danze campagnole dei Chieftains ed il dolore le sfigatissime - sublimi - ballate di Loreena McKennitt. Ma di arpisti ce n'e' in quasi tutte le formazioni folk, dai mitici Clannad, ai piu' recenti Deanta, Mac-Talla, Parson's hat, Poozies, Sileas, e compagnia bella.

Cos'altro c'e' da dire?

Si', una cosa c'e' ancora. Mi ha scritto un certo Rocco Rossetti, detto "Tosca", imbianchino di Corleto Perticara, provincia di Potenza. Classe 1926. Ha impararato a suonare l'arpa all'eta' di sei anni dal nonno Pasquale Capobianco. Per anni ha girato i paesi circostanti suonando durante feste, messe, processioni e funerali. Il repertorio: brani suonati a orecchio, che vanno dalle tarantelle alle pastorali, dalle quadriglie alle mazurke, da "E lucevan le stelle" a "O sole mio".

E subito dopo mi arrivava un messaggio dalla concorrenza, un certo Luigi Milano, ottico e orafo di Moliterno, provincia di Potenza. Classe 1931. Anche lui ha imparato a suonare dal nonno, repertorio analogo a quello di "Tosca".

Tutti e due suonano arpe di Viggiano, antico centro di produzione di arpe nella Val d'Agri. Ci tengono a farmi sapere che hanno pubblicato, a cura dell'Associazione culturale Taranta, una raccolta di brani registrati dal vivo, loro due insieme ad altri musicisti del luogo. 

"Noi musici di Viggiano", mi hanno scritto, "a Roma ci chiamano 'carciofolari', pero' facciamo buona musica, musica di tradizione..."

Non per sminuire il valore dei sondaggi, pero' devo dire: a nessuno degli intervistati - lo giuro - era venuta in mente la Lucania.

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DAVID BOWIE : SUONI, VISIONI E SPAZIO / Davide Sapienza

E' stato un avvenimento di grande portata. David Bowie, con la sua prima data italiana di giovedi' 8 febbraio 1996 al Palatrussardi di Milano, ha dimostrato non solo di essere un grande intrattenitore, dotato di carisma e classe (cosa peraltro gia' risaputa), ma di esserci - qui' e adesso - in questa fine millennio, per dare il proprio contributo alla musica e all'arte.
Per la verita', dopo il grande ritorno di Outside (BMG Ariola), il suo ultimo album scritto e prodotto assieme al vecchio amico Brian Eno, si era intuito che il Duca Bianco aveva ritrovato la voglia di dire la sua, come non capitava dai tempi del capolavoro che fu Scary Monsters nel 1980. 

Bowie a Milano e' stato preceduto sul palco dagli inglesi Placebo e dagli italianissimi Ustmamo', che sono stati accolti con calore dagli oltre cinquemila presenti al Palatrussardi.
Alla fine del concerto, Bowie ha ringraziato i due gruppi spalla, dicendo degli Ustmamo' "Sono stati fantastici" - cosa che ha fatto certamente correre un brivido nella schiena dei cinque ragazzi dell'Appennino, guidati dall'affascinante Mara Redeghieri, che hanno eseguito otto canzoni dall'ultimo album Ust Virgin).

David Bowie e' salito sul palco poco prima delle ventuno e per 75 minuti ha dato vita a uno spettacolo mozzafiato, grazie a un gruppo strabiliante nel quale spicca il geniale e virtuoso chitarrista Reeves Gabrels, lo storico amico d'avventura Carlos Alomar (alla ritmica), la cantante Gail Ann Dorsey per l'occorrenza al basso, un potente e sofisticato batterista, tre tastieristi tra i quali il pianista Mike Garrison. Innanzitutto Bowie ha dimostrato che alla soglia dei 50 anni si puo' essere ancora al passo coi tempi, lui che i tempi ha sempre cercato di trasfigurarli in miti e metafore spazio-temporali negli anni '70. Cosi', nel corso del concerto si sono ascoltate nove canzoni dall'ultimo album, la storia futurista del detective Nathan Adler a poche ore dall'anno duemila. Bowie, a differenza di quasi tutti i suoi famosi contemporanei, ha rinunciato alle canzoni famose, pescandone solo alcune dal suo sterminato repertorio.

Abbiamo ascoltato solo composizioni che riarrangiate da questa produzione sonica, trovano un legame con quelle recenti: The Man Who Sold The World (tornata alla ribalta sull'Unplugged dei Nirvana) non e' stata neppure riconosciuta da molti, Scary Monsters e Teenage Wildlife del 1980 hanno mostrato di possedere ancora quell'inquietante tocco futurista, Andy Warhol, Breaking Glass, Look Back In Anger e Diamond Dogs hanno spezzato l'atmosfera e i giochi di luci in precisi momenti di tensione che Bowie e i musicisti hanno manovrato dimostrando eccezionale padronanza del palco. Solo quando, concettualmente, lo spettacolo di Outside e' finito, Bowie si e' concesso Under Pressure, durante la quale la Dorsey ha splendidamente sostituito nel ricordo di tutti l'impareggiabile voce di Freddy Mercury, e come unico bis una versione spaccatutto di Moonage Daydream. 

Questo concerto, con la presenza di molte canzoni nuove, ha dimostrato che la vena creativa e compositiva dell'artista britannico ha la forza evocativa e la sofisticata capacita' di creare atmosfere e raccontare storie di sempre.
Dall'apertura affidata a The Motel ("Dato che siamo in un'area di sicurezza/Non state distaccati da me/Quaggiu' si vive di ora in ora/E lo prendiamo quando si riesce/Un genere di vita che riconosce/La morte dell'uomo senza odore/Se nulla e' vanita' nulla e' troppo lento/Non e' Paradiso ma non e' abisso/Non c'e' inferno/Non c'e' vergogna"), attraverso splendide versioni di I Have Not Been To Oxford Town, Voyeur Of Utter Destruction, Outside, A Small Plot Of Land sino alle inquietanti provocazioni ritmiche di Hallo Spaceboy e We Prick You, David Bowie ci ha dimostrato non solo di esserci, ma di potersi assumere un ruolo di riferimento nel mondo della musica popolare di oggi. 

Un evento storico.

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PS / RR: proprio da pochi giorni e’ uscito il nuovo mini-cd di Bowie, che ospita, oltre a una versione di “Hallo Spaceboy” prodotta dai Pet Shop Boys (che ci vanno con la mano - e la voce - pesante, diventando di fatto co-interpreti) e il remix di “The Hearts Filthy Lesson” presente nella colonna sonora di “Seven”, anche le due versioni live di “Under Pressure” e “Moonage Daydream” citate da DS.

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ELEPHANT POLL / RR & Tefkros Symeonides

Gia’ nel numero 15 avevamo segnalato il nostro omonimo inglese “Elephant Talk. The Internet newsletter for Robert Fripp and King Crimson enthusiasts” e la relativa home page sul web <http://www.cs.man.ac.uk/aig/staff/toby/et>, entrambe ben curate e di grande valore informativo e critico.

Nel numero 265 del 12 Marzo 1996 Tefkros Symeonides ha raccolto i risultati di una votazione condotta fra 96 fan cremisi che hanno indicato il proprio ordine di preferenza degli album dei King Crimson. LARKS’, DISCIPLINE e RED hanno lottato per il primato nella classifica, guidandola alternativamente durante le tappe intermedie e staccando di gran lunga gli altri nella graduatoria finale, che riporto qui di seguito:

Album                          Total points   No.1 votes    Percentage of votes
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 1 Larks' Tongues in Aspic       319            23              18.85
 2 Discipline                    	307            19              18.14
 3 Red                           	298            18              17.61
 4 Starless and Bible Black      	157             8               9.28
 5 Court of the Crimson King	139             7               8.22
 6 Thrak                        	134             4               7.92
 7 The Great Deceiver (live) 	  92             8               5.44
 8 Lizard                         	  57             2               3.37
 9 Islands                        	  56             1               3.31
10 B'Boom (live)                       39             0               2.30
11 USA (live)                            31             2               1.83
12 Three of a Perfect Pair          28             1               1.65
13 Vrooom (mini album)        	  13             1               0.77
14 Beat                           	  11             0               0.65
15 Earthbound (live)              	    8             0               0.47
16 In the Wake of Poseidon     	    3             0               0.18

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RI-RI-CLASSIFICHE ‘95 / a cura di RR

LETTORI ROCKERILLA ALBUM STRANIERI
1: Smashing Pumpkins
2: Oasis
3: PJ Harvey
4: Monster Magnet
5: Blur
6: Mad Season
7: Tindersticks
8: Gene
9: Red Hot Chili Peppers
10: Motorpsycho
11: Foo Fighters
12: Morphine
13: Pavement
14: Pulp
15: Primus

LETTORI ROCKERILLA SINGOLI STRANIERI
1: Oasis --> Wonderwall
2: Oasis --> Some Might Say
3: Nick Cave & Kylie Minogue
4: Sundial
5: Menswear --> Daydreamer
6: PJ Harvey --> C’Mon
7: Mad Season
8: Beatles --> Free as a bird
9: Gene --> Haunted By You
10: Whipping Boy --> Twinkle
11: Pearl Jam --> Merkinball
12: Ash --> Girl from Mars
13: Supergrass --> Alright
14: Swervedriver
15: Orbital

LETTORI ROCKERILLA ALBUM ITALIANI
1: La Crus
2: Almamegretta
3: Casino Royale
4: Afterhours
5: Yo Yo Mundi
6: Timoria
7: Massimo Volume
8: Uzeda
9: Umberto Palazzo
10: Ligabue
11: Flor
12: Ritmo Tribale
13:Paul Chain
14: Materiale resistente (compilation)
15: Diaframma

LETTORI SELECT (UK) ALBUM:
1: Oasis
2: Pulp
3: Radiohead
4: Blur
5: Tricky
6: Black Grape
7: Verve
8: Charlatans
9: Supergrass
10: Goldie

LETTORI SELECT (UK) SINGOLI:
1: Pulp --> Common People
2: Oasis --> Wonderwall
3: Pulp --> Mis-shapes/Sorted
4: Supergrass --> Alright
5: Oasis --> Some Might Say
6: Ash --> Girl from Mars
7: Garbage --> Queer
8: Radiohead --> Lucky
9: McAlmont & Butler --> Yes
10: Bluetones --> Bluetonic

<--------ELEPHANT-----TALK---------fine del numero 21---------->

   <---------------------------------------------------------->
   >---------------->  ELEPHANT TALK  <---------------< 
   <---------------------------------------------------------->
     fanzine elettronica musicale 
    <http://www.look.it/e-zine/elephant/elew.htm>
    diretta da Riccardo Ridi <mailto:ridi@sns.it>
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 Numero 22 (17 Aprile 1996)

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BONZO GOES TO JURASSIC PARK / Marco Centofanti

Grande annata musicale, quella appena trascorsa! 

Il lettore ci perdonera' se torniamo su un argomento (il '95 e dintorni) gia' abbondantemente trattato e digerito da tutti e su tutti i media, ma un po' di pazienza e si capira' dove vogliamo approdare. 

Negli ultimi 15 mesi circa la stampa, specializzata e non, ci ha prontamente informato con encomiabile dovizia di particolari su ogni minimo avvenimento sonoro, compito improbo davvero, data la strepitosa messe di imperdibili novita' catapultatesi nei nostri lettori cd; intanto e' stato l'anno (l'han detto tutti, ma giova ripetere) in cui si sono consumati almeno due sconvolgimenti tellurici di portata epocale: il brit-pop ed il neo-punk.

Sento gia' levarsi voci infastidite, loschi figuri lamentarsi dicendo che si tratterebbe di rimasticature di suoni passati: incontentabili rompiscatole! Che importa se i rinomati Blur fanno il verso ai Kinks e, dopotutto, non son certo esordienti, e che vuol dire se gli Oasis hanno sfornato un secondo album che pare la fotocopia del primo, solo un pochino piu' sbiadito, chi se ne frega se distinguere Elastica da Gene o Pulp e' quasi impresa da esegeti dei pop di Sua Maesta'...? Insistono i rompiscatole dicendo che ne hanno pieni i cosiddetti di cloni dei Ramones e che il punk e' fenomeno che non puo' essere revivalizzato, pena cadere nel ridicolo, insistono ma non recepiscono (e ci domandiamo perche') la meraviglia di dischi innovativi come -And out come the wolves- o -Insomniac-.

Per fortuna a rimettere le cose al giusto posto ci ha pensato la critica, con puntuali e feroci recensioni: ad esempio si sono lodati i ben tre parti musicali dei ritrovati (ma un gruppo che si riforma circa 150 volte si e' mai sciolto?) King Crimson, -Vroom-, -Thrak- e -M'Boom-, c'e' stato il plauso giustamente unanime per il formidabile ritorno dei Beatles che con un -Live at the BBC- imperdibile ci vengono proposti da angolature del tutto inusitate e che hanno avuto la gentilezza di regalarci (si fa per dire...) un capolavoro del calbro di -Free as a bird- per farci ricordare il buon Lennon (e pensare che le malelingue di cui sopra sostengono lo abbiano fatto per soldi, come se non conoscessimo la proverbiale magnanimita' di un McCartney!).

Elogi sperticati anche per gli altri miti del rock, i Rolling Stones. I simpatici e arzilli vecchietti mai domi e mai ripetitivi stavolta ci rifilano uno -Stripped- con contorno di multimedia: loro si' che sono al passo coi tempi e poi c'e' pure una -Like a rolling stone- da brivido, ci credereste che pare proprio l'originale..? 

A proposito di -Like a ...-, ecco Mastro Dylan. Poteva il nostro esimersi dalla pratica tanto in voga degli Unplugged solo perche' il suo abbondante contributo alla pratica del folk acustico la ha dato fin troppo bene anni fa? Giudizio unanime: grande disco il suo, cosi' come quel -Mirror Ball- che ha visto tutti felici per Neil Young che canta assieme ai Pearl Jam, anche se poi (o forse proprio perche') suona come un disco di N.Y. con i Crazy Horse...

E sempre per Grandi (Cariatidi?) del rock si e' esultato, quando il Duce Bianco (ooops: refuso frudiano...) David Bowie e' tornato rimodernato a serial killer con il suo grandgugnolesco -Outside- ed ha messo ancora una volta d'accordo addetti ai lavori e pubblico 

A dire il vero qualche critico snob si e' parzialmnte dissociato dal coro gaudente che ha accolto il sobrio -Pulse- dei leggendari Pink Floyd, ma si tratta di mosche bianche, che contiamo di recuperare prontamente nel gruppo degli entusiasti gia' a partire dal prossimo albo degli azzimati freak d'oltrmanica.

Sul fronte del rock italico e' stato fragoroso l'applauso con cui e' stato salutato il masterpiece del Bovaro della Bassa, quel -Buon compleanno, Elvis- del secondo Big Luciano del Belpaese, Ligabue, che apre nuove porte alla contaminazione tra rock e melodia italiana. 

Con cio' non li si accusi di eccessivo occhieggiare al mainstream, i nostri eroi con carta e penna, che' li ricordiamo fare uniti tifo da stadio per la grandiosa operazione degli ignoti Smashing Pumpkins: riuscire a suonare semi-prog il grunge!

Da ultimo non possiamo esimerci dal citare la polifonia di scritti gaudenti sul -Ghost of Tom Joad- del Boss: tutti talmente d'accordo e con le medesime argomentazioni (la depressione, Steinbeck, Guthrie...) che le recensioni erano intercambiabili l'una con l'altra. 

Insomma, lo ripetiamo, grande annata: innovativa, dissacrante, oltraggiosa... proprio come si conviene al Vero Rock, e, come detto, i nostrani alfieri dell'informazione non si sono fatti pregare per raccontarcela. Sono gli stessi campioni che, con encomiabile equanimita', hanno giustamente stroncato l'annunciato ritorno di quel pagliaccione di Mr Lydon e dei suoi Sex Pistols: o tempora o mores, ci credete che quel profittatore ha osato dichiarare di riformare il gruppo solo per soldi, per raccattare quel grano che i Pistols mai fecero e che geniacci come gli Offspring oggi mietono al posto loro..?

Ma l'italica razza scrivana sa che rock e soldi suonano antitetici e lo canta nero su bianco, mica lo manda a dire! E via a ricordare come fossero grandi *allora* i Pistols (peccato che al tempo non li filasse nessuno...), a rimpiangere i bei tempi andati del 100 Club e della gita in barca sul Tamigi (chissa' perche', *oggi*, rivisitare il tempo in cui McLaren e Rotten si davano alle r'n'r swindle per fottere soldi alle majors e far incazzare il pubblico provoca tanto rimpianto?), addirittura a sciorinare pezzi di storia dimenticata da fare impallidire Fred e Judy Vermorel, a svelare il rapporto punk-situazionismo con una dovizia di particolari che neppure Greil Marcus in -Tracce di rossetto-... 

Una stampa specializzata inappuntabile e coraggiosa per un grande Paese con una meravigliosa scena musicale ed un pubblico competente: che desiderare di meglio?

Allegria!

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U2: ANCHE MEGLIO DELLA COSA VECCHIA / Davide Sapienza

Parlare degli U2 implica abbracciare un periodo (sedici anni), durante il quale nella musica rock sono accadute molte/poche cose. L'operato del quartetto dublinese, ancora capace di sollevare discussioni come con il recente progetto a firma Passengers (l'ottimo Original Soundtracks I), va prima inquadrata in una cornice, per poter decidere da dove affrontare la discussione sul ruolo e sul significato del gruppo nella musica rock degli anni novanta.

Giudicando dalle recenti parole di Bono, gli U2 non hanno alcuna intenzione di rinunciare a un ruolo propositivo: "Siamo un gruppo che ha molti fan e a loro teniamo molto, ma ci piace sperimentare - percio' abbiamo deciso di fare uscire un disco sotto un nome diverso, per sentirci liberi di fare musica che puo' piacere a poca gente senza tradire quello che sono gli U2 per tutti gli altri".

Dietro a una frase apparentemente banale e rivelatoria come questa, l'atteggiamento migliore e' cercare di capire cosa e' successo dall'album d'esordio Boy (ottobre 1980) a Miss Sarajevo con Luciano Pavarotti, l'esca presente nell'album Passengers. La prima cosa, e' sfatare il mito dei primi U2 come gruppo alternativo, che si accontenta di una piccola nicchia e di un ruolo di "contestazione" ideologica di fondo del music businness. Quando Adam Clayton, The Edge, Larry Mullen e Bono formaromo gli U2, trovando in Paul McGuinness una figura manageriale perfetta per i propri scopi (tanto da dividere con lui tutti i profitti alla pari), non avevano in mente di autoprodursi un album da pubblicare per un'etichetta indipendente, con il quale raccogliere consensi critici, lodi dall'ala alternativa del pubblico e un po' di gloria. Nella sua prima intervista a Rolling Stone, quindici anni fa Bono diceva: "Vogliamo diventare come Elvis, i Beatles, gli Who, io so che questo gruppo ha le caratteristiche giuste per poterlo fare". Ecco perche' chi si e' sentito tradito dall'enorme successo della band irlandese, forse aveva letto gli articoli sbagliati - oppure aveva identificato in questo quartetto intenti mai espressi. 

Gli U2 hanno sempre proceduto per tentativi, spostando il tiro strada facendo per non restare schiacciati da quello che avevano creato. Dopo le atmosfere cupe e un po' ingenue di October del 1981, gli U2 trovarono il successo commerciale con War, uscito nel marzo 1983. Quest'album, e il seguente mini dal vivo Under A Blood Red Sky, chiudevano i primi cinque anni di attivita', con Bono e soci paladini di un rock'n'roll epico che rifletteva smarrimento, mancanza di ideologia, un certo qualunquismo: un cocktail perfetto per la nostra generazione, che stava per entrare nel pieno del decennio forse piu' idiota di questo secolo. Il colpo di coda di questi U2, fu la partecipazione al Live Aid del luglio 1985, dove tutte le contraddizioni del "buonismo" rock vennero a galla anche per i dublinesi, che si trovarono con i quattro dischi pubblicati sino a allora nelle classifiche USA e UK.

Ma il primo vero cambiamento era gia' avvenuto, e si chiamava The Unforgettabile Fire. Fu l'album che nell'ottobre 1984 spiazzo' tutti, ma soprattutto l'America che lo accolse male, la terra promessa che gli U2 avevano lentamente iniziato a conquistare sin dai primi giorni del 1981. 

Il quarto album di studio, che segnava l'inizio della collaborazione con il guru della sperimentazione Brian Eno e con l'emergente talento del candese Daniel Lanois, portava pochi segni di riconoscimento del passato. Consci di dover fare un passo avanti, rischiando di camminare sul vuoto, gli U2 affidarono le sorti commerciali del disco a una canzone destinata a riassumere le caratteristiche epiche/sociali della band, Pride (In The Name Of Love), dedicata a Martin Luther King. Un singolo che attrasse i vecchi fan all'interno di un mondo poco riconoscibile, per molti irritante, ma ricco di idee che avrebbero sospinto la band verso il successo planetario. Inizio' qui' il primo ricambio di pubblico, che avrebbe lasciato un vuoto colmato nel marzo 1987 da The Joshua Tree, l'album che concretizzo' in maniera piu' popolare le idee dell'album di ventinove mesi prima. Il rapporto con il pubblico, la volonta' di interessarsene, dimostrano che gli U2 hanno sempre cercato consensi, provando a spostare i parametri del gusto di massa un po' oltre i soliti standard, riuscendoci spesso. 

Se The Joshua Tree spiazzo' qualcuno, infatti, questi furono i mass media, incapaci di capire in anticipo la fervente attesa che porto' l'album a superare i dieci milioni di copie vendute, la conquista definitiva dell'America, il ruolo di prima grandezza per gli U2 che in quello stesso anno si imbarcarono in un tour artisticamente disastroso, incapace di proporre dal palco le cose che l'intuito artistico aveva evidenziato nel lavoro con Eno e Lanois. All'apice del successo, come spesso accade, gli U2 rischiarono di disintegrarsi in frammenti irriconoscibili, in cloni incapaci di uscire da stereotipi creati attorno a se' stessi. Il seguente Rattle and Hum (film, disco e libro), testimonio' la natura cieca di questo nuovo vicolo.

Fu proprio in questa crisi d'identita' che i quattro musicisti (ma soprattutto Bono e The Edge) trovarono la via d'uscita, chiamata Achtung Baby, perche' gli U2 arrivavano negli anni novanta spiazzando tutti (a due mesi da Nevermind dei Nirvana). Il loro album piu' bello e importante era quest'opera che ridava un senso artistico ed estetico progettuale al gruppo, rendendolo di nuovo alternativo nell'ambito del mainstream, eccentrico: singoli come The Fly o Mysterious Ways, Even Better Than The Real Thing portavano nel campo pop la musica U2, neutralizzando la presunta novita' del pop inglese di quel periodo. Lo Zoo TV Tour e il seguente album Zooropa del luglio 1993, ancora piu' radicale di Achtung Baby e "svergognato" davanti a qualsiasi stereotipo riguardante il marchio di fabbrica, sono roba recente (la cui genesi e' ben chiarita nello splendido documento di Bill Flanagan Gli U2 Alla Fine Del Mondo in uscita in primavera per Tarab Edizioni).

Gli U2 hanno trovato un equilibrio attraverso aggiustamenti e compromessi, che sono la conseguenza di un testardo perseguimento di un disegno artistico/espressivo che ha tenuto conto della presenza di un pubblico attivo, capace di reagire nelle sue frange piu' attente e meno pigre. Che piaccia o non piaccia, questa e' la linea che divide quelli che hanno voglia di capire il successo e l'arte, da quelli che vogliono limitarsi a gettare fango sul gruppo.

Quelli che pensano (per fare un esempio Archetipo) ai Rolling Stones come a un grande gruppo, perche' dopo 32 anni rifanno le canzoni di sempre dimostrando una non meglio precisata "coerenza" (che in piu' evoluti vocabolari si chiama "limitatezza"). In questo, devo dire, il ruolo e l'ignoranza musicale della critica e dei media e' tragicamente complice. 

------------------------------------------------------------------------------U2: ANCHE PEGGIO DELLA COSA NUOVA / Marco Centofanti

L’autore del precedente articolo [ottenuto, cosi’ come quello su Bowie nel precedente numero, grazie alla gentile mediazione di Renato Zanotti / nota di RR] e' un giornalista musicale professionista , che ha collaborato a lungo con diverse riviste del settore, ma soprattutto e' un fan storico dei quattro irlandesi, tanto che negli anni ottanta ha diretto una buona U2-zine chiamata, mi par di ricordare, "Fire", ed ha curato il volume di testi con traduzione a fronte del gruppo uscito per Arcana.

E' forse dovuta a quanto sopra la perdita di un filo di obiettivita': nulla di male, per carita', anzi, si presenta l'occasione per ripensare complessivamente la storia di una band che e' stata l'icona del rock anni '80 e, sorprendentemente, pur continuando a vendere stratosfere di dischi, e' scivolata in un curioso oblio per quanto riguarda gli aficionados rock piu' smaliziati.

I nuovi album degli U2 escono, la critica ne parla generalmente bene, vendono piu' che soddisfacentemente, ma qualcosa e' cambiato: checche' ne scriva Sapienza ("L'operato del quartetto dublinese, ancora capace di sollevare discussioni come con il recente progetto a firma Passengers"), il mondo-rock ha smesso di girare attorno alla loro stella, e i nostri sono divenuti "solo" una delle (poche) band di istituzionale importanza planetaria, un'altro tassello nel muro delle celebrita' pop, senza piu' orde di giornalisti che vogliono sapere che ne pensa San-Giorgio-Bono-che-lotta-contro-il-male (piu' o meno cosi' lo defini' gustosamente Bertoncelli anni fa) della fame nel mondo, di M.L.King, di Dio ecc. ecc.

Molti fan della prima ora il gruppo lo avevano messo nella lista nera gia' da tempo, precisamente dalla sbandata americana di "Rattle and hum" (i cui presagi peraltro sono individuabili nel precedente "The Joshua Tree"), quando si videro Bono e compagni tornare a casa a Dublino coi cappellacci da cowboy, e infatti e' proprio con quei due album che si compiva il trapasso: per un fedele che fuggiva ne arrivavano un buon numero di nuovi, e il successo, raggiunto con quella "Sunday bloody sunday" presto tramutatasi in tormentone a trascinare "War" (mediocre, col senno di poi) e solidificato dal mini-live "Under a blood red sky", diveniva isterismo planetario dopo che il Bono-predicatore di quella stagione trovava la sua corretta dimensione nella catartica esibizione del Live Aid, con il suo retorico e istrionico quanto suggestivo tuffo verso il pubblico, simbolo di comunione del sacerdote di un culto, mica piu' tanto laico, coi suoi fedeli.

Si', che quasi di religione occorre parlare, visto l'accalcarsi a pender dalle labbra di un Bono che dichiarava a ripetizione di non voler esser portavoce di nessuno, dato che non aveva "nulla di meglio da dire che -aiuto-", ma poi parlava eccome, e quelle parole le rafforzava con performances di straordinaria energia e con un carisma tale da donare al gruppo intiero un ombrello di sincerita' e credibilita' assolute. Non che ci fosse da stupirsi dell'entusiasmo di massa: la musica era generalmente buona, e le parole, beh, per quanto magniloquenti e a volte un tantino imbarazzanti, erano pur sempre una delle poche ciambelle di salvataggio col buco abbastanza grande per il vuoto pneumatico dei middle eighties...

E' paradossale che la band abbia raccolto la Gloria Suprema coi due dischi piu' lontani dai vari "Boy", "October", e, per l'appunto "War" e "Under a blood...", quelli della semina di "unita', impegno e coerenza", per dirla con le parole di Alberto Campo, e resta ancora un mistero da dove sia sbucato quell'intruso "Unforgettable fire" che col precedente ha in comune solo un titolo passionale e caldo (oddio, forse un ideuzza della provenienza possiamo farcela sapendo che a produrre c'era l'Eno in stato di grazia che tramuta a sua immagine e somiglianza tutto cio' che tocca...). 

Altrettanto strambo e' che un quartetto arrivato al grande pubblico grazie ad una public image di serieta', cuore e coerenza in opposizione all' esacrata futilita' e stretta osservanza al look degli '80, ottenga la succitata glorificazione mondiale mutando radicalmente suoni e costumi per creare il proprio "Sgt. Pepper", quel "The Joshua tree" che restera' punto fermo nei manuali rock a venire, indipendentemente dai propri meriti musicali (che ci sono, eccome, ma certo meno che nell'Lp precedente). 

Questa nuova anima "roots" verra' talmente accentuata nel successivo "Rattle and hum" (un doppio Lp con annessi film e libro, disastroso altare della patria affetto da gigantismo) da scivolare nella caricaturale autoparodia: i quattro, novelli Ziggy Stardust s'erano involati nello stardom profondo e lontano, e pareva d'esser tornati a meta' anni '70, coi supergruppi in attesa d'esser spazzati via dal punk, altro che compenetrazione col pubblico...

Dopo quel doppio gli U2 cessano definitivamente di essere la band che erano nati, e i dischi e gli show successivi saranno il tentativo di affrancarsi definitivamente da quel simulacro: Bono giochera' coi vestiti e gli occhiali da mosca, i concerti da sudati si trasformeranno in ipertecnologici, usciranno inauditi remix dance dei singoli del gruppo che era stato la spada fiammeggiante dei difensori dell'ortodossia rock nel precedente, difficile decennio...
Non e' neppure il caso di analizzare questo ultimo scorcio, che' finalmente si e' arrivati oggi alla logica conseguenza, con decisione fin troppo tarda: il mutamento della ragione sociale; certo vedremo altri prodotti a nome U2, ma l'avventura di *quel* gruppo si e' chiusa da tempo. 

Che resta di tante vicende a noi ascoltatori? La musica, ovviamente: alcuni dischi ottimi ("Boy", "Unforgettable fire"), altri buoni ("The Joshua tree", "Achtung babe"), altri ancora discreti o scarsi, soprattutto un'altra tappa da ricordare nella storia del rock. 

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ZAPPARE VIA ovvero LA MUSICA IN TV / Gianni Galeota

Prendo spunto da due lettere pubblicate sull'inserto musicale di Repubblica.

Riassunto in pillole: 
1) che succede a VideoMusic? Da contenitore musicale non-stop a polpettone di cartoni animati, sport, film e telefilm;
2) la videomusica, se la vuoi, te la devi cercare oramai su altri canali;
3) suggerimento al nuovo editore: cambiare il nome da VM a WC.

Ricordo un'intervista a Moravia, al quale il bravo giornalista chiedeva cosa facesse il Maestro la mattina appena sveglio. Moravia rispose che guardava VideoMusic senza volume. Con mia somma sorpresa scoprii di avere una cosa in comune con Moravia, e mi sentii un po' Moravia anche io. E da allora sono rimasto attaccato a quest'idea, che guardare i video senza volume non solo non e' da dementi (come in cuor mio ho sempre temuto), ma che anzi ti da' un certo spessore. 

Bene, ora questi benedetti video a rotazione non ci sono piu'. Non so se e' un male o un bene, pero' non posso fare a meno di chiedermi cosa farebbe Moravia alle sei di mattina senza i video a rotazione. Forse si rassegnerebbe a guardare "King Arthur", o "Mademoiselle Anne ", ai quali, non lo nego, ci si puo' anche affezionare. Pero' vuoi mettere?

Mi mancano i video a rotazione, quelli che passavano continuamente, con poche interruzioni, che tu potevi giocare a indovinare: "e ora che ci sara'?", per scoprire magari che erano sempre gli stessi. Si', pero' ruotavano. E ruotavano seguendo misteriose leggi combinatorie, o forse no, erano tutti programmati, ed allora il gioco era capire quali fossero le leggi della rotazione.

L'unica certezza era il Video della Settimana, che puntuale come i rintocchi della pendola passava alle scoccare delle ore. Ci sono ancora i Video della Settimana? Per un certo periodo, mi ricordo, c'erano anche le classifiche alla fine dell'anno dei migliori Video della settimana. Si votavano quelli del mese, poi si facevano gli spareggi, e ne rimaneva solo uno, il Video dell'Anno.

Col tempo si sono inseriti i programmi parlati, quelli intelligenti, dove si ragiona, si parla di libri, di battaglie sociali, di pubblicita' progresso. Sono arrivati i giochini al telefono, e perfino - questa non glie la perdono - VM Giornale, ovvero il notiziario dei gggiovani. 

La gestione Cecchi Gori ha portato in dote lo sport. Ho sempre adorato i canali tematici: rete sportiva per lo sport, rete musicale per la musica, rete di cartoon per i cartoon, e cosi' via. Invece succede il contrario: VideoMusic comincia a trasmettere il basket accanto a telefilm demenziali (chissa' perche' RAI e Fininvest non li avevano comprati), in mezzo a cartoni giapponesi (ma chi li guarda piu'?).

E cosi' ci rimane ben poco. Forse "Roxy Bar", che non e' male (a parte i pistolotti di zio Ronnie), e lo spazio di musica dal vivo in "Segnali di Fumo". Pero', diciamolo, non e' un gran che.

Non ci resta che fare buon viso a cattivo gioco. 

Su con il morale! Facciamoci la nostra compilation personale interattiva. Unica, irripetibile, sempre nuova. Ottimiziamo questo prezioso strumento che la tecnologia ci offre: il telecomando! Con o senza cappottino di gomma, fate come volete. E non venite a dirmi che lo zapping inebetisce. Balle. E' la solita storia. Una BMW può servire ad accompagnare tutti i giorni il nonno al Day Hospital, ma anche per schiantarsi contro un platano un bel sabato sera (magari con il nonno dentro).

Chi e' teledipendente mi capisce. Chi non lo e', ci provi.

Cosa c'è di più divertente - e formativo - che usare il telecomando per costruire un palinsesto super-personalizzato, in tempo reale, secondo per secondo? Un video di qua, un'intervista di là, un concerto a destra, uno spot a sinistra. Ammazziamo i tempi morti. Superiamo il superfluo. Evviva la TV interattiva! Il primo vero ipertesto, davvero alla portata di tutte le tasche. 

Cosi', quando VideoMusic si blocca su VM Giornale, basta zappare su MTV Europe (beato chi la vede). E quando MTV, allo scoccare delle 19, lascia il posto alla programmazione di Tele+3, c'e' sempre la scappatoia di qualche programma dinamico tipo "TSD (Tutto Sulla Dance)" o "Underground Music" su qualche rete locale.

"VideoOne" ci salva dall'ennesimo spot di automobili, mentre per riscattare la rubrica di medicina e salute ci vuole "Solo Musica Italiana". Ma qui ci sono anche le finte interviste on the road. Per carita'. Svicoliamo su "Mio Capitano", magari ne vale la pena. Niente? Allora diamo un'occhiatina al salotto di Rispoli, non si sa mai. Quando pero' prende parola la psicologa, via di nuovo. Ogni tanto capita di trovare qualcosa anche a "Super" (la ex-Superclassifica Show), in mezzo a una domenica rimasta orfana del classico "Discoring". 

Nessuno ci puo' fermare.

Ma dove scatta l'abbuffata e' sugli schermi di "Canta Italia", di "Romagna Mia", o di altre consorelle, che celebrano il nuovo trend delle orchestre spettacolo. Sana vecchia melodia all'italiana, cuore romagnolo, gole profonde che esalano buonismi deamicisiani, e tante patetiche storie per strappare una lacrima a tutta la famiglia. 

Insomma, niente e' perduto. Parafrasando il poeta contadino:
"Quando la zolla e' dura / dacci di zapping / e non aver paura!"
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UN POKER PER IL '96 (Tori Amos, Poe, 3rd And The Mortal, Bel Canto) / Gianni Galeota

Io non sono un gran giocatore. Tanto meno a carte. Pero' so che tra avere un poker in mano e non averlo, c'e' una bella differenza. 

E cosi', mi sono detto, perche' non offrire a chi ci legge una buona chance per il '96, magari gia' pensando alle classifiche di fine anno? Godiamoci un po' di buona musica, che si vive meglio! Al tempo stesso rendiamo la vita piu' facile al nostro Direttore che compila le meta-classifiche finali, e votiamo tutti le stesse cose!

Insomma, un poker vincente per tutti.

Un bell'asso di cuori e' per "Boys for Pele" di Tori Amos, per la dolcezza inquieta che circonda la sua musica. Trasferita nella campagna intorno a Cork, in un clima cosi' poco 'americano', ha concepito questi 70 minuti di sussurri e grida, intensi, scavati nel silenzio, minimali. Geniale l'uso dell'harpsichord, con quel suono cosi' desueto, e cosi' poco affine al pop. Da "Beauty Queen" a "Twinkle", una passeggiata indolore in mezzo a piccoli dolori, tra minuscole pieghe dell'anima, tra pagine di un diario nemmeno troppo segreto. Qualcuno dira' sicuramente: "Sono tutte uguali", oppure: "Ricorda troppo Kate Bush". Io gli rispondo: "E' vero. E con questo?" 

Fara' parlare i posteri, tanto vale avvantaggiarci.

Un asso di mattoni per Poe ed il suo "Hello", che le servano a costruire la nuova figura di folksinger americana, finalmente affrancata da Joni Mitchell, la Grande Madre di tutte le cantautrici. Poe spiazza chi la ascolta prevenuto. Rimanda a cose note, ma nessuna di queste riesce a definirla. C'è un po' di trip hop ("Another World"), talvolta travestito da ballad ("Beautiful Girl"), talvolta infantilmente canticchiato ("Hello"), e c'è perfino un po' di jazz ("Fingertips"). Non mancano echi di P.J. Harvey ("Trigger Happy Jack"), e della solita Suzanne Vega ("That Day"), pero' a noi piace pensarla come una nuova compagna di viaggio, che con "Fly Away" ci da' un delicatissimo arrivederci.

Noi ci saremo (speriamo).

Cuori e mattoni per due cantautrici, picche e fiori per due gruppi di provenienza dark, ambedue del nord Europa.

Picche per i 3rd and the mortal, in onore al gothic-metal norvegese, alle sue lance, alle sue borchie. In realta' i 3rd and the mortal fanno un percorso diverso. Regna nel loro secondo album, "Painting On Glass", una smisurata inquietudine, un disagio che spazia dalla malinconia rarefatta di "Aurora Borealis" agli scorci cosmici di "Azure", passando per la ballata gotica di "Crystal Orchids" - simile a certe cose dei Miranda Sex Garden - per materializzarsi poi in vocalizzi etnico-demoniaci ("Persistent And Fleeting"). Il dolore consuma, rode, ci accompagna anche nelle pause riflessive di "Commemoration", respirando nei fiati old jazz cosi' vicini a certi King Crimson d'annata. Però alla fine esplode, con tiratissitmi e disperati riff di chitarra, come in "Persistent And Fleeting".

Fiori per i Bel Canto, anche loro nordici in via di mondializzazione, perche' se son fiori fioriranno (come disse qualcuno ai tempi di "White-Out Conditions", nel 1987). Bene, quei fiori sono fioriti per davvero, e potrebbero essere l'orgoglio di qualunque giardiniere. 

Fiori di una razza strana, direi, dai colori e dai profumi difficili da definire. A quale specie o sottospecie possono appartenere semi delle brume nordiche trapiantati in terre mediorientali, fertilizzati con umori etnici ("In Zenith"), annaffiati con le acque sacre del Gange ("Bombay"), cullati da nenie alla Cocteau Twins ("Paradise"), risvegliate al ritmo di battute techno soul ("Rumour"), oppure blandite dal carillion di Tori Amos ("The Magic Box")?

La risposta, my friends, ancora una volta soffia nel vento.

Allora, come unica certezza, beccatevi questo bel poker, e fatene buon uso.

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CAPERCAILLIE ovvero IL DELIRIO DEL GALLO CEDRONE (Oltre il folk: percorsi esemplari: 12) / Gianni Galeota

Era capitato poco tempo fa anche a Enya, grazie alla pubblicita' di un'automobile. Era bastato far sentire poche note prese da un pezzo qualunque del suo spledido "Watermark", che tutti si erano precipitati nei negozi di dischi a chiedere: "Ma chi e' quella la'? Quella della macchina sospesa per aria..." Qualcuno provava anche a canticchiarla, li ho sentiti io.

Comunque Enya divento' un caso.

Ora sta accadendo qualcosa di simile ai Capercaillie <http://www.colloquium.co.uk/capercaillie/> (letteralmente: "gallo cedrone dei boschi"). Ricordo che fino a poco tempo fa, per avere un disco dei Capercaillie, bisognava raccomandarsi in gaelico scozzese a qualche fornitore che avesse uno spiccato senso dell'avventura. Non era molto facile. Ora ce l'hanno tutti in vetrina, e meno male. Un motivo in piu' per parlarne.

A chi frequenta i mezzi audiovisivi di massa non sara' sfuggito lo spot di un noto whiskey, del quale per ovvi motivi tacero' il nome. A chi frequenta le nostre pagine sara' invece capitato di leggere due righe sui Capercaillie, a proposito di Donal Lunny (ET n. 4) e di Rob Roy (ET n. 19). Mettete insieme il tutto, e il gioco e' fatto.

Spiccato il volo sotto i migliori auspici, questo splendido gallo cedrone dei boschi di Scozia si e' librato con rara eleganza sui territori della tradizione, sconfinando spesso in quelli di un pop rock di facile ascolto, ma non meno raffinato. "Crosswinds" del 1987 e "Sidewaulk" del 1989 sono le prime tappe del suo volo, sotto la stretta sorveglianza del falchetto Donal Lunny. Formazione  a sei, con qualche assestamento. Suoni tradizionali, con quell'impronta di modernita' che caratterizza il folk revival degli ottanta.

Poi con "Delirium" del 1991 il gallo cedrone impazza. Nello stesso album di "Breisleach" (quella del whiskey) c'e' "Servant to the Slave", che a certa critica non piacera' per nulla. In quel brano come in molti degli album successivi alcuni lamenteranno "un'enfasi concessa in modo avvilente alle tastiere elettroniche" (parole loro).

Intanto i Capercaillie vincono e convincono. Adorati in patria e ammirati fuori, diventano i fratelli scozzesi dei Clannad, i cugini dei Moving Hearts, gli amanti di tutti quelli che amano un'idea progressiva del folk, con o senza tastiere elettroniche.

Del '92 e' "Get Out", raccolta di remix e versioni live, del '93 un altro capolavoro "Secret People", e del '94 un'altra botta nello stomaco. Un album omonimo di remix a cura di Will Mowat, produttore dei Soul II Soul. Il risultato e' sorprendente: gaelico scozzese cantato su ritmi di soul sintetico, accattivante, eppure - non ci credete? - niente affatto snaturato. Il gallo cedrone ha infilato la testa nella torba, rendendo il suo canto un po' piu' nero.

Nel '95 esce "The Blood is Strong", una raccolta di brani composti dal 1988 come soundtrack di tre film per la TV. Di li' a poco vede la luce "To the Moon", ed il gallo vola ancora alto. Sound molto moderno, c'e' molto pop in quei 59 minuti, sano e generoso, ma c'e' anche molta tradizione. "Ailein Duinn" (ripresa e remixata dal soundtrack di "Rob Roy") e' emblematica: atmosfera rarefatta, splendida prova al canto (Karen Matheson), soffice tappeto di tastiere (Donald Shaw), lento pulsare di basso (John Saich), arpeggi di bouzouki in lontanza (Manus Lunny), inserimenti ad effetto di violino (Charlie McKerron), ospite la sempre incisiva uillan pipe di Davy Spillane.

Raccomandato a tutti, come un bicchiere di buon whiskey. Ottimo anche per chi e' astemio. Con questa roba non ci si ubriaca, o non si va in gallina (come dice qualcuno), al massimo si va in gallo. Cedrone, naturalmente...

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IL DIRITTO DI FAR CASINO E LA GUERRA PER RIME: BEASTIE BOYS & PUBLIC ENEMY (Cheap thrills: 3) / Marco Centofanti

I dischi di questa puntata sono: 
- Beastie Boys : Licensed to ill :  CBS - Def Jam recordings : 1986.
- Public Enemy : Yo! Bum rush the show : Def Jam recordings : 1987. Tutti i titoli seguiti da asterisco (*) sono disponibili in edizione economica.

Siamo sinceri: cosa ascoltavamo nell'86/87 tutti noi adepti del Culto del Vero Sentire Rock?
Forse lo ricordate, ma per sicurezza possiamo controllare le playlist di fine anno di due dei mensili specializzati nazionali piu' seguiti (e rappresentativi di tendenze diverse): Mucchio Selvaggio e Rockerilla. Ne riportiamo un breve estratto:

1986: MUCCHIO SELVAGGIO
1: Stan Ridgway: The Big Heat
2: Died Pretty: Free Dirt
3: R.E.M.: Lifes Rich Pageant
4: Bruce Springsteen: Live 1975-85
5: Nick Cave: Kicking Against The Pricks

1986: ROCKERILLA
1: Billy Bragg: Talking With A Taxman About Poetry
2: Breathless: The Glass Bead Game
3: The Smiths: The Queen Is Dead
4: Nick Cave: Kicking Against The Pricks
5: Died Pretty: Free Dirt

1987: MUCCHIO SELVAGGIO
1: U2: The Joshua Three
2: Willy De Ville: Miracle
3: Bruce Springsteen: Tunnel Of Love
4: Gang: Barricada Rumble Beat
5: Husker Du: Wharehouse

1987: ROCKERILLA
1: Breathless: Three Times And Waving
2: Husker Du: Wharehouse
3: Opal: Happy Nightmare Baby
4: Primal Scream: Sonic Flower Groove
5: Paul Roland: Danse Macabre

Non saremo certo noi a voler sindacare scelte di tanti anni anni orsono (tenuto oltretutto conto di quel che dice il saggio a proposito del senno del poi e del fatto che, all'epoca, annuivamo convinti), ma, fateci caso, non c'e' un solo Lp di un artista di colore.
Eppure proprio in quel biennio stava venendo allo scoperto un fenomeno esistente da diversi anni e fino ad allora seguito solo da pochi carbonari, un fenomeno destinato a rivoluzionare il corso della musica del decennio seguente come solo il punk aveva fatto circa 10 - 12 anni prima: il rap, che avrebbe portato alla cosiddetta contaminazione del suono rock con quello black e alla rivalutazione della musica nera dopo un lungo ostracismo (ricordate le bolle di scomunica? era tutta "musica da ballo" e con cio' si chiudeva la questione. E ricordate come guardavamo chi confessava di ascoltare Steve Wonder? Gia' si rischiava con Prince!) .
La faccenda scoppio' in faccia a tutti, ci fu chi fece finta di nulla e prosegui' come se nulla fosse, chi si spaccio' per appassionato da sempre, chi, con dignita', ammise i propri errori di valutazione e, certo, c'e' chi ancora  oggi nega l'evidenza. Solo pochissimi avrebbero potuto scrivere: "L'avevo detto", e furono quelli che non lo fecero...

Ma come pote' una "cosa" strampalata, esistente in embrione dall'inizio degli anni 70, facente riferimento ad una cultura ai piu' sconosciuta (l'hip-hop), disarmonica all'orecchio bianco - eurocentrico, impraticabile per i non anglofoni, ad imporsi di botto su scala mondiale?
A farla breve la "colpa" fu della accoppiata Russel Simmons (manager della Def-Jam Records) - Rick Rubin (produttore), che ebbe l'idea geniale di, citando Guido Chiesa, "unire al ritmo duro e ballabile del rap la sferzata aggressiva e lancinante delle chitarre rock (...) Il risultato ? Una miscela esplosiva, in grado di catalizzare il meglio della musica nera da strada e la radice antagonista del suono duro della gioventu' bianca."

Le avvisaglie erano gia' state chiare nell'85, sia a livello artistico che di classifica,  con "Radio" (*), primo Lp di LL Cool J, un suono scarnificato, qualche sporadico break di percussioni e tanta faccia tosta, ma e' l'anno seguente che, sempre sotto la guida dei due, viene licenziato un monster - hit come "Walk This Way", cover dei Run-Dmc di un vecchio successo degli Aerosmith (che, guarda caso, dal vivo devastavano le platee con "Mother Popcorn" di Mr. Dynamite James Brown, l'uomo piu' campionato dai rappers di tutto il globo... il cerchio si chiude). E' un rifacimento ad alto tasso energetico, suonato con la collaborazione degli stessi redivivi Perry e Tyler; basta un video molto carino ed e' subito il quarto posto delle classifiche USA.

Il medesimo anno la Def-Jam fa' saltare il banco con tre debosciati, per ironia della sorte bianchi, che inneggiano al loro sacrosanto diritto di far casino. Sono i Beastie Boys di "Licensed to ill" (*), copertina divertente, facce da schiaffi e via con un'orda di campionamenti, goliardate a sfondo sessuale, voci sguaiate e tutto il campionario del caso. Paolo Ferrari nella recensione originale scriveva: "Finalmente! Ma ci voleva tanto ad arrivare a questa semplicita' distruttiva, a questi suoni tanto veri e sporchi da farci tornare alla mente l'irruzione dei primi dischi punk nelle nostre case ?". In poche parole, 3 nerds sbronzi da far schifo sfornano forse il piu' grande party - album di tutti i tempi: parolacce, birre, tette, casino, rap e metal... che desiderereste di piu' se aveste 17 anni?

Si parte con la devastante "Rhymin' and stealin'", gran colpi di batteria, entra il chitarrone e la loro filosofia di vita e' subito chiara, non c'e' bisogno di tradurre: "... I'm dealin' - I'm drinking, not thinking, never cower, never shower - and I'm always stinking, yo ho ho and a pint of Brass Monkey and when my girlie shakes her hips - she sure gets funky ...", e se non fosse abbastanza ci pensa "No sleep 'til Brooklyn", dove c'e' pure il compagno d'etichetta Kerry King degli Slayer a martellare le orecchie con l'assolo di chitarra: "Il mio non e' lavoro - e' una figata, citta' dopo citta' sbraito le mie rime, in giro per tutta la nazione, per i Beastie Boys e' sempre vacanza (...) Vado da costa a costa e guardo le ragazze che si scuotono mentre tu sei al lavoro dalle 9 alle 5 (...) un altro posto, un altro treno, un'altra bottiglia nal cervello, un'altra ragazza, un'altra rissa, un'altra notte in giro a guidare".

Ma il vero shock e' il formidabile punk rock (qualche anno ancora e l'avremmo definito crossover) "Fight for your rights (to party)". E' la quintessenza del pop nella accezzione migliore del termine: adolescenziale, potente, demenziale, breve, divertente: "Ti sei alzato tardi per la scuola e, ragazzi, non ci vuoi andare, lo dici alla mamma che dice di nuovo -NO!- hai gia' perso 2 classi e non fai i compiti ma la tua maestra ti tratta come un cretino. Papa' ti ha beccato che fumavi e ha detto -Non provarci!!- quell'ipocrita, si fa 2 pacchetti al giorno. Raga, vivere in casa e' una rottura pazzesca, adesso la mamma ha buttato via il tuo miglior giornaletto porno. Devi lottare per il tuo diritto di far casino!".

Se i B.B. girano l'unione con uno show a base di lattine di birra, ragazze seminude che danzano in una gabbia, enormi falli gonfiabili e sciccherie similari che infiammano i teen-agers, scandalizzano i benpensanti, fanno loro rischiare diversi arresti negli stati del Sud e, soprattutto, portano l'Lp a veleggire alto in classifica, c'e' chi pensa a far sul serio, a riallacciarsi alle tradizioni di lotta ed orgoglio della street-music afroamericana: sono Richard Griffin, Carlton Ridenhour, William Drayton, Norman Rogers, alias Professor Griff ("ministro dell'informazione e responsabile del servizio dell'ordine"; verra' poi estromesso a causa di una serie di polemiche conseguenti a sue pesanti dichiarazioni), Chuck D (rapper), Flavor Flav (rapper) e Terminator X (dj): i Public Enrmy, dei quali tralasciamo la pur importante biografia per motivi di spazio.

Sempre nell'86 e sempre per la Def Jam, esce il loro primo singolo "Public Enemy No.1", e l'anno seguente e' la volta del primo Lp, "Yo! Bum rush the show" (*), che vende circa mezzo milione di copie ed e' disco dell'anno per New Musical Express.
Il party dei Beasties e' finito, la copertina e' da combattimento, i P.E. sono raffigurati nella semioscurita' ed in divisa militare, in basso una scritta ripete ad lib.: "Il governo e' responsabile", il logo del gruppo e' un uomo al centro di un mirino.

E'musica (?) mai sentita, le basi sono dure, ostili e primitive pur nella loro intricata complicatezza. Come scrive Alberto Campo nella introduzione alla indispensabile traduzione dei testi (Arcana Editrice), "... ci si rende conto immediatamente della duplice natura del messaggio. Da una parte la prepotenza verbale del rap originario (...) e d'altro canto l'esortazione alla comunita' - della quale frattanto ci si e' dimostrati appartenenti, portandole rispetto - (...) volta a sollecitare mutamenti nell'attitudine e nei comportamenti. Quattro concetti chiave: 1. Basta con la droga (Megablast) 2. No alla prostituzione (Sophisticated bitch) 3. Riprendiamoci cio' che e' nostro (Yo! Bum rush the show) 4. Sappiate chi siete (Rightstarter)".

In "My Uzi weighs a ton" Chuck dice:"... il mio Uzi (fucile mitragliatore) pesa una tonnellata (...) ammazzerei affinche' il pubblico capisse i miei argomenti, i codardi criticano ogni dettaglio dei miei testi, non vedo l'ora di leggere i titoli sulla mia cattura, accusato di violenza perche' sconfiggo i rivali con le rime (...) il ruolo di Nemico Pubblico di cui sono fiero non e' uno scherzo e io non sono un fantoccio ...", in "Timebomb": "... Sono il protettore degli MC, flagellatore degli USA, nemico del governo Sudafricano, una forza di pantera, puoi sentirlo nel mio braccio, attenti che sono una bomba ad orologeria ...", in Rightstarter: "Negli anni '80 spendi un dollaro e ottieni un predicatore che perdona questa tortura di sistema che si e' impossessato di te, sono in missione e l'hai capito (...) cresci senza conoscere il tuo passato e sembri un po' scemo stando li' a muovere il culo ...".

"Yo! Bum rush the show" non e' il miglior Lp dei P.E. (palma che spetta forse al successivo "It takes a nation of millons to hold us back", e del resto anche la produzione dei Beasties post-"Licensed to ill" meriterebbe attenta analisi, ne riparleremo), ma e' lo stesso un disco irrinunciabile: l'atto di nascita del rap adulto, che da strumento per ballo, divertimento, autoesaltazione si tramuta in mezzo di lotta e (contro)informazione, veicolo di messaggi alla propria comunita'; suoni per "party" (festa) e parole da leader di "party" (partito).

I Public Enemy estremisti? rivoluzionari confusionari e senza basi teoriche? Razzisti? Forse, ma con opinioni e forza da vendere. In ogni caso, da ascoltare attentamente prima di giudicare.

P.S. A proposito, le critiche di cui sopra sono spesso state poste pure ad un gruppo che, noi Adepti del Culto del Vero Sentire Rock, abbiamo sempre amato e difeso ad oltranza: i Clash...

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RECENSIONI IN BRANDELLI : 7 / RR

LES JUMEAUX : FEATHERCUT : 1996. Gli In The Nursery <http://www.fys.ruu.nl:80/~dompselr/itn/home.html> sotto falso nome che fanno trip-hop con risultati piu’ che lusinghieri.

BABBLE : ETHER : 1996. Anche i Thompson Twins fanno trip-hop sotto falso nome (che ci sia davvero da vergognarsi?) arricchendolo (o banalizzandolo?) con le loro melodie pop e ottenendo risultati non disprezzabili. Nasce il trip-pop?

MARION : THIS WORLD AND BODY : 1995. U2 in centoventottesimo.

BABY BIRD : I WAS BORN A MAN; BAD SHAVE; FATHERHOOD; THE HAPPIEST MAN ALIVE : tutti 1995. Il cantautore elettronico Steven Jones ha inciso in solitudine centinaia di demo e li divulga in ben quattro album in edizione limitata, in attesa di incidere il suo primo album “ufficiale” con tanto di vero gruppo e vera distribuzione. Lui le chiama “canzoni d’amore disturbate” e oscillano fra pura melodia pop acustica low-fi ed elettro-noise straniato. Tutte sono curiose, alcune sublimi. Un artista da seguire.

SPAIN : THE BLUE MOODS OF SPAIN : 1995. Atmosfere jazzy notturne, dilatate e sofisticate; voce e sonorità che ricordano dei Tindersticks più “puliti” ed educati per un esordio che e’ gia’ un classico. Un disco da consigliare anche a chi non ascolta abitualmente il rock.

SMOG : WILD LOVE : 1995. Dopo un album di debutto (SEWN TO THE SKY : 1990) sperimentale e un MiniLP (BURNING KINGDOM : 1994) che denunciava incertezza sulla direzione da prendere, gli Smog partoriscono una piccola gemma in bilico fra melodia e dissonanza. Dei Pavement meno rumoristici e piu’ lirici.

DENIM : DENIM ON ICE : 1996. Lawrence Heyward Denim, dopo aver tracorso tutti gli anni ‘80 coi Felt a cesellare squisiti quadretti acustici in controtendenza rispetto all’imperante elettronica, recupera adesso il tempo perduto col suo nuovo gruppo (alla seconda uscita dopo BACK IN DENIM del 1992) e si tuffa, nuovamente in controtendenza, in puro techno-pop eighties. Garbo, nostalgia, melodia, auto-ironia e testi autoreferenziali (l’ultima canzone comincia con “so we’re come to the end, there’s not much left to say now, so let’s recap, weigh up the merchandise, you’ve heard songs about pub rock, oral sex and junkies, and that’s denim, denim on ice” dopo che le precedenti hanno parlato di “syntesizers in the rain”, “great pub rock revival”, “best song in the world”, New Musical Express, Kim Wilde, Spandau Ballet, Sigue Sigue Sputnik, Telex, Trio, Krawtwerk, Rough Trade e Cherry Red).

  <--------ELEPHANT-----TALK---------fine del numero 22---------->

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   >---------------->  ELEPHANT TALK  <---------------< 
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     fanzine elettronica musicale 
    <http://www.look.it/e-zine/elephant/elew.htm>
    diretta da Riccardo Ridi <mailto:ridi@sns.it>
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 Numero 23 (15 Giugno 1996)

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100 ALBUM 1990-1995 / a cura della redazione di Elephant Talk-Web

Quando, nelle prime settimane dell’anno, si fanno i consuntivi della trascorsa stagione, si rischia sempre di sopravvalutare le uscite piu’ recenti a scapito di quelle ormai remote. Per chi risiede ai confini dell’impero si aggiunge la difficolta’ di reperire, assimilare e giudicare in tempo utile dischi che vengono importati con mesi e mesi di ritardo. 

Per ovviare, almeno parzialmente, a questi inconvenienti, e inquadrare con un minimo di prospettiva storica i principali prodotti discografici degli ultimi anni, ciascuno dei membri della redazione di Elephant Talk/Web ha stilato una propria personalissima classifica degli album preferiti usciti fra il 1990 e il 1995, estremi compresi. RR ha poi aggiunto l’analoga lista pubblicata sul numero di Febbraio della rivista specializzata inglese “Select” e ha miscelato il tutto. Ne sono scaturiti 375 titoli, di cui presentiamo ora su Elephant Talk i primi 15 e prossimamente su Elephant Web <http://www.look.it/e-zine/elephant/elew.htm> i primi 100. Chi proprio non potesse resistere alla morbosa curiosita’ di conoscerli tutti, puo’ richiederne l’elenco completo a RR per posta elettronica.

Solo DUMMY dei Portishead ha ricevuto 5 voti sui 5 disponibili (i 4 redattori + “Select”). Solo BOSSANOVA dei Pixies e DEBUT di Bjork ne hanno ricevuti 4 su 5. Solo John Cale e’ risultato presente con 4 album (2 solisti, 1 con Brian Eno e 1 con Lou Reed); 3 album a testa invece per Blur, Julian Cope, Dinosaur Jr, Brian Eno, PJ Harvey, Manic Street Preachers, Morphine, Nirvana, Pavement, Paul Weller e Neil Young. Un solo album italiano e’ comparso in classifica: ANIMA MIGRANTE degli Alma Megretta, al 258. posto. La migliore compilation e’ risultata HELP, per i bambini della Bosnia.

Molti artisti sono stati paradossalmente penalizzati dall’aver partorito diversi buoni dischi nel periodo esaminato, disperdendo le preferenze su vari titoli e perdendo posizioni in classifica. Tale sorte e’ capitata a: Alice in Chains, Aphex Twins, Frank Black, Boo Radleys, John Cale, Nick Cave, Cranes, Cypress Hill, Dinosaur Jr, Brian Eno, Flaming Lips, Front 242, PJ Harvey, His Name Is Alive, Ice-T, Material, Mazzy Star, Oasis, Red House Painters, Lou Reed, REM, Saint Etienne, Slowdive, Smashing Pumpkins, Sonic Youth, Suede, Paul Weller, Jah Wobble, Neil Young e Hector Zazou.

Questa la distribuzione per anno dei primi 100 (fra parentesi invece quella dei 375 totali):
1990 = 15 (44)
1991 = 13 (65)
1992 = 15 (58)
1993 = 18 (76)
1994 = 21 (71)
1995 = 18 (62)

Questa infine la classifica:

#	AUTORE	AN TITOLO	
1.	Portishead	94	DUMMY	 
2.	Pixies	90	BOSSANOVA	
3.	U2	91	ACHTUNG BABY	
4.	Nirvana	91	NEVERMIND	
5.	Morrissey	94	VAUXHALL AND I	
6.	No Man	94	FLOWERMOUTH	
7.	U2	93	ZOOROPA	
8.	R. Sakamoto	90	BEAUTY	
9.	Cocteau Twins	90	HEAVEN OR LAS VEGAS	
10.	Massive Attack	91	BLUE LINES	
11.	Smashing Pumpkins	95	MELLON COLLIE...
12.	Tindersticks	95	TINDERSTICKS [II]	
13.	Tindersticks	93	TINDERSTICKS [I]	
14.	Lou Reed & John Cale	90	SONGS FOR DRELLA	
15.	Lavelle,Caroline	95	SPIRIT	

------------------------------------------------------------------------------CLANNAD ovvero SFOGLIANDO L’ALBUM DI FAMIGLIA (Oltre il folk: percorsi esemplari: 13) / Gianni Galeota

Everyman passeggia distrattamente per la casa. Un pomeriggio da non sapere cosa fare. Un occhio distratto fuori dalla finestra. Un occhio alla TV. Distrattamente.

Che roba e'? Qualcuno gliel'ha detto, che passano dei video musicali in TV. Siamo nell'autunno dell'85.

Nuvole nere che si addensano su di un paesaggio desolato. Immagini di un funerale. Una strada di campagna. Facce antiche, scavate. Una voce sembra strappata dalle viscere della terra, e ripulita con lembi di quel cielo cosi' denso, pieno di nuvole che passano via. Una bicicletta cade. Piove.

Everyman si ferma a sedere. Ascolta con attenzione. La melodia e' punteggiata da arpeggi sicuri, nitidi, come per tenere il conto delle ore che rimangono da vivere. "In a Lifetime", dice una scritta che compare sullo schermo. D'improvviso una figura nera intona una melodia che lentamente si avvicina all'altra, si sovrappone, si intreccia. I sospiri si fanno gemiti, poi grida. Torna l'arpeggio iniziale, un sax stride in dissolvenza.

Poi piu' niente. Tutto sfuma.

Everyman si ferma a pensare. Senza capire una parola, sente che in quel pezzo c'e' molto di se', della sua vita (che poi e' la vita di tutti).

Oggi Everyman e' un po' piu' ricco. Sa tutto dei Clannad, della loro musica, e sa che "Clannad" in gaelico vuol dire "famiglia". Conosce le distese aspre del Donegal, senza esserci mai stato, le sue scogliere, le sue case spazzate dai venti del Nord. Frequenta la casa dei fratelli Brennan (Maire, Paul, Ciaran) e dei fratelli Duggan (Noel, Padraig), parenti dei Brennan, senza averli mai incontrati. E' diventato anche lui uno di famiglia. Che poi e' la famiglia di tutti.

Sfoglia il loro album di foto, a cominciare da quella del loro primo album, quel "Clannad" del lontano 1973 che li ha rivelati come promesse del folk revival irlandese, passando poi per "Clannad 2" (74), "Dulaman" (76), "In Concert" (79) e "Crann Ull" (80), che quelle promesse hanno puntualmente confermato.

Everyman si ferma spesso a pensare. Davanti a "Fuaim" del 1982 ricorda le spregiudicate inserzioni jazzate, sempre piu' frequenti in un contesto che ha sempre guardato avanti, che non ha mai offerto scenari scontati, a costo di escludere dalla fomazione, fin dall'inizio, fiddle, uillean pipe, tin whistle, e altri strumenti della tradizione. Con "Fuaim" tutto questo si accentua. Siamo alla vigilia di una svolta importante. 

Nella foto di "Fuaim" sorride la sorellina minore, quella Enya protagonista di altre avventure non lontane da quelle dei Clannad.

Everyman volta pagina. 

"Magical Ring" dell'83 e' legato a quel "Theme from Harry's Game" (soundtrack della serie televisiva) che amplifica la fama dei Clannad. E cosi' "Legend" dell'84, legato ad un Robin Hood televisivo. Il sound e' sempre piu' elaborato, le tastiere contrappuntano le voci in un abbraccio quasi mistico. Ora Maire e' da sola, ora sono i cori a dominare.

Ma ecco "Macalla", il capolavoro dell'85. Everyman ricorda ancora quel primo incontro, quel video, quella strana sensazione. Che ora sa come chiamare. Non ringrazia mai abbastanza i suoi Clannad, e la comparsata di Bono, in prestito dai conterranei U2. Gli perdona anche il mezzo scivolone di "Sirius" dell'87, forse un po' snaturato. D'altra parte le scelte coraggiose viaggiano sul filo di una lama.

Everyman sa che di solito in questi casi ci si ferma. E si fa il punto. Nell'88 esce un' antologia con due splendidi inediti. L'anno dopo due soundtracks strumentali: "The Angel And The Soldier Boy" e "Atlantic Realm". La new age e' molto vicina. I conterranei e amici Nightnoise hanno pubblicato l'anno prima "At The Evening Tide", che e' gia' un classico.

Everyman volta ancora pagina.

Nella foto di "Anam" (1990) Maire guarda fuori dalla finestra. Ciaran e' in piedi contro il muro, i fratelli Duggan sono a sedere, in primo piano. Manca Paul, che da allora viaggia da solo, oppure in compagnia di altri musicisti, di altre famiglie, di altre Irlande. "Anam" e' una robusta sintesi, dopo il bagno strumentale. Si torna ai livelli di "Macalla", si torna al meglio.

Nel 93 i Clannad regalano al film "The Last Of The  Mohicans" la splendida "I Will Find You", che comparira' poi in "Banba", dello stesso anno. Un'altra perla, un'altra foto dolente e misteriosa.

Ora Everyman sta aggiungendo al suo album le ultime foto di "Lore", uscito nel 96. Nella prima c'e' Don, vecchio e presumibilmente saggio, nell'atto di leggere al piccolo Paul - che ascolta attento - qualche antica verita' da un libro che tiene in mano. Forse gli tramanda il sapere, quel "lore" del popolo, che tutti citiamo nella parola "folk-lore". 

Ma nella seconda foto c'e' Don che ha smesso di leggere, e Paul che gli sta di fianco, ridendo, e gli suggerisce qualcosa nell'orecchio. 

Everyman si chiede a quale dei due si senta piu' vicino. Si ferma a pensare. Poi capisce che in lui c'e' un po' di tutti e due, che ha qualcosa da raccontare, eppure ancora tanto da ascoltare. Ma capisce, soprattutto, che la sua vita e' proprio questo. 

E che in fondo e' la vita di tutti.
  
------------------------------------------------------------------------------JACQUI McSHEE ovvero L’ANGOLO PIU’ ACUTO DEL PENTAGONO (Oltre il folk: percorsi esemplari: 14) / Gianni Galeota

DOMANDA: Ma secondo te, quanto ha influito il blues sul folk revival inglese dei settanta?
RISPOSTA: Basta chiederlo ai Pentangle.

D: E chi sono?
R: Uno dei gruppi fondamentali del movimento, se cosi' si puo' chiamare. Cinque grosse individualita' fuse miracolosamente in un ensemble acustico, che ha combinato la tradizione musicale britannica con il jazz & blues nero americano. Niente strumenti tradizionali: niente violini o cornamuse. Repertorio misto, un po' folk, un po' blues, un po' jazz. Il tutto suonato con due chitarre acustiche, un contrabbasso, percussioni, e voce.

D: Ah si?
R: Proprio cosi'. Un album di esordio, omonimo, che risale al '68. Poi un doppio, "Sweet Child" mezzo dal vivo e mezzo in studio, che rimane un caposaldo. Poi altri quattro capolavori, fino ai primi settanta. E poi...

D: Non mi dire che si sono sciolti...
R: Non esattamente. O meglio, si sono sciolti, per poi riunirsi nell'84. Cinque dischi in dieci anni, roba di buon livello, ma non proprio la stessa cosa.

D: Meglio prima, eh?
R: Dall'84 non e' piu' neanche la stessa formazione.

D: Insomma, un'altra band.
R: Praticamente si'. Dell'enorme portata innovatrice degli anni d'oro non e' rimasto nulla. Comunque sempre roba di un certo livello...

D: Che ne e' stato dei musicisti?
R: Tutti ben piazzati. I due chitarristi, già noti ed apprezzati prima dei Pentangle, hanno continuato carriere solistiche di primo piano. John Renbourn ha sviluppato l'interesse per la musica di corte cinque-seicentesca, con raffinati album, ora da solo, ora con Robin Williamson, ora con Stefan Grossman, ora con l'inseparabile partner di sempre.

D: L'altro chitarrista del gruppo?
R: Sì, appunto, Bert Jansch. Anche lui autore di decorosi episodi solistici. In lui l'amore per il blues è più evidente.

D: E gli altri?
R: Terry Cox ha suonato batteria e percussioni un po' dovunque. Mai come Danny Thompson, che ha sviluppato il suo amore per il contrabbasso jazz con un repertorio ormai lontano dal folk revival. Per la cronaca, ha suonato anche nei dischi di David Sylvian, Alison Moyet, Julian Cope, Kate Bush, Everything but the Girl, Billy Bragg, e perfino di Alice.

D: Capperi! Ha fatto proprio di tutto...
R: Sì, e dovunque ha portato il tocco delicato e suggestivo del suo double bass.

D: E siamo a quattro. Che ne e' del quinto?
R: Della quinta, vorrai dire. Jacqui McShee, una delle voci più straordinarie che siano passate sulla scena del folk e dintorni.

D: Lei che fa?
R: Oltre ad essere ancora in forze negli attuali Pentangle, insieme a Jansch, ha pubblicato nel '95 il suo primo album da solista. "About Thyme", si chiama, ed e' incredibile quanta freschezza si respiri in quel disco. Altro che Pentangle nuova versione!

D: Meglio?
R: Molto di piu'. Ho letto da qualche parte che in questo disco lei da sola e' la continuatrice piu' credibile dei primi Pentangle, piu' di quanto non lo siano gli stessi Pentangle reincarnati. E non e' mica sbagliato.

D: In che senso 'continuatrice'?
R: Si respira un'aria molto simile. C'e' quella stessa fusione energica, ma al tempo stesso delicata, che li distingueva. Dieci brani, di cui sei originali, e quattro traditional. Eppure non si sente la differenza. Il sound blues-jazz si e' fatto piu' ricco, ci sono percussioni piu' elaborate, che richiamano piuttosto certi ritmi tribali...

D: Vuoi dire africani?
R: Si', ma sempre in punta di penna. E non c'e' solo questo. C'e' anche uno splendido piano che accompagna Ralph McTell in "Factory Girl". Ralph McTell che canta con Jacqui McShee: un duetto che non si dimentica. C'e' "Indiscretion", uno standard jazz di grande atmosfera, con tanto di contrabbasso sinuoso, di spazzole, con un sax che fa un paio di incursioni sospirose.

D: E di folk vero e proprio non ce n'e'?
R: Quanto ne vuoi. Ad esempio c'e' una versione di "The Life Of Ushers Well", un classico. Eppure, ti assicuro, non lo diresti mai...

D: In che senso?
R: Voglio dire che non si capisce bene se sia folk, blues, o jazz, o chissa' cos'altro. E questo vale per tutti i pezzi dell'album, tradizionali e non.

D: Insomma, me lo consigli?
R: Tu che dici?

D: Ma le domande non le facevo io?
R: !!!

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RIPORTANDO TUTTO A CASA: LA BALLATA DI UN UOMO SOTTILE: BOB DYLAN (Cheap thrills: 4) / Marco Centofanti

Il disco di questa puntata e' Bob Dylan, HIGHWAY 61 REVISITED, Columbia, 1965. Tutti i titoli seguiti da asterisco (*) sono disponibili in edizione economica.

Robert Allen Zimmerman, alias Bob Dylan. nasce nel 1941 a Duluth, Minnesota, e dopo essere fuggito piu' volte di casa e aver vagabondato con la chitarra a tracolla emulando le gesta del suo idolo Woodie Guthrie, nel 1961 si trasferisce a New York per visitare il folksinger ammalato ed inserirsi nella scena locale.

Quello stesso anno ottiene un contratto discografico presso la Columbia grazie al grande talent-scout John Hammond Jr., cosi' nel 1962 esce il suo primo disco, "Bob Dylan"(*). E' un album estremamente rispettoso della tradizione folk, contenente piu' cover (House of the rising sun, See that my grave is kept clean, Man of constant sorrow…) e un toccante omaggio al maestro, "Song to Woody": "Hey Woody, io lo so che tu sai tutte le cose che dico e molte altre piu'. Canto per te, ma non posso cantare tutto perche' ci sono pochi al mondo che hanno fatto le cose che hai fatto tu…", anche se le rielaborazioni sono molto personali e decisamente riuscite.

Il 1963 e' l'anno di "The freewheelin' Bob Dylan" (*), certo uno dei sui dischi piu' classici ed immediati, quello che lo rende il portavoce della protesta civile americana, definizione riduttiva che Bob cerchera' subito di scrollarsi di dosso. All'interno scorrono le memorabili "Blowin' in the wind": "Quante volte un uomo deve alzare la testa prima che veda il cielo ? Si', e quante orecchie deve avere un uomo per poter sentire la gente soffrire ? Si', e quante morti ci vorranno prima che sappia che in troppi sono morti ? La risposta, amico mio sta soffiando nel vento", la anti-nucleare "A hard rain is gonna fall", la durissima "Masters of war", cantata con voce decisa, sprezzante: "Venite avanti, Signori della guerra, che costruite tutti i cannoni, che costruite gli aerei della morte, che costruite le grandi bombe, che vi nascondete dietro i muri, che vi nascondete dietro ad una cattedra, voglio solo che lo sappiate che posso vedere dietro le vostre maschere… Mi passate un fucile poi correte al riparo, vi voltate e correte via quando volano le pallottole… Avete sparso il terrore peggiore, il terrore di mettere dei figli al mondo… Ma so una cosa sebbene sia piu' giovane di voi, che neppure Gesu' perdonerebbe mai cio' che fate… Lasciate che vi chieda una cosa, il vostro denaro e' cosi' buono da comperarvi il perdono ? Pensate che possa ? Credo che scoprirete quando la morte vi chiamera' che tutti i soldi che avete fatto non potranno mai ricomperarvi l'anima. E io spero che moriate, e la vostra morte arrivi presto. Seguiro' la vostra bara nel pallido pomeriggio e guardero' mentre vi sotterrano nel vostro sepolcro, staro' sulla vostra tomba fino a che saro' certo che siete morti."

Sempre nel 1963 esce l'esplicito "The times they are a-changing" (*), che fa di Dylan il leader dei folksinger militanti. Il disco e' bello, ma forse non e' invecchiato bene come suoi altri; comunque bastano "With God on our side", "Ballad of Hollis Brown" e le parole della canzone che lo intitola per renderlo immortale: "Radunatevi gente dovunque voi siate, e ammettete che le acque attorno a voi sono montate, e accettate che presto sarete inzuppati sino all'osso… E' meglio che nuotiate perche' i tempi stanno per cambiare. Venite scrittori e critici che profetizzate con la penna e tenete gli occhi aperti, perche' l'occasione non tornera' ancora, e non parlate troppo presto dato che la ruota sta ancora girando e non si puo' dire chi indichera', e il perdente di oggi domani vincera'… Venite padri e madri di tutta la nazione e non criticate quello che non comprendete, figli e figlie sono oltre il vostro comando, la vostra strada sta invecchiando in fretta, per favore scansatevi dalla nuova se non potete aiutare, perche' i tempi stanno per cambiare".

1964, e' la volta di "Another side of Bob Dylan" (*) ed e' per davvero un altra faccia quella che Dylan ci mostra: i motivi si fanno piu' intimisti rispetto ai dischi precedenti,  ecco "I don't believe you": "Non capisco, mi ha lasciato andare mollandomi a fissare il muro… Malgrado ci siamo baciati nella notte infuocata, lei diceva che non avrebbe mai dimenticato, ma ora alla luce del mattino, e' come se non fossi qui e lei si comporta come se non mi avesse mai incontrato"; c'e' il divertente "Motorpsyco nightmare": "Busso ad una fattoria cercando un posto per riposare… Be' esce un contadino, deve pensare sia matto, mi guarda e mi pianta il fucile in pancia… Comincia a gridare sei il rappresentante di cui ho sentito parlare, io dico no no no, sono dottore per davvero, sono un bravo ragazzo e ho pure fatto l'universita'… Arriva sua figlia Rita, sembra saltata fuori da La Dolce Vita… Puoi andare a dormire, solo una condizione, che non tocchi mia figlia e al mattino mungi la vacca… Davanti mi trovo Rita che sembrava Tony Perkins, dice vuoi fare la doccia, ti mostro la porta, dico no no, ci sono gia' passato per queste storie, sapevo che era il caso di filare ma non sapevo come… Cosi' strillo mi piace Fidel Castro e la sua barba, Rita sembra offesa ma si leva di mezzo ma lui arriva correndo su per le scale gridando cosa hai detto ?… Prima colpisce il frigo e mi dice che mi ammazza se non esco in 2 secondi, voi traditori topi marci dottori comunisti, mi tira il Reader's Digest in testa e io scappo… Mi aspetta ancora, vuole denunciarmi all'FBI, io salto contento, senza liberta' di parola sarei stato nei casini."
I temi sociali rifanno capolino nel grande inno poetico alla liberta' "Chimes of freedom", mentre nella apparentemente enigmatica "My back pages" compare la dichiarazione di distacco dal circuito folk "… non so come, ma ero molto piu' vecchio allora, sono piu' giovane adesso".

"Bringing it all back home" (*) esce nel '65 e la svolta comincia a prendere forma compiutamente: compaiono i primi strumenti elettrici e le distanze dal folk canonico diventano incolmabili. Contiene, tra le altre, la potente "Maggie's farm": "Non lavorero' piu' alla fattoria di Maggie, no non ci lavorero' piu', mi sveglio al mattino, incrocio le braccia e spero che piova; ho la testa piena di idee che mi fanno impazzire, e' una vergogna come mi fanno strofinare il pavimento…", quella "Mr. Tambourine man" che avevano gia' portato al successo i Byrds e nella quale molti lessero decisi riferimenti alla droga: "… portami in viaggio sul tuo scafo roteante, i miei sensi si sono arresi, le mie mani non possono piu' sentire alcuna presa… fammi scomparire negli anelli di fumo della mia mente giu' nelle nebbiose rovine del tempo, via lontano dalle foglie gelate…", la splendida e tristissima 'It's all over now, baby blue": "Lasciati i sassi dietro, c'e' qualcosa che ti chiama. Dimentica i morti che hai abbandonato, non ti seguiranno. Il vagabondo bussa alla tua porta, porta i vestiti che usavi una volta. Accendi un altro fiammifero, riparti di nuovo, e' tutto finito ormai Ragazza Triste".

Il 26 Luglio 1965, Dylan si esibisce al Festival folk di Newport vestito da rocker ed accompagnato dalla Paul Butterfield Blues Band;  il gruppo attacca un rock elettrico inaudito per la serata, e il Nostro viene cacciato a furor di popolo. Torna sul palco con la sola chitarra acustica e canta una amara e chissa' quanto ironica "It's all over now, babe blue". Il cordone ombelicale che lo legava alla tradizione e' definitivamente spezzato, Bob e' pronto per cambiare il corso della musica moderna.

Realizzato con una formazione da urlo (tra gli altri Bloomfield, Al Kooper e Paul Griffin) e preceduto dal lunghissimo (per l'epoca) singolo "Like a rolling stone": "Una volta ti vestivi bene, tiravi le monete ai barboni, vero ? la gente diceva attenta ragazza, potresti cadere. Pensavi scherzassero, ridevi di chi vagabondava. Adesso non parli cosi' forte, adesso non sembri cosi' orgogliosa di dover elemosinare il pasto. Che effetto fa essere senza una casa come una completa sconosciuta, come una vagabonda ?", ecco "Highway 61 revisited" (*), di certo il suo massimo capolavoro assieme al seguente "Blonde on blonde", purtroppo non disponibile in edizione economica.

Ormai la strada e' quella del rock-blues acido letteralmente sovrastato da un fiume in piena di versi visionari, straripanti dei riferimenti piu' svariati, dalla Bibbia a Ginsberg, spesso anche di difficile interpretazione. Prendiamo ad esempio i "Tombstone blues", musicalmente un blues velocissimo con la voce che declama in una sorta di proto-rap stye parole come: "Mamma e' in fabbrica, non ha scarpe, papa' e' nel vicolo che cerca il detonatore, io sono in strada coi blues della pietra tombale. Be', Giovanni Battista, dopo aver torturato un ladro guarda il suo eroe il Comandante in capo dicendo dimmi grande eroe, ma per favore falla breve, c'e' un buco per me cosi' posso vomitarci dentro ?" o la title-track: "Be' Dio disse ad Adamo ammazzami tuo figlio, Abe disse amico mi stai incitando, Dio disse no, Abe disse cosa ?, Dio disse fa quello che vuoi ma la prossima volta che mi vedi farai meglio a scappare. Abe disse bene, dove vuoi che facciamo questo omicidio ? Dio disse sulla Highway 61".

In "Ballad of a thin man", Dylan racconta di un uomo sparuto, attonito dinanzi agli eventi che il suo tempo gli propone: "Perche' qui sta accadendo qualcosa ma tu non sai cosa e', non e' vero Signor Jones ?". E poi ancora la dolcezza e la fragilita' di "Just like Tom Tumb's blues", la galleria di personaggi immersi negli aromi lievemente latini di "Desolation row" (provate ad ascoltarla pensando a certi brani dei primi due dischi di Springsteen…) e mille altre meraviglie. Il risultato e' assolutamente affascinante, per la prima volta il rock diventa letteratura, di piu', una fusione di verso e musica di devastante potenza.

I dischi di Dylan da avere sono molti, i primi forse tutti, ma anche tra i piu' recenti diversi meritano; se proprio dovete scegliere diremmo "The freewheelin'" per il periodo folk, poi certamente "Highway 61" e, spendendo un po' di piu', "Blonde on blonde" (2 lp ristampati in un unico cd); da qui senza indugio si passa al '74 con lo splendido disco della rinascita "Blood on the tracks" (*).

Un problema da non trascurare e' quello dei testi; obiettivamente sono difficoltosi da comprendere anche per chi ha buona conoscenza della lingua inglese, inoltre e' quasi indispensabile un supporto cartaceo per poterli avere sottomano e analizzarli con comodita'. Da qui la necessita' di un buon volume di traduzioni; ne esistono diversi, ma vi suggeriamo l'acquisto dei 3 volumi della Arcana, suddivisi in periodi (Vol.1 1962 - 1964, Vol.2 1965 - 1971, Vol.3 1972 - 1985. Lit. 28000 ciascuno) e curati da Tito Schipa Jr.

Si tratta quasi di un'opera omnia, oltre alle canzoni (anche quelle comparse solo in certe versioni degli lp) trovate tradotte le Kilometriche note di copertina che talvolta accompagnano i dischi di Dylan, poesie e altre memorabilie. La grandezza di queste traduzioni sta nella TOTALE assenza di note, infatti l'autore ha cercato una difficilissima autosufficienza del testo, comprese rime interne ed esterne e giochi di parole. Per questo si e' concesso numerose licenze che all'epoca dell'uscita dei libri diedero vita ad un discreto dibattito; a noi la cosa pare riuscita pienamente, giacche' il senso e la musicalita' ne escono rispettati, se poi avete una discreta conoscenza della lingua potete godere ancor piu' del confronto con l'originale nella pagina accanto.

  <--------ELEPHANT-----TALK---------fine del numero 23--------->

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 Numero 24 (19 Agosto 1996)

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LA STRADA E IL CIELO: JACKSON BROWNE (Cheap thrills: 5) / Marco Centofanti

I dischi di questa puntata  sono: Jackson Browne, LATE FOR THE SKY, Asylum, 1974; Jackson Browne, RUNNING ON EMPTY, Asylum,1977. Tutti i titoli seguiti da asterisco (*) sono disponibili in edizione economica.

Oggi Jackson Browne e' un signore ultraquarantenne, dall'aspetto giovanile ma non adolescenziale come quello dell'eterno ragazzino McCartney, un cantautore con un grande futuro alle spalle, ignorato o sconosciuto alle nuove leve del grunge e praticamente scordato dai reduci del cantautorato west - coastiano, al piu' additato come bell'esemplare della fauna dei "politicamente corretti", fama guadagnata sul campo con l'impegno antinucleare della fine dei '70 e con alcuni album dal "messaggio sociale" (ed invero debolucci) degli anni '80, ma della sua musica semplice ed invecchiata bene come e piu' di lui si sono scordati quasi tutti da parecchio. 

E' quantomeno curioso che J.B. venga ricordato come un "impegnato", visto che il suo ruolo all'epoca del massimo fulgore era un altro: proprio lui, californiano d'adozione, fu il cantore principe della realta' quotidiana, della disillusione post - contestazione, post - summer of love, post - Woodstock, quando dopo le grandi sbornie da mutamento della societa' il rock dilatato ed acido si ritirava sconfitto dai territori delle utopie collettive per rientrare nell'alveo di un folk melodioso ed intimista e si tramutava in colonna sonora per il grande freddo dei sopravissuti e per la loro ricerca personale. 

J.B. inizia la carriera nel '66 / '67, prima come membro della Nitty Gritty Dirt Band, poi come accompagnatore di Tim Buckley e Nico (e della bellissima "femme fatale" e' per breve tempo anche il compagno neppure ventenne). La svolta avviene nel '71 quando inizia la sua collaborazione con David Lindley, straordinario polistrumentista gia' nei Kaleidoscope, sempre troppo sbrigativamente liquidato dalla critica con un disarmante "il chitarrista di J.Browne", che col suo suono slide dara' l'impronta decisiva ai lavori piu' riusciti di J.B. 

L'anno seguente pubblica il suo primo LP omonimo che conosce un certo successo; e' un discreto disco impreziosito dalle collaborazioni di bei nomi della scena californiana (uno per tutti: David Crosby). Assieme a Glenn Frey compone -Take it easy-, primo grande successo per gli Eagles; lo stesso brano apre anche il suo secondo LP, FOR EVERYMAN (*), uscito nel '73, al quale collaborano tra gli altri Jim Keltner, Don Henley, Spooner Oldham, Glenn Frey, Bonnie Raitt, David Crosby e,in -Red neck Friend- Elton John al piano sotto le mentite spoglie di Rockaday Johnnie. 

Il disco e' bello, malinconico ed armonioso come tutta la migliore produzione di J.B.; i brani che risaltano sono -Take it easy-, canzone sulla precarieta' del tempo mascherata da road - song, la disillusa -These days- ("... continuero' ad andare avanti, le cose sono destinate a migliorare in questi giorni ... Amico mio non mettermi di fronte ai miei fallimenti, io non li ho dimenticati"), l'emblematica -For everyman- ("Aspettando qui ogni uomo, cercate di farcela da soli se pensate di riuscirci, se vedete un posto dove andare io capiro'. Non sto cercando di dirvi che ho visto il disegno universale, giratemi le spalle e andate se lo pensate, ma non giudicate troppo male uno che e' rimasto con della sabbia in mano, e' solo un altro sognatore, che sogna di ogni uomo"). 

1974 ed e' il momento del capolavoro LATE FOR THE SKY (*): i testi si allungano e si immergono a volte in metafore complesse, i temi sono quelli della solitudine, del dolore interiore, della delusione. Per una volta la band e' quella che lo accompagna dal vivo, senza aperture a nomi di spicco. L'LP e' aperto dalla song omonima, ed e' subito capolavoro, J.B. non ha mai cantato con tanto dolore: "Adesso per me alcune parole vengono facili, ma so che non significano molto paragonate alle cose espresse da due innamorati che si toccano. Tu non hai mai saputo cosa io amassi in te, io non so cosa tu amassi in me: forse il ritratto di qualcuno che tu speravi sarei potuto essere. Ancora sveglio non posso fingere e so di essere solo e prossimo alla fine del sentimeto che abbiamo conosciuto. Per quanto ho dormito? Per quanto sono andato alla deriva nella notte? Per quanto ho sognato che avrei potuto accomodare ogni cosa se avessi chiuso gli occhi e cercato con tutta la mia forza di essere quello di cui avevi bisogno?" 

Un'altra meraviglia e' -The late show-, un brano sull'amore, l'amicizia e la difficolta' di esprimere i propri sentimenti; il finale e' da brivido: la musica riesce nel miracolo di crescere epica senza enfatizzare i toni o i volumi, Browne canta con tono di disillusa speranza mentre si sente il rumore di una auto che parte: "Guarda, e' come se tu fossi affacciata alla finestra da una casa in cui nessuno abita e io fossi seduto in una macchina dall'altra parte della strada, facciamo che sia una vecchia Chevrolet, una giornata ventosa e calda. Vai e impacchetta il tuo dolore, lo spazzino passera' domani, lascialo sul marciapiede e noi ce ne andremo via". C'e' poi -For a dancer-, il dolore per la scomparsa di un amico: "Devo aver pensato che saresti sempre stato in giro, sempre mantenendo le cose reali facendo il pagliaccio, ora non sei rintracciabile da nessuna parte. Non so che accade quando le persone muoiono, non mi sembra di comprenderlo per quanto ci provi". Con -Before the deluge- pare iniziare il tema antinucleare: "Nella nuda alba solo pochi sopravvissero nel tentativo di comprendere una cosa cosi' semplice ed immensa: si resero conto di essere destinati a vivere dopo il diluvio". 

Il successivo THE PRETENDER (*), pubblicato nel '76, e' preceduto dal drammatico suicidio della moglie. Per la prima volta J.B. lascia tutto il lavoro di produzione ad altri, Jon Landau, e torna a comporre a quattro mani in -Here come those tears again-, scritta con la suocera ("Ecco di nuovo quelle lacrime proprio quando stavo per riuscire senza di te ... un' altra notte senza sentire la tua mancanza pensando che dopo tutto potrei essere anche abbastanza forte, quando sento i tuoi passi echeggiare nell'ingressi"). 

I colaboratori sono moltissimi, ai soliti si aggiungono Roy Bittan, Billy Payne, Lowell George, Jeff Porcaro e molti altri. E' il disco con cui J.B. fa i conti con la propria vita, parla di chi e con chi gli e' attorno e con chi non c'e' piu', musicalmente l'album e' piu' semplice ed immediato del precedente, le uniche vere novita' sono l'arrangiamento chicano di -Linda Paloma- e quello fiatistico di -Daddy's tune-. C'e' la bellissima ballad -Your bright baby blues-: "Sul margine di questa autostrada tutti vanno da qualche parte guidando alla massima velocita' possibile ... prega il Signore per me ragazza, perche' lui puo' farmi scorrere via, perche' sono stato su e giu' per questa autostrada viaggiando a perdita d'occhio e non importa quanto veloce corra, mi sembra di non riuscire a fuggire da me stesso". 

-The only child- si rivolge appassionata al figlio, e -Daddy's tune- al padre: "Ci sono anche una cosa o due poco gentili che ti ho detto, papa' cosa pensavo di fare? Non so perché era cosi' difficile discutere con te". -The pretender- chiude il lavoro e canta della necessita' di andare avanti comunque "Mi affittero' una casa all'ombra dell'autostrada, impacchettero' la colazione al mattino e andro' al lavoro ogni giorno e quando la sera calera' tornero' a casa a riposare, e quando la luce del mattino entrera' inondando la stanza mi svegliero' e lo faro' di nuovo. Amen". 

RUNNING ON EMPTY (*) esce nel '77. Pur contenendo solo inediti e' registrato dal vivo, in parte sul palco ma a volte nei backstages, in stanze d'albergo, o persino su un autobus durante i trasferimenti del tour. Diversi brani sono cover o collaborazioni con altri artisti, il suono e' piu' deciso (forse per l'esecuzione live) ma a tratti paradossalmente piu' fragile. Sin dalla copertina e dal titolo si capisce che si tratta di una antologia dei temi ricorrenti di Browne (la strada e il viaggio, l'amore, il cielo, la pioggia e la natura in generale), di una parallelo tra il racconto di cio' che accade all'artista in tour e la vita comune. 

Si inizia col robusto rock della title - track: "Guardando la strada che scivola sotto le ruote, guardando indietro agli anni passati come tanti campi estivi, nel '65 avevo 17 anni e correvo per la 101, adesso non so dove sto correndo, sto solo continuando a correre. Continuando a correre, a correre senza carburante, a correre alla cieca, a correre incontro al sole. Ma sto correndo in ritardo". -The road- (tradotta ed incisa in italiano da Ron) e' il ritratto della vita del musicista on the road: "Telefonate interurbane per dire come stai, dimentichi delle serate storte esagerando quelle di successo, e quando ti fermi per farle sapere che ce l'hai fatta e' solo un'altra citta' lungo la strada". 

Poi la struggente melodia di chitarra, piano e violino -Cocaine-: "Adesso sto perdendo contatto con la realta'e sono quasi fuori tiro, e' cosi' una bella linea, odio vederla andare via. Cocaina scorre per tutta la mia mente", la suggestiva love song -Love needs a heart-, l'improvvisato blues - rock -Nothing but time- (registrato sul bus, si sente il rumore del motore): "E' una rock'n'roll band o un film? Fate voi, non e' un brutto lavoro se lo reggi, ma devi tenere duro e per prendere sonno su questo motel mobile bisogna farci l'abitudine". 

Si chiude con la meravigliosa -The load out-: "Ora i posti sono tutti vuoti, i roadies prendono il palco, lo alzano e lo smontano. Sono i primi ad arrivare e gli ultimi ad andarsene, lavorano per un salario minimo, lo monteranno in un'altra citta' ... Ma il gruppo e' sul bus e aspetta di andare, dobbiamo guidare tutta la notte e fare uno show a Chicago o a Detroit, non so: facciamo cosi' tanti concerti e queste citta' sembrano tutte uguali. Passiamo il tempo nelle nostre camere d'albergo e giriamo dietro al palco finche' salgono quelle luci e sentiamo quella folla e ci ricordiamo perche' simo venuti ... Quando il sole del mattino batte forte vi sveglierete nelle vostre citta' ma noi saremo programmati ad esibirci 1000 miglia lontano da qui". La canzone sfuma nel commiato di -Stay-, divertente cover di un brano anni '50 degli Zodiacs: "Gente restate ancora un po', vogliamo suonare ancora un po', l'organizzatore non ha nulla in contrario, e il sindacato non ha nulla in contrario..." 

Il decennio chiude con l'adesione al movimento antinucleare, il concerto NO NUKES del '79, una nuova compagna ed un nuovo figlio. Verranno altri dischi, il primo dei quali, HOLD OUT, raggiunge il n.1 nelle classifiche USA, ma il momento magico e' passato: J.B. non e' piu', volente o meno, il rappresentante dei sentimenti di una generazione, resta solo l'interprete di qualche buona canzone e una impolvertata voce in piu' nelle enciclopedie del rock. 

------------------------------------------------------------------------------FIONA JOICE ovvero UN NOME, DUE ALBUM & BASTA (Oltre il folk: percorsi esemplari: 15) / Gianni Galeota

Non so molto di lei. So che si chiama Fiona Joyce. E potrebbe anche bastare.

Questa volta il percorso esemplare che vi propongo non ha un inizio, ne' coordinate certe. Naviga nell'indefinito. Un nome, due album, e basta.

Si fa prima. A scrivere, e a leggere.

Allora: niente lungaggini pseudo-storiche, niente visioni d'insieme, niente pistolotti sul quadro di riferimento. Cosa abbiamo, allora?

Siamo brutali:

1) Titolo: "Behind Closed Doors"; 
Anno: boh! Forse 1991, a giudicare dai copyright dei  nove brani contenuti...
Etichetta: River Valley Records (roba della contea di Wicklow, Irlanda)

2) Titolo: "This Eden";
Anno: 1994 (questo sicuro);
Etichetta: come sopra.

E dentro che c'e'? Ottime ballad. Il primo e' un po' piu' grezzo, il secondo sicuramente piu' raffinato, piu' essenziale. Direi minimalista. (A conferma ulteriore del fatto che la semplicita' e' un punto di arrivo e non di partenza...). Voce suadente, arpeggi da favola, atmosfere sognanti. La chitarra acustica la fa da padrona (insieme alla voce, naturalmente), pero' senza monotonia.

Ogni tanto entra in primo piano la chitarra elettrica di Gerry Hendrick ("Before The Resurrection", "Long Road To Travel"), con assoli dolcissimi ma incisivi, senza una nota in piu' ne' una nota in meno. Chirurgici. (Qualcuno si scandalizza se buttiamo li', passando, il nome di Gilmour?)

Altre volte le luci si accendono sugli interventi di Maire Breatnach - il fiore all'occhiello della Celtic Heartbeat (vedi ET n. 14) - al violino e viola ("Trees", "The Juggler"), o sui fraseggi di Colm McElwee al flauto ("Cry Over You", "Little By Little").

Fiona Joyce ha una voce che, nella gamma tra il rauco di Sandy Denny e l'acuto di Loreena McKennitt, occupa una posizione intermedia, quasi dimessa, tra le righe. Porge con modestia, in piena sintonia con il contesto della sua musica. (Nel primo album forse un po' troppo debitrice all'ultima Maddy Prior, vocalist degli Steeleye Span...)

Insomma, cantautorato screziato di mistero e di un non so che di magico. Come le copertine, che ricordano - alla lontana - quelle gotico-romantiche di Roger Dean (Yes e compagnia bella).

Tutto qui.

Il resto mettetecelo voi.

------------------------------------------------------------------------------WOMAN'S HEART ovvero LA VOCE DEL CUORE (Oltre il folk: percorsi esemplari: 16) / Gianni Galeota

Che la voce femminile sia la migliore interprete dello spirito di questa terra, di quello che ci sta sotto, e di quello che ci sta sopra, beh, questo lo diamo per acquisito. La Voce, la Madre di tutti gli strumenti, strumento della Madre di tutti noi.

Ci sono in circolazione tre compilation che partono da alcune semplici, eppur fondamentali, considerazioni:

1) la centralita' della voce femminile nel repertorio folk contemporaneo;
2) l'evoluzione del folk revival pan-celtico;
3) l'evoluzione del vecchio country & western americano;
4) la voce femminile come ponte gettato attraverso l'Atlantico, che porta i due mondi ad incontrarsi.

"Woman's Heart" (vol. 1 e 2) e "Celtic Voices" non sono compilation qualunque. Sono la fotografia di questo particolare momento evolutivo, oltre il folk, appunto. Non e' un mistero che il country abbia le sue radici nel folk britannico, in particolare irlandese, importato con i massicci flussi migratori che hanno popolato l'America.

Un amico analfamusico mi disse una volta a proposito dei reels che gli era toccato (sic!) sentire nei pub di Killarney: "Hai presente nei film western, quando suonano nel saloon?" Aveva ragione. I Chieftains hanno inciso "Another Country", dove suonano con musicisti americani. Nanci Griffith, interprete del cosiddetto new country, ha ricambiato la visita in casa Chieftains (vedi ET, n. 7).

I due volumi di "Woman's Heart" (1992 e 1994) sono stati fortemente voluti, curati e compilati da Mary Black, la Signora delle voci irlandesi del momento. Parecchi album all'attivo, rappresenta l'ala moderata del folk contemporaneo. Sempre meno ballate tradizionali, sempre piu' brani originali che occhieggiano ad un country pop tranquillo e rassicurante. No, cosa avete capito. Niente a che vedere con Dolly Parton o Donna Fargo. Con tutta la simpatia, pero' si tratta di altro. Caso mai ricorda piu' un certo cantautorato tra Austin e Nashville. New country, appunto, come Nanci Griffith, i cui brani non a caso figurano nel repertorio di Mary Black.

Al suo fianco nell'avventura c'e' la sorella Frances Black, anche protagonista di tre eccellenti album da sola. Anche lei cita cantando la Griffith, vero e proprio alter-ego americano.

Maura O'Connell, notissima oltreoceano, e' ancora piu' americana, e non si sa piu' dove stia di casa. Eleonor McEvoy (in duetto con Mary Black nella splendida multipremiata "Woman's Heart") e' la mascotte del primo volume, Sinead Lohan del secondo.

Piu' legate alle tradizioni di casa sono invece Dolores Keane (una lunga carriera come Sandy Denny d'Irlanda), Maighread Ni Dhomhnaill, sorella della piu' nota (e dotata) Triona (vedi ET, n. 13), e Sharon Shannon, unica non vocalist, virtuosa dell'accordion.

Mary Coughlan e' un mondo a se'. Non so quanti di voi la conoscano, ma so che dentro "Woman's Heart" ci sta come a casa sua. Di cuore ne ha da vendere, e cosi' di voce. Con lei siamo sconfinati nel jazz fumoso e tormentato. Il suo timbro fa tutt'uno con il dolore che emana. "I Can't Make You Love Me" e' una botta allo stomaco, violenta e struggente. Forse ne riparleremo.

Sinead O'Connor e' invece una ripescata, non si sa per quale motivo. In "Woman's Heart" interpreta "Three Babies", comunque la meno fiacca e pretenziosa delle lagne cui ci ha abituato.

Dall'altra parte dell'Oceano la Narada, etichetta specializzata in new age, risponde con "Celtic Voices", ovvero quattro splendide vocalist tutte da ascoltare.

La prima e' Connie Dover, cresciuta tra Arkansas e Missouri. Ha gia' cantato negli Scartaglen, un gruppo - americano - di ispirazione pan-celtica, mentre negli album solisti ha collaborato con Phil Cunningham, scozzese DOC, ex-Silly Wizard, ex-Relativity (vedi ET, n. 13).

Maireid Sullivan, per un terzo di Cork, per un terzo californiana, per un terzo australiana, ha lavorato invece con Donal Lunny (vedi ET, n. 4). In "Celtic Voices" propone tre brani, tra cui una intensa "She Moved Through The Fair".

Sempre dall'Irlanda viene Mary McLaughlin, influenzata dal canto corale in latino, che rende ancora piu' suggestivo il traditional "Yundah". Originaria dell'Isola di Man, infine, e' Emma Christian, molto piu' legata alla tradizione.

Ah, dimenticavo. Non so a quanti di voi possa interessare, ma tutti gli incassi di "Woman's Heart" sono devoluti alla Arthritis Foundation of Ireland. Un'iniziativa ammirevole. 

Comunque la pensiate.

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RECENSIONI IN BRANDELLI : 8 / Riccardo Ridi

ACETONE : IF YOU ONLY KNEW : 1995. Col debutto CINDY (1993) ancora alternavano a ballate lisergiche impennate punk-pop, ma dopo l'immersione nel country delle personalissime cover di I GUESS I WOULD (1995) gli Acetone si sono definitivamente convertiti a un rock acustico, lievissimo, sfibrato e agonizzante.

LAMBCHOP : HANK : 1996. Se gli Acetone si muovono dal rock verso il country, i Lambchop effettuano il percorso inverso, dall'ancora alterno debutto JACK'S TULIPS (1994, 72 minuti) al capolavoro HOW I QUIT SMOKING (1995, 53 minuti) all'ultimo gioiellino HANK (31 minuti), proponendosi come i Tindersticks americani, alfieri del "new Nashville sound", misurato, sognante, notturno.

SATCHEL : THE FAMILY : 1996. Dei mille tasselli del mosaico EDC (1994, cfr. ET n. 5) i Satchel scelgono quello del rock tradizionale e compongono, alle soglie del 2000, niente meno che un classico: equilibrato, completo, maturo, per tutte le stagioni.

PURESSENCE : PURESSENCE : 1996. Nostalgie dark e new wave fanno da degna corona al super singolo "I Suppose". 

BOOTH AND THE BAD ANGEL : BOOTH AND THE BAD ANGEL : 1996. Superprogetto del cantante dei James con Angelo "Twins Peaks" Badalamenti e la partecipazione straordinaria dell'ex-Suede Bernard Butler e di sua ubiquita' Brian Eno. Grande classe, ottima confezione, suoni avvolgenti, melodie rapitrici, ma certi incontentabili si aspettavano qualcosa di piu'.

CRADLE : BABA YAGA : 1996. Un pizzico di folk, un tocco di psichedelia, tanto dark di quello piu' sognante, una voce femminile da brividi (Caroline Tree), un pedigree di rispetto (ex Levitation e House of Love), per un risultato struggente e incantato. Per quanto mi riguarda una ipoteca sul Best 10 del 1996. Attenzione al primo singolo estratto (Second Nature) che e' il pezzo piu' rock dell'album.

[CYNTHIA DALL] : [UNTITLED] : [1996]. Negli album degli Smog la sua voce trovava poco spazio e allora se n'e' fatto uno da sola con l'aiuto dei vecchi amici. Sonorita' simili alla casa madre e nessuna forma di ego-trip (l'album e' privo di qualsiasi forma di titolo, responsabilita' e datazione, lo riconoscete dalla stampina giapponese con una figura femminile in copertina e dal numero di catalogo, WIGCD23, sulla costola).

  <--------ELEPHANT-----TALK---------fine del numero 24---------->

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     Numero 25 (2 Ottobre 1996)

    “Scrivere di musica e’ come ballare di architettura” David Byrne

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PETER HAMMILL SULLE DOLOMITI / Emilio Galante 

Torri del Vajolet, 24 Luglio 1996. Si sono passati la voce attraverso Internet e sono venuti in un folto gruppo dal Belgio, dalla Norvegia, da Firenze per sentire Peter Hammill, la voce dei Van Der Graaf Generator, un personaggio ormai mitico del rock progressivo, al Rifugio Re Alberto, a 2621 metri di quota. E ne valeva la pena.

Il concerto-evento dei "Suoni delle Dolomiti" andato come meglio non si poteva sperare. Eravamo in centinaia a fianco del laghetto, sotto il sole, ad ascoltare un musicista ispirato, solo con la sua voce e la sua chitarra. Hammill e' un artista fuori dal comune, dalla personalita' fortemente carismatica.
Il suo stile rapsodico riserva continue sorprese. Accenna accompagnamenti o linee melodiche consuete e poi subito le deforma per seguire i percorsi duri e lirici dei testi. La musica per Hammill e' al servizio della parola.

Prima poeta, poi musicista. Per questo forse gli basta una chitarra per lasciar cantare la sua voce profonda, espressiva, piena delle angoscie e della forza del rock originario.

La montagna sembrava questa volta non solo modificare la percezione degli ascoltatori, ma anche quella del musicista, che si e' abbandonato alle suggestioni dell'aria aperta, ha lasciato correre la voce, sola, senza accompagnamento, alla fine e all'inizio del concerto, la ha ascoltata rispondere in eco dalle roccie, in una performance che agli stessi fan e' parsa un miracolo.
E' stato il primo concerto rock dei "Suoni" e ne ha portato sulle vette lo spirito piu' forte ed espressivo, quello sperimentale degli anni Settanta. 

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MINA: LE PAROLE E LE COSE (Solo musica italiana: 1) / Stefania Manzi

Forse la Rai ha negato la registrazione di "Parole, parole" con Alberto Lupo, ben sapendo di privare Mediaset di un vero e proprio cult per gli appassionati; non si spiega altrimenti quest'assenza nello speciale Mina trasmesso domenica 22 settembre, dove si e' cercato malamente di sostituire l'impareggiabile cantato-recitato a due voci, con due versioni del brano cucite insieme ma cantate solo da lei.

Lei e' veramente l'unica divina della canzone italiana, persino l'Espresso celebra il suo ritorno con un intero servizio; pero' dichiara di essere una cantante popolare e dice : "Viva la faccia".

Di questa , della sua faccia,  colpisce il fatto che gli occhi un tempo sempre sgranati, l'ombra delle enormi ciglia finte sempre riflessa sulla palpebra, "fanali che sembrano occhi" come le ha detto Corrado, nei ritratti piu' recenti sono troppo spesso socchiusi: cosa c'e' che la signora non vuole piu' vedere?

Del concerto di addio a Bussoladomani, nel 1978, l'impressione piu' forte che tutt'ora rimane e' quella che il telone da un momento  all'altro potesse strapparsi, tanto era il volume vocale che gonfiava di sotto; una vera e propria celebrazione della voce, i testi incomprensibili, fior fiore di musicisti sommersi dall'uscita del suo microfono. 

C'era qualcosa che ricordava Carmelo Bene: seppure il parlare di lui sia cosi' sussurrato ed invece il cantare di lei cosi' esagerato, in entrambi i casi del linguaggio e' la funzione fonetica che si privilegia, al modo serio, ironico, tragico e comico insieme in cui la intendevano i greci quando recitavano con le maschere. Per dire addio alle scene, Mina riusci' a trasformare il palcoscenico del circo versiliese in un'arena, celebrando e  dissacrando insieme Dioniso ed Apollo.

Dei brani che abbiamo potuto ascoltare alla TV, quello che sicuramente ci ha colpito di piu', adesso da grandi che quando usci' eravamo troppo ingenui per simili paragoni, e' "Lamentod'amore": con un'architettura musicale cosi' complessa ed anti-melodica, non potrebbe essere un brano di Frank Zappa?

Ed infine, non potevano non stupire i gingle pre e post pubblicitari  del polpettone televisivo: la divina che, dopo anni di silenzio, canticchia: "Adesso vado un attimo di la'" per introdurre lo spettatore alla interminabile sequenza degli spot, ed alla fine lo accoglie di nuovo, rassicurandolo di essere ancora in onda. 
Ma in fondo, e' una cantante popolare che per di piu' ha scelto di riapparire su un canale che utilizza le sue trasmissioni come contorno alla pubblicita'.

Del resto, Mina l'ha detto chiaro alla fine della trasmissione: lei fa quello che fa e si diverte, ma la vita vera e' un'altra, non sono certo le canzonette. Noi allora abbiamo sgranato i nostri occhi, per quello che ci e' concesso essendo assai meno divini di lei, e siamo andati a letto con questi dubbi: "ma come canzonette??? e allora, la phone', il dionisiaco e l'apollineo, l'addio e il ritorno, e Frank Zappa, pace all'anima sua?" 

------------------------------------------------------------------------------THE CORRS ovvero QUATTRO FRATELLINI DA NON DIMENTICARE (Oltre il folk: percorsi esemplari: 17) / Gianni Galeota

Signore e signori, l'ennesima gradevole sorpresa per chi ama deliziarsi con il folk'n'pop. L'album si chiama "Forgiven, Not Forgotten". Loro si chiamano Corrs, nel senso che si chiamano proprio così di cognome. Quattro fratellini irlandesi, baciati dalla sorte e dal talento. 

Sono: Andrea alla voce solista e tin whistle, Sharon al violino, Caroline alla batteria e percussioni, e Jim che si da' un sacco da fare alle tastiere, alle chitarre, ed ai cori. Insieme compongono e suonano. Con la complicita' di Bill Whelan, personaggio chiave del new folk irlandese (vedi ET n. 8), e di Noel Eccles, gia' batterista dei Moving Hearts, pioniere del new-wave-folk.

Quello che ci regalano i Corrs e' un gradevolissimo melange di brani tradizionali e nuove composizioni di matrice pop. I traditionals sono tutti strumentali, con violino e flauto in primo piano. Emblematici i quattro minuti di "Erin Shore (Reprise)", in cui Bill Whelan (qui c'e' lo zampino suo, eccome) da' un saggio di come un semplice motivo folk si possa arricchire, complicare, e trasformare in una piccola sinfonia. 

Le canzoni sono tutte di buon livello. Si va dalla scanzonata "The Right Time" (quasi reggae, Ace Of Base versione Irish), a "Heaven Knows" dove il violino entra in scena con un'impennata di carattere, fino a "Secret Life" e "Leave Me Alone", quasi rock (beh, insomma... prendetela per buona).

Piu' serie sono invece "Forgiven, Not Forgotten" (usata di recente nello spot di noti prodotti solari), "Runaway", dove il violino (ancora lui) accarezza la melodia intessuta dalla voce di Andrea, e "Closer", delicatamente introdotta da un arpeggio di piano (la mia preferita).

Insomma, un buon prodotto trasversale, indicato per chi ama ascoltare musica in macchina, ma anche per chi ama godersela al buio di una stanza. Un prodotto concepito e suonato in Irlanda, ma prodotto in America, confezionato sicuramente per un grande pubblico. In questo caso andare "oltre il folk" e' soltanto (soltanto?!) un tentativo di allargare i confini di un pubblico, anzi di due, che dovrebbero incontrarsi in questa zona franca. 

A proposito: i fratelli Corr vengono dalla contea di Louth, una zona di confine tra due mondi, tra Eire e Ulster . 

E allora, mi chiedo: quali migliori ambasciatori?

(http://www.atlantic-records.com/The_Corrs/)
(http://tufvan.hv.se/%7Edhadv93/corrs/)

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PATTI SMITH: LADY STILETTO (Cheap thrills: 6) / Marco Centofanti

Il disco di questa puntata  e': Patti Smith, HORSES, Arista, 1975.
Tutti i titoli seguiti dall'asterisco (*) sono reperibili in edizione economica.

L'attacco e' di quelli indimenticabili: una voce femminile, roca e calma ma decisa, declama al suono lieve di un pianoforte: "Gesu' e' morto per i peccati di qualcuno, ma non per i miei"; poi entra la chitarra, gli altri strumenti e il tutto si tramuta in una versione sempre piu' frenetica della VanMorrisoniana "Gloria", condotta ad un finale da anfetamina.

Era cosi' che Patty Smith apriva, nel 1975, l'imperdibile "Horses", primo capitolo della quadrilogia di cui fanno parte "Radio Hetiopia", "Easter" e "Wave", seguita, passata la meta' degli anni 80, dal deludente "Dream Of Life",  rintracciabile tra i "forati" per poche migliaia di lire e, quest’anno, dal non indimenticabile “Gone Again”.

La Smith all'epoca di quel debutto su Lp aveva gia quasi 30 anni ed una vita vissuta alle spalle: nata nel '46 a Chicago, inizia un pellegrinaggio con i santini di Dylan e Rimbaud come numi tutelari: si trasferisce nel New Jersey, poi a New York, a Parigi e a Charleville, e poi ancora, con l'inizio dei '70, a New York, dove entra nel giro artistico underground. Convive al Chelsea Hotel col famoso fotografo Robert Mapplethorpe (recentemente stroncato dall'AIDS), conosce tra gli altri Wharol, Sam Shepard, John Cale, Dylan, i New York Dolls e i Blue Oyster Cult del suo nuovo compagno, Allan Lanier, per i quali scrive alcune canzoni; dipinge, recita, danza, pubblica 3 libri di poesie.

Verso la meta' del decennio, New York e' l'epicentro di quel movimento punk destinato ad esplodere a livello mondiale di li' a poco sull'altra costa dell'oceano grazie agli spilloni e agli sputi dei Sex Pistols, e il suo tempio maledetto e' un fatiscente locale sulla Bowery, il CBGB, nel quale muovono i primi passi tra gli altri i Television, i Ramones, Blondie, e soprattutto i Talking Heads; e' qui che Patty comincia i suoi readings di poesia con accompagnamento di piano e chitarra (suonati da Richard Sohl e Lenny Kaye, nucleo primigenio del P.S. Group). 

L'esordio discografico e' il leggendario 45 giri "Hey Joe / Piss Factory"; nel '75 la band si completa con Ivan Kral (basso) e Jay Dee Daugherty (battera) e incide "Horses"(*), uno dei grandi classici del rock statunitense degli anni '70, ancora oggi fonte di ispirazione di tanto rock al femminile (il pur pregevole "Rid Of Me" di P.J. Harvey, tanto per non far nomi), prodotto dell'ex Velvet Underground J. Cale e con la collaborazione di Tom Verlaine, Allen Lanier e le foto di Mapplethorpe.

Dell'eccitante brano di apertura si e' gia' detto, ma tutto l'album e' una incendiaria commistione di poesia e musica. Ci sono il reggae di "Redondo Beach", la ruvidita' rock di "Free Money", la solennita' di "Break It Up" ("… Il cielo era in tempesta, il ragazzo scomparve ed io caddi in ginocchio dovevo sentirmi come lacerata, il ragazzo apparve ed io gridai -Prendimi ti prego-"), ma soprattutto il delirio febbricitante di "Birdland": la voce miagolante della Smith che vomita fiumi di parole sul tappeto di un pianoforte onirico e di stridori chitarristici simili al canto di gabbiani, poi il climax, le grida si fanno disperate: "Per favore, portami a casa, non lasciarmi qui, ti dono i miei occhi…" e il volume degli strumenti sale, e i gabbiani si moltiplicano… per finire rallentando nuovamente, col cuore che batte forte e il respiro affannato.

L'anno seguente e' la volta di "Radio Ethiopia"(*); sin dal brano di apertura si capisce che il gruppo ha serrato le fila e accettato maggiormente la ortodossia rock. Non c'e' piu' Cale a produrre e sul retro di copertina compare l'eloquente "Free Wayne Kramer". 

All'interno, un bel booklet con foto di P.S. seduta davanti ad un muro spruzzato dalla scritta "Vive l'anarchie", di pipe da oppio e visi di uomini e donne africani, un lunghissimo racconto-poema della stessa Smith, vari ringraziamenti e citazioni (da Paul Getty III a Jim Morrison passando per la regina di Saba). Non si rinuncia comunque a quel simbolismo che e' il marchio del gruppo: in "Ask The Angels" ascoltiamo "… Armageddon? Non c'e' nessun salvatore o carceriere che puo' accettarlo, la fine del mondo e' gia' iniziata e io sono nata per il rock'n'roll, e io sono felice, chiedi agli angeli se stanno iniziando a muoversi in massa da Los Angels…".

"Pissing In A River" chiude alla grande il primo lato, mentre "Pumping (My Heart)" apre il secondo con un rock travolgente ma un po' a buon mercato per un gruppo che ci ha abituati a ben altre finezze. Solo in chiusura si torna a volare alto con la free-form di "Radio Ethiopia / Abyssinia".

Nel '78 esce "Easter"(*), disco incentrato su temi religiosi e di buon successo. La svolta e' accolta tra mille polemiche: che P.S., signora dei junkies, narratrice simbolista e maledetta del sesso, reincarnazione femminile di Morrison, intitoli un disco "Pasqua", non e' cosa da poco. La produzione, molto addomesticata, e' affidata a Jimmy Iovine, la forma-canzone e' sempre piu' quella usuale dei 4/4 e i testi si incentrano generalmente su argomenti religiosi.
I primi due brani sono rockacci riempitivi, scontati come le parole: "… Il destino si compie e se noi muoriamo l'anima risorgera'. Dio ti prego non portarmi via fino alla vittoria …".

Per fortuna seguono la bella "Because The Night" (scritta con Springsteen e si sente, sia nel suono che nel testo: "Prendimi ora baby cosi' come sono, stringimi forte e prova a capire il desiderio e' fame, e' il fuoco che respiro, l'amore e' un banchetto a cui ci nutriamo …"), la misteriosa e tribale "Ghost Dance": "… Noi risorgeremo… Che c'e' padre, stanotte tu piangi, stanotte respiri, ti stai alzando stanotte per danzare la danza degli spiriti, che c'e' padre, quel granello che si risveglia, quella polvere nei tuoi occhi". Il primo lato si chiude alla grande con "Babelogue", uno straripante fiume di parole registrato dal vivo che ha come base il ritmico battere di mani del pubblico eccitato sempre piu' veloce ed incalzante, che va a dissolversi nella seguente "Rock'n'roll Nigger": "… Jimi Hendrix era un negraccio, Gesu' Cristo e nonna pure, Jackson Pollock era un negraccio, negraccio… Fuori dalla societa', ecco dove voglio vivere, ecco dove mi stanno aspettando." Sul secondo lato spicca "We Three", disperata storia d'amore a tre, e trova posto una sconcertante "Easter" : "Isabella, tutto e' luce, Isabella tutto e' con conoscenza, Isabella, stiamo morendo, Isabella, stiamo risorgendo".

1979 ed e' la volta di "Wave"(*), prodotto da Todd Rundgren. I temi religiosi, personali ed intimisti si acuiscono ancora, come si puo' notare dalla copertina, che ritrae Patty vestita di bianco e con due colombe in mano, dal booklet interno che riporta addirittura una foto ed una citazione di Papa Luciani, una dedica al marito Fred "Sonic" Smith (ex-membro degli MC5, deceduto pochi mesi orsono) e una imbarazzante foto del gruppo che fa ciao-ciao con la manina.

L'Lp inizia bene con "Frederick", appassionata dedica d'amore al marito, paragonato ad un "angelo custode" e prosegue meglio con "Dancing Barefoot", dalle atmosfere quasi psichedeliche (circa Doors). Il flirt con gli anni '60 si esplicita con la seguente "So You Want To Be A Rock'n'Roll Star", cover Byrdsiana eccessivamente calligrafica. Il meglio del primo lato lo troviamo nella conclusiva "Revenge", Smith canta:"… Perche' i fantasmi del nostro amore sono svaniti, sono morti, e non serve a nulla fingere di no. Ah, stanotte la mia anima ti torturera', era ora che avessi la mia vendetta, dolce vendetta", mentre Kaye sfodera uno stacco di chitarra monumentale, mai cosi' incisivo e prolungato in un disco del P.S. Group.

Sul secondo lato c'e' "Citizen Ship", dedicata a tutti i senza cittadinanza, come Kral, nato in Cecoslovacchia ma "stateless". L'album si chiude con la solenne "Broken Flag", dedicata a Barbara Fritchie, che nel 1862, in una citta' del Maryland, innalzo' la bandiera dell'Unione sull'asta rotta, in faccia al nemico e la tristissima "Wave", solo voce recitata, pianoforte e il rumore del vento, che termina con un ripetuto, desolato "Bye Sir, bye Papa".

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RECENSIONI IN BRANDELLI : 9 / Gianni Galeota

Briana Corrigan, WHEN MY ARMS WRAP YOU ROUND, 1996 (East-West 0630-14271-2). Chi se la ricorda la vocina under-10 dei primi Beautiful South? Limitata e compressa dal dilagante Paul Heaton, la nostra Briana ha mollato baracca e burattini e si e' messa da sola. Il risultato: 12 ballate folk pop, molto English style, che sanno un po' di college e un po' di prati verdi, spruzzati appena da una pioggerellina fine fine, che non bagna (dolcissima "The Man Is Dead"). Forse un po' monocorde, ma efficace. Consigliato a chi ha amato i Beautiful South, a chi ama il pop inglese in generale, ma anche a chi aspetta con ansia il nuovo dei Cardigans (evocati in "I Put My Arms Out For You").
(http://www.dotmusic.co.uk/MWtalentcorrigan.html)

Susan Crowe, THIS FAR FROM HOME, 1994 (River Records RR 001CD) Si fa presto a dire di lei (come ha fatto qualcuno): la Mary Chapin Carpenter canadese. Tanto piacere. Ma non ci siamo. Susan Crowe e' piu' discreta, scarna, minimale. Eppure accattivante. Si dice che per anni abbia preferito coltivare le sue api piuttosto che buttarsi nel business musicale, come invece in molti la invitavano a fare. Poi piano piano si e' convinta. Dieci ballate tutte memorabili, tenere, dolcissime, con chitarre, violino, mandolino e pianoforte. Tra tutte cito "The Step Of A Long Lost Love" e "On Your Way To Mars".
Ah, dimenticavo: il disco e' costato due lire, praticamente autoprodotto.
(http://www.mtnweb.com/~abstract/crowe/index.html)

Muriel Moreno, TOUTE SEULE, 1996 (East-West 0630-14819-2)
Finalmente tutta sola, dopo la controversa cascata di polemiche degli ultimi Niagara. Muriel tenta la prova solistica con un album pieno di cose, dallo wah-wah stile seventies di "Mes 10 Commandements" alla melodia pura di "Pres Du Lac Vert"; dal milieu magico di "My Prime Of Youth" alle astrazioni para-lunari di "Maybe You Haven'y Got" e "Maggie", fino alle suggestioni etno-africane di "Quand Le Vent Crient Aux Feuilles" (la mia preferita). Ritmica nel complesso pulsante e sostenuta, voce piu' duttile del solito. In crescita.
Chiude l'album "Dans Le Lit Du Conraut", piccolo gioiello per voce e piano, un tributo latino allo stile Bush-Amos. Consigliato a chi ama le voci che non cullano, e che non danno mai certezze. 

Abra Moore, SING, 1995 (Bohemia Beat BBEA 4) Finalmente sola. Anche lei. Texana di Austin, compagna di viaggio dei Poi Dog Pondering, qui Abra Moore ci regala una prova di tutto rispetto. Con grande modestia, senza trucchi ne' birignao, esordisce con una voce molto sicura, che ricorda a tratti Rickie Lee Jones. Maliziosa in "I Look Around", enigmatica in "Some Kind Of Change", sembra evaporare in un sospiro nei pressi della splendida "Somebody That Cares", per poi riprendere vigore nella piu' vivace "Throw A Penny". Ora e' piu' consapevole di una vecchia volpe ("Sign"), ora piu' allusiva della sorella birichina di Suzanne Vega ("Step Without Looking"), ora addirittura canzonatoria ("Half Step And A Tumble"). Ma sempre elegante. Raffinata.
Un must per gli appassionati dei paradisi acustici.
(http://harp.rounder.com:70/rounder/artists/moore_abra/profile.html)

Carrie Newcomer, THE BIRD OR THE WING, 1995 (Philo PH CD 1183) Terza prova per questa versatile e duttile folksinger dell'Indiana. Si ritrovano in lei riferimenti al country, naturalmente, ("I'm Not Going To Let You Break My Heart"), al R&B ("The Prelude"), al cantautorato mitchelliano ("The Love Letter"), alle nuove leve piu' incazzate come Ani Di Franco ("Wisdom Is Watching"), ma anche qualcosa di Tracey Thorn e della migliore Julia Fordham (specialmente in "Nomads"), e di certo folk rock alla Fairport Convention (passim). Orizzonti ampi per un nome da seguire. Compagna di avventura in tre brani quella Jennifer Kimball protagonista al 50 per cento con Jonatha Brook della fortunata - ma purtroppo conclusa -esperienza The Story.
Buon viaggio.
(http://beet.bloomington.com/newcomerbeet.html)

Max Sharam, ...A MILLION YEAR GIRL, 1995 (East-West 4590-99573-2) Purissimo pop, mai banale, ricco, ricercato. A volte di alta classe. Come ad esempio in "Coma", dove mille Max sovraincise disegnano intricati arabeschi vocali, degni - lasciatecelo dire - della solita Kate Bush. Oppure come in "Purple Flower", delicatissimo episodio in punta di penna, dall'inciso vagamente "a la Cocteau".
In "Hunting Ground" la ritmica quasi dance e' avvolta da improvvise melodie di archi. Romantico suggello con "Orchestra Au Naturel", un sogno ad occhi aperti.
Otto nominations agli Awards australiani (album, singolo, artista femminile,  debutto, ecc.), ottimo esordio per questa eccentrica australiana (basta vedere il libretto del CD, anche lui nominato agli Awards), con una spiccato senso dello strumento-voce.
(http://www.aone.net.au/opaque/max/index.html)

Heather Eatman, MASCARA FALLS, 1995 (Oh Boy OBR 014)
Dal filone newyorkese del cantatutorato made in USA arriva questa raccolta di 11 ballate elettro-acustiche (piu' elettro che acustiche, in verita'), molto gradevoli, quasi pop. Storie di Betty-Jean, di Jane Duncan, di Miss Mary G., e di altri personaggi del sottobosco metropolitano, che Heather Eatman disegna come le illustrazioni che lei stessa ha preparato per il libretto del CD. Storie di stra-ordinaria solitudine, tra piccole disperazioni, delusioni striscianti, ma anche con un pizzico di humour nero. 
Una lacrima spunta dagli occhi ed il mascara cade, scivolando sulle guance. L'effetto e' assicurato.
(http://www.ohboy.com/~ohboy/Eatman.html)

Sophie Zelmani, SOPHIE ZELMANI, 1996 (Sony Music COL 48095509) Giovane emula delle piu' anziane folksinger americane, la svedese Sophie intona una dozzina di ballatine niente male. Diversamente dalla conterranea Idha Ovelius, folksinger piu' tradizionale (vedi ET n.  ), Sophie ama ogni tanto abbandonare il sound acustico (che pure c'e', eccome, in "Stand By" con tanto di armonica in sottofondo) per sposare soluzioni piu' roots, con bricioline di rock, minuzzoli di blues, e spolverature country. Tutta roba tranquilla, non crediate... Pero' "Until Dawn" e' graziosa, "Tell Me You're Joking" persuasiva, e "You And Him" grintosa (forse l'episodio piu' riuscito).
Troppo poco, comunque, per una nuova Sheryl Crow.
(http://www.sonymusic.be/Remote/LatestN/zelmani/zelmani.htm)
(http://www.mic.stim.se/6/acts/sophie_zelmani.html)

Lynn Miles, SLIGHTLY HAUNTED, 1996 (Philo CD PH 1190)
Con Lynn Miles si tocca il fondo (o la cima) della maniera Jones-Mitchelliana. Canadese come Mamma Joni, anche Lynn ha il senso della ballata. Storie di una solitudine tutta canadese, piena di neve alta sei pollici, di 40 gradi zotto zero, e di spazi aperti. "The truth and honesty in this kind of cold", dice il booklet, "is absolute". Tutto il Canada bubbola dal freddo, ma Lynn Miles ne fa una questione di poetica. 
Si', ci convince. Bella la voce, belle le armonie. Per esperienza personale: un disco quasi completamente acustico che non annoia. Uno dei pochi.

Viktor Lazlo, BACK TO FRONT, 1996 (East-West 0630-14169-2)
Mi sia consentito dedicare questo brandello alla memoria della Viktor Lazlo che fu: alla neo-Gilda di "Put The Blame On Mame" ("She" 1986), alla sinuosa chanteuse di "Breathless", alla maliziosa evocatrice di "Champagne And Wine" ("Viktor Lazlo" 1987), alla caparbia tentatrice di "Quiet Now" ("Hot And Soul" 1989). Il penultimo album "My Delicious Poisons" (1991) ci aveva lasciato perplessi (tranne forse l'ottima "Teach Me To Dance"). Il singolino "Vattene Amore (version francaise)" non ci aveva scandalizzato piu' di tanto. Pero' la prova d'appello di "Back To Front" ci conferma - ahinoi! - lo stato di (dis)grazia della nostra Viktor. 
Ballate jazz'n'soul troppo fiacche, orientate disperatamente a recepire qualche spunto alla moda (vedi l'inciso quasi bristoliano di "My Love", che pure resta tra le cose migliori, o l'acid jazz della cover "Have A Mercy"). "Final Crush" ci regala un buon momento, nonostante il titolo. "Blow It Away" si difende bene, mentre "If I Go" e "Waiting For The Night" sembrano prese dai primi album. Tutto qui. Il resto e' silenzio o poco piu'. Non ci siamo, Viktor. Eppure, nonostante tutto, ci vogliamo fidare di te. Ti aspettiamo alla prossima.

Suzanne Chawner, ON PRIMROSE HILL, 1994 (Round Tower Music RTM CD 67) Voce intensa, ma pacata. Molto europea. Anzi, inglese. C'e' tanta misura in questo esordio di Suzanne Chawner, oserei dire molta classe. E la classe, lo sanno tutti, non e' acqua. Ci sono viole, violini e quartetti d'archi ad accompagnare questa che e' - e rimane - un'opera cantautorale. Per questo gli episodi a nostro avviso piu' riusciti sono proprio "On Primrose Hill", con la sezione archi al completo, "Home Free" e "I Miss You" (entrambi con Julia Palmer al violoncello).

Zoe, HAMMER, 1996 (BMG 74321 37698 2) Un nome, un destino. Anzi due: Donal Lunny e Davy Spillane. E che ci fanno nel secondo album di Zoe Pollock, giovane grintosa rampolla del soul pop made in Britain? Ci fanno quello che possono, e possono molto. Lunny produce "I Once Loved A Lad", traditional di rango (ripreso tra gli altri - mirabilmente - dai Pentangle), dove suona anche bouzouki, bodran e sitar. Spillane fa gemere la sua splendida uillean pipe in "Lion Roars", aria dal sound vagamente celtic, con Lunny ancora al bouzouki. Produce il resto Youth, giovane vecchia volpe del recente R&B ballabile, che qui dimostra di non avere paura delle chitarre acustiche.
Arrivata alla seconda prova, Zoe meriterebbe davvero di piu'. Una cover dell'unico hit-single del suo primo album ("Sunshine On A Rainy Day", tratto da "Scarlet Red And Blue", del 1991) ha avuto l'onore di comparire nel debutto discografico di Sua Felinita' Naomi Campbell. Che sia solo l'inizio? Zoe manovra il soul del 2000 con grande efficacia e padronanza di mezzi. Chi vuole puo' contrapporla alle varie Alanis Morissette e Joan Osborne, nelle vesti di terzo incomodo. Faccia pure. Noi preferiamo raccomandarla vivamente ai fans di Sam Brown (se ci siete, fate un fischio!).
(http://www.dotmusic.com/MWtalentzoe.html)

Wendy Beckerman, BY YOUR EYES, 1992 (Bramus records 199452-2) Consigliato vivamente a tutti gli amanti del folk urbano del Greenwich Village, a chi non teme la prospettiva di ascoltare 14 ballate acustiche praticamente tutte uguali, e a chi rimpiange a calde lacrime il primo album di Suzanne Vegea, alla quale la nostra Wendy Beckerman somiglia un bel po' (in particolare in "I'll Cry Tonight", "Now Is The Dream" e "Who Would Dare").
(http://www.professionals.com/~hdd/campcal/hardybeckerman.html)

Carol Noonan, ABSOLUTION, 1995 (Philo CD PH 1176) Artista difficile da collocare (ammesso che lo si voglia proprio fare). Voce di grande carattere, qualcuno l'ha avvicinata a Sandy Denny. Lei preferisce richiamarsi alle tre J's, cioe' Joan Baez, Joni Mitchell e Judy Collins. Una civetteria? Personalmente trovo nel suo vibrato intenso e drammatico tracce saddirittura di Stevie Nicks ("Come Undone"), o dei piu' recenti October Project ("Till I See You Again" e "Sacrifice").
Il repertorio spazia dalle ballads cantautorali americane a "She Moved Through The Fair", notissimo traditional irlandese. Carol Noonan non nasconde infatti le sue simpatie per il folk pan-celtico (si dice che l'illuminazione le sia venuta ad un concerto di Richard Thompson). Ogni tanto semina qua e la', tra una strofa e l'altra, pensosi e malinconci fraseggi.

   <--------ELEPHANT-----TALK---------fine del numero 25--------->